American Gangster (2008)

Dirección: Ridley Scott.

País: USA.

Año: 2007.

Duración: 157 min.

Género: Drama.

Interpretación: Russell Crowe (Richie Roberts), Denzel Washington (Frank Lucas), Chiwetel Ejiofor (Huey Lucas), Cuba Gooding Jr. (Nicky Barnes), Josh Brolin (detective Trupo), Carla Gugino Laurie Roberts), John Hawkes (Freddie Spearman), Ted Levine (Lou Toback), Armand Assante (Dominic Cattano), Common (Turner Lucas), John Ortiz (Javier Rivera).

Guión: Steven Zaillian.

Producción: Brian Grazer y Ridley Scott.

Música: Marc Streitenfeld.

Fotografía: Harris Savides.

Montaje: Pietro Scalia.

Diseño de producción: Arthur Max.

Vestuario: Janty Yates.

Estreno en USA: 2 Noviembre 2007.

Y ahora... Heroína...(*)

La leyenda del traficante de heroína, hombre de familia, verdugo y líder ciudadano Frank Lucas se contó por primera vez hace siete años en el New York Magazine en un artículo firmado por el periodista Mark Jacobson.

Basada en una historia real, de un jornalero muy pobre que se mudó a Harlem y consiguió meterse en el tráfico de heroína a gran escala y llegar a gobernar el imperio neoyorquino de la droga. Ocurrida entre los años sesenta y setenta, llegó a amasar una fortuna que se calculó en decenas de millones de dólares. Fue mano derecha de un padrino negro llamado Bumpy Johnson, hasta su muerte en 1968. Lucas se hizo cargo del negocio, cambiando el rumbo a la importación de heroína, la llamada "Country Boys´ Blue Magic" (La magia azul de los pueblerinos). Se comenta que el kilo de heroína al 50  ó 60 % valía entre 50.000 y 60.000 dólares en esos años. Frank Lucas consiguió meter en las calles heroína pura al cien por cien a 4.200 dólares el kilo. Y todavía se dice que debió haber ganado un millón de dólares diarios en algunos momentos. Esto testimonios se desprenden del relato que el traficante cuenta desde la cárcel (fue condenado a cadena perpetua, pero visitó algunos dias los sets de rodaje en el barrio Harlem.

Durante la preparación, el actor neoyorquino aprendió más de lo que esperaba del mundo del tráfico de drogas, Denzel Washington añade: “No me interesaba glorificar a un traficante, se lo dije a Frank nada más conocerle”. Es interesante saber que el actor escribió “No hay paz, dice el Señor, para los malvados” (Isaías 48:22) en su guión de rodaje para acordarse del rumbo escogido por Frank Lucas y su búsqueda de la redención.

Por otra lado, el productor Braian Grazer había hablado con un veterano guionista Steven Zaillian para que escribiera un guión basado en la vida de Frank Lucas.

Steve Zaillian, ganador de un Oscar y autor de obras maestras como La Lista de Schindler, de Steven Spielberg, y la aclamada Gangs of New York, de Martin Scorsese, habló durante meses con Frank Lucas y tambien que fuese su perseguidor el policía Richie Roberts.

En principio se había hablado con Antoine Fuqua, que había dirigido a Denzel Washington en el papel de un policía corrupto de narcóticos de Los Angeles Training Day (Día de entrenamiento). Mientras corría el 2004, la Universal Pictures detuvo el desarrollo del proyecto. Otros guionistas trabajaban el guión y se hablaba de colocar otros actores y directores, el productor insistía en que Ridley Scott aceptara realizar el proyecto. El productor Brian Grazer había llevado el guión a Scott como siete u ocho veces, hasta que en la novena o décima dijo que sí. Sabemos que el realizador británico es conocido por creaciones que abarcan película de ciencia ficción , Blade Runner (mi favorita) y Alien a dramas como Gladiador , Thelma & Louise  y Hannibal. 

Ridley Scott cuenta con uno de sus actores fetiche, Russell Crowe, como tambien por quinta vez, con su diseñador de producción Arthur Max. Desde Los Angeles en 2019 para Blade Runner hasta la Roma Antigua de Máximo para Gladiador, para este estudiante de Bellas Artes reconvertido a realizador no hay nada imposible. 152 decorados diferentes con casi cien actores con papeles hablados. American Gangster es una de las películas con más localizaciones en Nueva York. La recreación de la ciudad de hace tres décadas planteaba dificultades, para conseguir la ambientación idónea, se rodó a veinte manzanas más al norte de la mal afamada Calle 16. El rodaje en Tailandia fue algo más complicado de lo previsto debido al reciente golpe de estado. Se escogió una zona a unas dos horas al norte de la ciudad de Chiang Mai para reconstruir el viaje de Frank Lucas a los campos de opio del Tríangulo de Oro, formado por Birmania, Tailandia y Laos, donde crecía la mayoría del opio mundial hace 30 años.

La Música

Ridley Scott estaba totalmente de acuerdo en que era vital tener el tipo de música que se oía en Harlem en la época. Se escucharan las caras B de los singles, probablemente una de las más ricas musicalmente, el principio del funk. La escena musical estaba en pleno auge, tanto para el R&B y al funk. Pero la banda de sonido* no contiene solo funk y Rhythm and Blues, sino blues clásicos, soul y hip-hop. Temas del gran bluesman John Lee Hooker, del guitarrista Bobby Womack (suena tambien en Jackie Brown) y de otro bluesman, Lowell Fulson. (este canta un tema compuesto por Lennon y McCartney).  Despues de asistir a unos avances, Jay-Z, superestrella del rap y presidente de Def Jam Records, se sintió inspirado y compuso temas originales basados en su propia experiencia como delincuente y traficante, que tiene ciertos paralelismos con la vida del gángster de los años sesenta.  Se había incorporado "Hear of the City", al trailer de la película. Reconoce que su repentina creatividad surgió al sentir que "este hombre miraba en mi interior". Y añade: "Nunca habíamos visto a nadie llegar tan alto. No se concebía estar por encima de la mafia italiana si salías de esos barrios.

* Film Score ( banda de sonido) es un término amplio que hace referencia a la música en una película que, generalmente, es categoricamente separada de las canciones utilizadas dentro de una película. El término Score es con frecuencia sinónimo de Film Soundtrack, banda sonora de la película, aunque también puede incluir las canciones utilizadas en la película, mientras que la banda de sonido no. Una banda de sonido es a veces escrita específicamente para acompañar  una película. Cada pieza individual de la música de una película dentro de la banda de sonido se llama Cue (marca o señal), y suele ser una composición para instrumentos (por ejemplo, orquesta) y / o no individualmente figuran voces. Desde 1950, un número cada vez mayor de banda de sonido son electrónicas. o un híbrido de orquesta y los instrumentos electrónicos. Muchas películas de bajo presupuesto tiene que basarse en muestras digitales para imitar el sonido real de instrumentos en vivo.

Unos de los últimos ganadores de la Academia de Premios por Banda de sonido original fue el conocido compositor Gustavo Santaolalla por Brokeback Mountain (2005) y Babel en el 2006.

Albino "clean"  Red - 07-2008

No Country for Old Men (2008) No es País para los Viejos

Dirección: Ethan Coen y Joel Coen.

País: USA.

Año: 2007.

Duración: 122 min.

Género: Drama, thriller.

Interpretación: Tommy Lee Jones (sheriff Bell), Javier Bardem (Anton Chigurh), Josh Brolin (Llewelyn Moss), Woody Harrelson (Carson Wells), Garrett Dillahunt (agente Wendell), Kelly Macdonald (Carla Jean Moss), Tess Harper (Loretta Bell).

Guión: Joel Coen y Ethan Coen; basado en la novela homónima de Cormac McCarthy.

Producción: Joel Coen, Ethan Coen y Scott Rudin.

Música: Carter Burwell.

Fotografía: Roger Deakins.

Montaje: Roderick Jaynes.

Diseño de producción: Jess Gonchor.

Vestuario: Mary Zophres.

Estreno en USA: 21 Noviembre 2007.

Cuando le doy vueltas y vueltas a que escribir sobre este film y sus autores; los hermanos Coen, más me pongo a pensar o quizás a razonar, son estos tipos unos genios por llevar tan bien una novela de un escritor que se lo apoda el "Shakespeare del Oeste"? Cormac McCarthy. Una voz poderosa de una zona en pleno cambio. Ganador de premios Pulitzer y considerado uno de los novelistas mas importantes del momento. 

Mirando una nota de marzo de este año en el sitio de Rollingstone de Argentina, me entero de que se ha editado la novela en el país y propone poder bajar un capítulo en formato pdf. No me negué a tal tentación, asi que la bajé y le dí un vistazo al que sería parte del primer capítulo, supongo. Al leerlo veo que el autor es lo que yo diría "fílmico" o sea, tanto los díalogos como la descripción de las acciones y lugares, te das cuenta que te lleva a un guión técnico, no se para mí no es muy narrativo que digamos sino muy descriptivo.

Por otro lado, los hermanos Coen más que genios, podrían ser los tipos con la mejor agencia de casting de Estados Unidos, por que el film se sostiene y muy bien a partir de los personajes que están interpretados por los actores aquí reunidos. De los cuales, dos se proclaman conocedores de la obra de McCarthy y además porque son oriundos de la zona ( estado de Texas). Estoy hablando del que sería el Sheriff Bell ( Tommy Lee Jones) que ha interpretado en algunos films a personajes texanos y tambien de sheriff. El sería lo que es estas novelas conocemos por el "bueno" .Y el malo, extraño, caído de quien sabe donde, es el actor español, ganador de un Oscar al Mejor Actor, Javier Bardem, sería nuestro muchacho "malo".  Pero la novela nos presenta a un tercero, que junto con estos dos sería el que estará "tentado" entre el bien y el mal, un texano ex combatiente de Vietnam, honrado, que jamás habría ido contra la ley si dos millones de dólares no se hubieran cruzado en su camino.

No estoy tan equivado al ver que la historia se sostiene gracias a sus personajes , como les decía, un golpe clave en la elección de actores, bastante definidos y a la vez con un toque de humor negro, que si no me equivoco McCarthy dota en sus novelas y que los Coen saben como manejar en la puesta de escena.

El director de fotografía se llama Roger Deakins y es nominado a cinco Oscar. Trabajó siempre en los filmes de los Coen, y él mismo comenta que No Es País para Los Viejos (el título en español, va mejor que el argentino, Sin lugar para los débiles) por que acá la que aparece vieja y debilitada y cansada es la Ley que interpreta Tommy Lee Jones. dice el director de fotografía: "Veía el film como uno de  Sam Peckinpah, podría ser "Quiero la cabeza de Alfredo García", donde los personajes viven acorde a un tiempo pasado sin tener contacto con el mundo moderno". Si es muy bueno su trabajo, la historia para crear tensión se sirvió mucho de la luz ambiente, el paisaje, los claro-oscuros , el contraste entre la noche y el día, (incluso se puede ver la escena de la persecución que está filmada al amanecer y atardecer para recrear un "amanecer falso".)

Otro que trabajó siempre con los Coen, es el montajista británico Roderick Jaynes, que ha montado todas las películas de los hermanos desde "Sangre fácil" y también de ésta. Y tambien se encuentra en la lista de colaboradores el estilista oscarizado Paul Leblanc (Amadeus). tambien comenta que trabajó con una diseñadora de vestuario (Mary Zophres) para dar con el personaje enígmatico y que transmite la sensación de miedo. Tiene ese corte de pelo "bihistórico" porque podría funcionar en el siglo XVII y en los años setenta del siglo XX.

En definitiva, trabajar con un equipo de gente conocida, y que además es ganadora de premios, sumado a una perfecta selección de casting, más una novela de un texano, considerado uno de los mas importantes novelistas de estos tiempos, dará por resultado eso que dije de los Coen que son genios por tener esta fórmula. Si no porqué creen que recibieron 4 Oscars, 86 premios y 36 nomitaciones...? Igual veanla y disfrutenla. Cine para pocos.

Albino Red, 07-2008

The Getaway (1972) La Huída

Título original: The Getaway

Año: 1972

País:Estados Unidos

Duración: 122 min

Estreno en USA: 1972

Director: Sam Peckinpah

Reparto: Steve McQueen, Ali MacGraw, Ben Johnson, Bo Hopkins, Slim Pickens, Sally Struthers, Al Lettieri, Richard Bright, Jack Dodson 

Guión: Walter Hill (Novela: Jim Thompson) 

Música: Quincy Jones 

Productora: First Artists

Género: Thriller

Continuando con films de la década del 70, escuche por ahí que alguien habia soñado con ovejas dentro de un corral. Entonces me acordé de este film dirigido por Samuel, Sam para los amigos, Peckinpah. Un cineasta estadounidense fundamental, resurgido entre las décadas 60 y 70. Simbolismo, metáforas en imagen, sonido de anticipación. Si quizás asi yo hubiese querido que mi primer trabajo práctico de la escuela de cine hubiera quedado de esa manera. La gente que viaja en tren en los medianos de los 80´s en Argentina, y las tomas de un frigorífico más algunas pocas vacas en los corrales de Liniers. Toda esa metáfora bajo el compasivo y pendulante ritmo de El Bolero de Ravel. Sin comparación siquiera, pero me vino a la mente.

De alguna manera muchos directores crean homenajes a sus directores favoritos o continúan con un código o mejor dicho con alegorías, tal es el caso de Quentin Tarantino aunque con sus propias patentes de ciertas tomas, como la toma desde dentro de un bául de un automovil (Reservoir Dogs, Kill Bill Vol 1).

Las imágenes creadas por Peckinpah, estan llenas de violencia, lirismo y sus personajes son rebeldes, "antihéroes"; son asesinos, pistoleros, fugitivos de la ley con un pasado turbio. Peckinpah es recordado tambien por títulos como "Perros de paja", "Grupo Salvaje", " La Huída" o "La Cruz de Hierro".

Todas las escenas estan rodadas en orden cronológico partiendo desde el comienzo en el interior de la prisión estatal de Huntsville en Texas hasta la frontera de El Paso con México. El guión está hecho de escasas sorpresas dentro del género de pulp menor, pero contiene escenas morbosas y se pretende dotar de una superficial relación marital entre los protagonistas. Al escribir me viene a la mente Bonnie and Clyde, de Arthur Penn (1967)  y porque no Natural Born Killers (1994) de Oliver Stone, donde Tarantino cedió el guión y prefirió no salir en los créditos porque Stone "edulcoró" algunas  escenas. La verdad que no me gustaría para nada hoy día llegar a estar en el estado de Texas tirando siquiera un papelito al suelo, es uno de los estados más duros en lo que la ley respecta. A pesar de ver a sus Sheriff con una pasividad ( No Country for Old Men, Hermanos Coen ) o Kill Bill Vol 1. (Q.T.)

Revisando por algunas páginas, me acordé que el director Roger Donalson hizo en 1994 una remake y que es la que había visto por televisión. Con un reparto importante como ser Alec Baldwin (Carter Doc McCoy) Kim Basinger (Carol McCoy) Michael Madsen y James Woods entre otros. 

Creo que lo más destacable era la personificación que ponía Steve Mc Queen es sus papeles de personajes rudos, serio, frio, calculador. Ya comentaré en otro film sobre Mc Queen que fue un actor que protagonizaba la mayoría de las escenas de riesgo. Amante de la adrenalina y de las motos.

En el 2006 en Europa, salió una caja en homenaje a 25 años de su desaparición. Los títulos son: "El coloso en llamas" ; "Bullit" mejor montaje año 1968; "Cuando hierve la sangre"; "La Huída" de 1972; "El rey del juego" y "Tom Horn".

Albino Red, 07-2008

Easy Rider (1969) Busco mi Destino

Dirección: Dennis Hopper

Producción: Peter Fonda, William Hayward, Bert Schneider

Guión: Peter Fonda, Dennis Hopper, Terry Southern

Música: Roger McGuinn. Hoyt Axton, Mars Bonfire (Steppenwolf), Bob Dylan, Jimi Hendrix, John Keene, Robbie Robertson

Fotografía: László Kovács

Reparto: Peter Fonda, Dennis Hopper, Jack Nicholson, Antonio Mendoza, Phil Spector, Mac Mashourian, Warren Finnerty, Tita Colorado, Luke Askew, Luana Andersl, Sabrina Scharf.

País: Estados Unidos

Año: 1969

Género: Road movie

Duración: 94 minutos

Je je jee!!! quizás era lo que estaban esperando que hable ? Si no? Drogas, sexo, rocanrol...

Bueno, si pasaron años, décadas para poder ver "tranqui" esta película. Nunca la tenían en los ochentosos videoclubes de barrio. " Y  "Estados Alterados" ? - Ah esa sí. Pero está alquilada, y la devuelven el martes..."

Ok, este film de culto de la generación hippie me retrajo a la época donde se hacían films con muy buena calidad fotográfica y de bajo presupuesto o costos de producción. Aunque parezca contradictorio, los films llamados road-movies son realmente costosos porque conllevan a viajar y establecer situaciones y escenas en diversas locaciones, lo que significa un gran soporte para la parte actoral y técnica del equipo de filmación, no así por su escenografía. Pero este film dirigido por Dennis Hopper no supone un gran costo como una producción hollywoodense de los 50´s o 60´s.

Según Hopper, cuenta la historia que tenían pensado filmar la película con un costo de más de 300.000 dólares (cosa que a la hora de verla, me pareció exorbitante) más aún cuando comenta que para no pagar en actores principales y demás gastos, decidió hacerla él mismo como protagonista, junto a Peter Fonda  como guionista para ahorrarse el dinero. La película filmada en 1969 fue una de las más taquilleras de esos años, recaudó 100 veces más su coste inicial. Se convirtió entonces en uno de los precedentes del nuevo cine americano que se hizo en los años 70. Estos films estaban acompañados por la música de lo que eran entonces grandes y no tan grandes estrellas de rock, como ser Robbie Robertson, Bob Dylan, Jimi Hendrix, John Keene entre otros, y Mark Bonfire (Steppenwolf) con el tema principal (aclaro que no quiso serlo) "Born to be Wild" (Nacido para Ser Salvaje"). Es para mí lo más original e independiente que conocí sobre los films hecho con amigos y con el apoyo de las productoras independientes que buscaban nuevos temas sobre la contracultura americana y la generación de la paz y amor (Estados Unidos había decidido retirar las tropas de Vietnam y existía un clima antibelicista en ese país).

Cómo se gestó Easy Rider

Cuestión que Hopper, decidió irse a hacer unas tomas a New Orleans, sobre el carnaval para el film, mientras que Fonda y otro colaborador se fueron a New York para escribir el guión. Pasado un mes, no tenían mucho material escrito, cosa que Hopper se cargó con una maquina de escribir y una secretaria para escribir él mismo el guión. En realidad la historia se creó a partir de un discurso en la Asociación Americana de Películas, donde un tal Johnson en su discurso proclamaba no hacer más filmes de sexo, drogas si no historias como Dr. Doolittle. Peter Fonda había ido a Nueva York a promocionar  un film llamado "The Trip", que era sobre el LSD y una noche en el hotel donde estaba se había fumado unos porros y bebido unas Heineken y se puso a filmar fotografías de una pelicula llamada Wild Angels sobre motos. Cuando estaba bien colocado se había colgado tanto que decía haber entrado en la foto. Siendo las 4 de la mañana lo llama a Dennis y le comenta la idea de hacer Easy Rider. Deciden producirla y dirigirla para ahorrarse el dinero. Pero más allá de esto, ellos no querían hacer simplemente una pelicula de motoqueros que van recorriendo el país como dos vaqueros al estilo John Wayne de las películas de Ford, si no que querían hacer o mostrar lo que a ellos les estaba pasando con sus vidas, sus propias vivencias, no como entonces pasaban películas de comedia al estilo Doris Day ó tan felices como la de los chicos de la playa con sus tablas y sus noviecitas. En ese momento, el auge del arte pop y la música estaban con mucho mensaje y no habia películas que mostraran el tipo de vida hippie o de rebelde.

Filmar de la cabeza, no es fácil

Hopper  se había reunido con un grupo de amigos para ir a filmar parte de lo que sería el film al carnaval de New Orleans. Consiguió del productor 40.000 dólares y unas cuantas cámaras de 16mm para ir a filmar. Claro era un grupo de amigos, todos querían ser el camarógrafo, se peleaban durante el rodaje, todos fumados y hasta con algunos en trance con LSD y mescal. Esto preocupó mucho a algunos de los productores, ya que no se veía bien y pensaban que el gobierno los estaba vigilando. Hopper decía, "que saben que estoy por hacer si ni siquiera tenía el guión?". Muchas rencillas entre los que eran el equipo de filmación y entonces terminaron tirando de los rollos de las cámaras durante las tomas, que se habian puesto bastante mal estos muchachos... 

Fue ahi donde pararon y decidieron contratar gente profesional para poder hacer la filmación. Es ahi donde interviene Jack Nicholson que conoce a gente que estaría dispuesta y con experiencia. Mientras la historia cambiaba a ser algo más duro, la historia de contrabandear marihuana parecía muy incrédula, blanda. Ahi es donde Hopper sugiere poner que en vez de hierba sería la droga de los reyes: cocaína. Algo que sería de mucho valor pero que a su vez se conseguiría en un chaterrerío del Nuevo México.

La Cultura del Pelo Largo

Tambien era el cambio para el transporte, las motocicletas utilizadas fueron concebidas de unos diseños que llamaban California Chopper, Fueron re-acondicionadas y preparadas por especialistas y se les cambio la horquilla para ser más larga y hacia adelante, como si fuese un símbolo fálico apuntando en la ruta. No tenían amortiguadores traseros, sólo el asiento del conductor tenia resortes que amortiguaban los baches y saltos y tambien se les habia cambiado el respaldar. Cuenta Peter Fonda, que despues de una jornada de rodaje andando en la ruta, se habia ido a un bar a tomar una birra bien fría y bien grande. Cuando intentó llevarse un trago a los labios, alzó un brazo y no podía llevarlo a la boca. Luego sin que nadie lo vea probó con el otro y tampoco. Dejo el porrón en la barra y probó tocarse con los dedos la cara y no podía. Era el resultado de haber conducido durante tanto tiempo a 40 km/h esa moto.

Algunas escenas se filmaron estando fumados, en la que inclusive el clima hostil producto de discutir ciertas tomas o de lo que uno quería o no queria decir hacía más dificil ponerse de acuerdo, calmaba hasta llegar a hacer un dialogo  o parlamento totalmente improvisado. Es rescatable tambien la escena del cementerio luego de llegar al carnaval de Orleans (dicen que muchas tomas fueron quitadas y otras porque se hacian muy largas). La actriz Karen Black cuenta que Hopper le habia dado una píldora para poder dormir, ella había preguntado si le haría bien y éste le contesto que la tomase y callase. Fue así su experiencia con el ácido lisérgico.

Recordando a un Grande

Quiero destacar el trabajo de alguien que ser convirtió en un gran profesional y que en estos días se cumple un aniversario de su muerte. Laszlo Kovacs, fue el director de fotografía y camarógrafo de este película. Húngaro nacido en 1933 en Cece y que junto a su inseparable amigo Vilmos Zsigmond filmaron día a dia en secreto la revolución húngara de 1956 en blanco y negro en 35mm. con una cámara Arriflex tomada de su escuela, la Academia de Arte y Drama de Budapest. Luego emigran a los Estados Unidos llevando consigo todo el material (30,000 pies de pelicula). 

 

Albino Red, 07-2008

Eternal Sunshine of The Spotless Mind - 2005 (Olvídate de mí !)

Dirección: Michel Gondry.

País: USA.

Año: 2004.

Duración: 108 min.

Género: Comedia romántica.

Interpretación: Jim Carrey (Joel Barish), Kate Winslet (Clementine Kruczynski), Kirsten Dunst (Mary Svevo), Mark Ruffalo (Stan), Elijah Wood (Patrick), Tom Wilkinson (Dr. Howard Mierzwiak), Thomas Jay Ryan (Frank), Jane Adams (Carrie), David Cross (Rob), Ryan Whitney (Joel joven), Lola Daehler (Clementine joven).

Guión: Charlie Kaufman; basado en un argumento de Michel Gondry, Charlie Kaufman y Pierre Bismuth.

Producción: Steve Golin y Anthony Bregman.

Música: Jon Brion.

Fotografía: Ellen Kuras.

Montaje: Valdís Óskarsdóttir.

Diseño de producción: Dan Leigh.

Dirección artística: David Stein.

Vestuario: Melissa Toth.

El Proyecto

Dicen que hace años, Michel Gondry cenaba con un amigo, y éste le propuso una idea provocativa: ¿ qué pasaría si recibes una carta avisándote que has sido borrado de la memoria de alguien y que no deberías intentar ponerte en contacto con esa persona? Al mismo tiempo, o mas o menos, Gondry había leído el guión  de Charlie Kaufman, "Cómo ser John Malcovich", y decidió hacer una película con el escritor. Pronto ambos director y guionista comenzaron a trabajar con lo que sería "Eternal Sunshine of the Spotless Mind" (una cita de un poema del poeta inglés Alexander Pope), el guión mezclaría el romance con la comedia y la emotividad. Pasaron tres años para que Kaufman tenga el guión terminado. Antes tuvo que escribir lo que se llamó "Adaptation: El ladrón de orquídeas". Si alguien vio este film dirigido por Spike Jonze, posteriormente a Eternal Sunshine..., o inclusive a "Quieres ser John Malcovich?" comprenderá el porque de las ideas y genialidades imaginativas de Charlie Kaufman a la hora de crear personajes y situaciones que son reconocibles pero muy poco comunes.

Y que decir de Michel Gondry? Mientras Kaufman elaboraba el guión, éste arrancó con un guión propio "Human Nature" para hacer su primer largo. Para mí, unos de los directores con mayor capacidad visual y tambien sensibilidad, desarrolla historias dentro de historias, como cajas chinas de complicaciones, se puede ver eso en los videoclips que dirigió para algunos grupos de rock.

Como siempre, trataré de no hablar de lo que va la peli, pero esta película comienza ha desarrollarse a partir de los recuerdos de la mente. Los recuerdos siempre estan presentes en los films que más me gustan y apasionan como éste. En Blade Runner, también se habla a cerca de los recuerdos, los que se implantan o los que uno va generando a partir de lo vivido. Pero Eternal Sunshine tiene eso de comedia dramática, vemos porqué las personas se atraen, por qué se enamoran, por qué se desamoran, por qué una relación se convierte en algo rutinario después de cierto tiempo. Podemos ver algunas cosas muy dolorosas y otras frágiles e inestables de las relaciones.

Reparto

El guión contiene elementos de comedia y filosofía y estaba destinado a atraer la atención de los actores y la industria del cine en general. Pareciera ser que cuando Kaufman terminó el guión, muchos consiguieron una copia del guión aún cuando no estaba terminado. Entre los que lo leyeron estaba Jim Carrey, quien dijo ser admirador de Kaufman y haberse identificado con el personaje muy facilmente. Cree que no podría haber interpretado el papel sin haberlo vivido antes. Pienso que, el protagónico de Jim Carrey, es para mí una de sus mejores actuaciones en papeles "serios"; el actor le puso mucho de su personaje tan gracioso pero al revés. Quien pone caras raras y es caótica, es Clementine, mientras que Joel (Carrey) es más controlado y contenido.

Por otro lado, Kate Winslet comenta que todos encarnaban a personajes contrarios al tipo "habitual", lo cual sólo puede ser bueno. El papel de Clementine es muy complejo, con muchos matices y Kate le puso pasión desde el principio del proyecto. La actriz se metió de lleno en el personaje, "Me dejó agotada, porque es divertido, tiene mucha personalidad y es bastante excéntrico". comenta. Sin embargo a pesar de los cambios de color en su pelo y de sus payasadas, Winslet cree que Clementine es  una persona vulnerable y tímida.

Esta historia de amor, la historia de Joel y Clementine se desarrolla a lo largo de dos años, mientras que la historia se desarrolla basicamente en una noche. (esto es lo que Gondry  o Kaufman, vaya a saber quien de los dos juega mejor con el tiempo y espacio) lo hace atrapante.

El actor Elijah Wood es el que interpreta a Patrick, y piensa que es perfecto: el papel cobró vida. Recuerden que Wood buscaba otro tipo de personaje después de encarnar a Frodo Baggins en la trilogía de "El señor de los Anillos", y se equivocan al juzgar a Patrick: "piensan que siempre está tramando algo pero no es malo.

Mark Ruffalo encarna a Stan, uno de los técnicos de Lacuna, la empresa que borra recuerdos. Juntos le ponen ese toque de comedia a las que es sometido Joel en su habitación...

La actriz Kirsten Dunst - en el papel de Mary, la secretaria de Lacuna, fue una de las primeras en conseguir una copia del guión en el 2001.

Producción

El productor Anthony Bregman señala que el trabajo de Gondry funcionan muy bien en términos de lo que ocurre en la mente porque ésta funciona de forma no lineal: "La memoria se construye con pequeñas cosas e impresiones. Aquil las escenas y los personajes se combinan de un modo impresionista. Es una pelicula sobre la memoria y  la forma intuitiva en que se conectan las cosas y los acontecimientos del pasado queda plasmada en la pantalla".