Operador Play!

Sali a Comer - Blue Note (1960)

2011-03-28T03:01:00.006-03:00

Salí a comer se presenta como la obra maestra de Eric Dolphy, un máximo absoluto del jazz de vanguardia en cualquier forma o época. Su complejidad rítmica fue tal vez sin precedentes desde la época de Dave Brubeck a cabo. Desde el sacudido tema homenaje a Thelonious Monk "gorro y la barba", el acertadamente titulado "Algo dulce, algo tierno" y el extrañamente presentado en alegre flauta "Gazzelloni" (homenaje al flautista italiano) más el tema que da título militar, los borrachos plantados de "Straight Up and Down ". Estos fueron un perfecto equilibrio de temas bien estructurados, cuyos timbres cuidadosamente calibrados, y con generosa libertad individual.

Hay saltos de intérvalos de tiempo, esa "tartamudez" de Dolphy de efectos vocales, algún coqueteo con la atonalidad (a lo Coltrane) Cuanto más veces lo escuchás mejor comprenderás sus solos y sus disonancias haciendose más evidente. Cada uno de los músicos que intervinieron aprovechan cada tema para realizar su improvisación incluso en temas donde la batería de un joven Tony Williams no va a tiempo! Si no que siguen el tiempo interno del propio tema. Por ejemplo podés escuchar el que lleva el nombre del disco "Out to Lunch"; es en 5/4 la línea del bajo no sigue todo el tiempo la métrica del tema. Es verdad, "Straight Up and Down" te hace recordar a los tropiezos de un ebrio, es abierta a todos los músicos. "Hat and Beard" abre en 5/4 pero el tempo exacto es 9/4.

Bobby Hutcherson en el vibráfono, Richard Davis al bajo, Tony Williams en batería y Freddie Hubbard a la trompeta. La verdad, sin duda alguna una obra maestra de Eric Dolphy que he descubierto escuchándolo junto a John Coltrane en "Impressions". Este y "Far Cry" (1960) con el joven trompetista tempranamente fallecido, Booker Little son dos joyas salidas de sus ojos como destellos de luz de un loco...

Todos los temas por Eric Dolphy.

1. "Hat and Beard"
2. "Something Sweet, Something Tender"
3. "Gazzelloni"
4. "Out to Lunch"
5. "Straight Up and Down"

Performers
Freddie Hubbard — trumpet
Eric Dolphy — bass clarinet (1 & 2), flute (3), alto saxophone (4 & 5)
Bobby Hutcherson — vibraphone
Richard Davis — bass
Tony Williams — drums

Reservoir Dogs - Like a Virgin Kinetic Type

2010-01-18T19:15:00.016-03:00

La escena se recrea en una cafetería ( Pat & Lorraine's in Eagle Rock California) donde se encuentran desayunando ocho hombres. Seis de ellos están vestidos de traje negro y usan nombre en clave: Sr. Rubio (Michael Madsen), Sr. Azul (Eddie Bunker), el Sr. Marrón (Quentin Tarantino), el Sr. Naranja (Tim Roth), el Sr. Rosa (Steve Buscemi), Sr. Blanco (Harvey Keitel). Entre ellos se encuentra el gangster de Los Angeles Joe Cabot (Lawrence Tierney), y su hijo, "Nice Guy" Eddie" (Chris Penn).

El señor Marrón habla de su análisis comparativo de Madonna "Like a Virgin", los grandes recuerdos de Joe con una vieja libreta encontrada en un viejo piloto con el Sr. Blanco y el Sr. Rosa defiende su política de lucha contra el depósito de una propina hasta que Joe le obliga a dejar un dolar. Para crear un clima de introducción, Tarantino juega con los díalogos entre Keitel y Buscemi. Mientras Joe Cabot - quien tiene la voz mandante - recuerda en voz alta los nombres de una libreta encontrada y comienza a leerla, solo Blanco le presta atención.

En ese momento el Sr. Marrón pregunta a los demás de que estaba hablando y continúa con la historia. La acción de la cámara es un constante ir y devenir entre los parlamentos de los que están en la mesa; un plano cerrado a cada uno de ellos revela en sus rostros el interés de la historia y hace que el relato tenga presencia asi el espectador queda "enganchado" en los primeros minutos del film.

No podría asegurar si esto es un fue una idea original de Quentin Tarantino, pero sí el paneo y los cortes en la edición en la puesta de escena, ya que él está sentado en la mesa de espaldas a la cámara y recorre los rostros de los primeros actores, casi levemente al rostro de Tarantino y cierra el plano con el fin de la historia "Hence, Like a Virgin" (por eso, como una virgen).

Si quieren ver y leer los subs en español, enlace a YT, ya que la Inserción fue deshabilitada por solicitud en la mayoría de los clips subidos.

Lyrics | Tarantino, Quentin - Madonna Speech (Dialogue) lyrics

Recordando a Joe Strummer

2009-12-22T12:40:00.000-03:00

En Noviembre de 2003, se juntaron algunos amigos, músicos y artistas para crear un mural en homenaje a Joe Strummer, cantante de The Clash y en su última època con Los Mescaleros. Ahora en el 2010, Los Mondo Bongo (ver blog en Myspace) son una banda tributo que está de gira en UK tocando temas de Strummer integran la banda ex músicos de Mescaleros. Simple Minds y Gary Numan entre otros.
"Redemption Song", de Bob Marley es el tema cantado por Joe junto a Johnny Cash en el último disco de los Mescaleros, Streetcore. Larga vida Joe.

The Pledge (El Juramento) Sean Penn (2001)

2009-11-28T05:05:00.001-03:00

Sobre los hechos recientes que conmocionan al pueblo en mi país, no encontramos más que asesinatos cometidos por ajustes de cuenta, dramas pasionales, o alguno que otro cometido por exceso de alcohol o drogas. Otra fue la época en que hubo asesinos seriales en Argentina, tal es el caso de Francisco Laureana, considerado una de los mayores criminales que hubo en el país. Violó a quince mujeres y mató a otras diez. En febrero de 1975 la policía lo enfrentó en un tiroteo dando muerte a este personaje de doble personalidad y que merodeaba la localidad de San Isidro para realizar sus actos. Más allá con menos fama, pero no con menor cantidad de crímenes, se encuentra Cayetano Santos Rodino, más conocido como el “Petiso Orejudo” y Eduardo Robledo Puch, también conocido como “el angel de la muerte” y Mateo Bancks que cometió siete homicidios en la localidad de Azul.

The Pledge, conocida como “Asesino Oculto” en México y aquí como “Código de Honor” es una película realizada por el actor devenido en director, Sean Penn. Fue este su tercer film realizado en el 2001 después de “Vidas Cruzadas” (The Crossing Guard) (1995) con Jack Nicholson también como protagonista y de “Bajo la misma Sangre” (The Indian Runner ) (1991) primer film que tuvo grandes estelares como Charles Bronson, Dennis Hopper, Vigo Mortensen y David Morse entre otros.

En “El Juramento” (prefiero llamarla así) existe un promesa solemne que hace el detective Jerry Black (Jack Nicholson) que acaba o está a punto de jubilarse como oficial de policía en un pueblo del estado norteamericano de Minnesota. Una niña de 7 años es encontrada violada y degollada en un bosque en el invierno de ese pueblo. Un poco más tarde la policía encontrará al culpable de tan terrible crimen; un indio retrasado mental que compone muy bien Benicio del Toro y que en las secuencias se desaprovecha su enorme (no se si en ese tiempo) caudal actoral al que podía ser explotado dicho personaje en manos del director. Penn que a pesar de tener un rigor excelente en la actuación hace que los personajes aparezcan como con pocas emociones, dando a Nicholson todo el tiempo el circular de la narrativa, demostrando esto en la mayoría de las interpretaciones de los papeles secundarios.

Se puede ver un papel realmente bien logrado por Vanesa Redgrave (Annalise Hansen) en la abuela de la niña asesinada que cuenta un poema sobre los ángeles que recojen al niño muerto y lo elevan hacia el cielo. Pero no es quien puede proporcionar información para Black que sigue pensando que el indio atrapado no fue el que asesinó a la niña y que se compromete ante los padres (el Juramento) a atrapar al que hizo este gran daño.

El guión está basado en una novela de un escritor suizo Friedrich Dürrenmatt que ya viera su adaptación cinematográfica allá por 1958, una coproducción hispano-suiza llamada “El cebo” dirigida por Ladislao Vajda. En aquel guión seguramente no se habrían desarrollados aspectos atrayentes para el espectador, quizás por eso Penn con esta versión no llega a colocarlo como un Thriller con Suspense, si no que resulta una obra más actractiva, actual con introspectiva, pero la falla principal de Penn como dije antes es que sus actores carecen de emociones. Solo vemos los puntos positivos de Jerry Black cuando en su obstinada promesa se embarga hasta su alma, lo vemos pescar en un bote sobre el un gran lago, comprar una vieja estación de servicio, dar alvergue a una madre golpeada por su marido y más adelante jugar con esa niña, estar contento contandole cuentos en su alcoba. A la vez quizás por las actuaciones a que nos tiene acostumbrado Nicholson desde ese gran film de Stanley Kubrick, El Resplandor; vemos que Jerry escucha voces, fuma demasiado y hasta no tiene sexo, el director nos hace creer que hasta este viejo policía puede ser un asesino.

En la versión de Vajda no existe tal compromiso del policía hacia la madre, cosa que aquí Penn resuelve con la obstinación por el cumplimiento de su juramento al punto que puede devenir en locura. (también algo me recuerda esta película de La Ventana Secreta, novela de Stephen King. Sin embargo en las sagradas escrituras se puede anunciar un final al que no estamos acostumbrados en la mayoría de los films o series hollywoodenses; y es que en el Antiguo Testamento se nos dice: “Mía es la venganza, yo pagaré (Dt. 32:35). Por tanto el apóstol Pablo agrega: “No os venguéis vosotros mismos, amados míos, sino dejad a la ira de Dios; porque escrito está: Mía es la venganza, yo pagaré, dice el Señor” (Ro. 12:19).

Dirección: Sean Penn.
País: USA.
Año: 2001.
Duración: 124 min.
Interpretación: Jack Nicholson (Detective Jerry Black), Patricia Clarkson (Margaret Larson), Robin Wright Penn (Lori), Aaron Eckhart (Detective Stan Krolak), Dale Dickey (Strom), Costas Mandylor (Monash Deputy), Helen Mirren (Doctor), Tom Noonan (Gary Jackson), Michael O'Keefe (Duane Larson), Vanessa Redgrave (Annalise Hansen), Pauline Roberts (Chrissy), Mickey Rourke (Jim Olstad), Sam Shepard (Eric Pollack), Lois Smith (Helen Jackson), Harry Dean Stanton (Floyd Cage), Beau Daniels (Rudy), Benicio del Toro (Toby Jay Wadenah).
Guión: Jerzy Kromolowski & Mary Olson-Kromolowski; basado en el libro de Friedrich Dürrenmatt.
Producción: Michael Fitzgerald, Sean Penn y Elie Samaha.
Música: Hans Zimmer y Klaus Badelt.
Fotografía: Chris Menges.
Montaje: Jay Cassidy.
Diseño de producción: Bill Groom.
Dirección artística: Helen Jarvis.
Vestuario: Jill Ohanneson.
Decorados: Lesley Beale.

River: Homenaje a Joni Mitchell

2009-11-23T09:00:00.008-03:00

Este disco es un homenaje a la cantante y autora Joni Mitchell, y fue ganador de un Grammy (2008), consiguiendo el título al mejor álbum del año, galardón que no recibía un disco de jazz desde 1965. (recuerden que el otro Grammy fue para Amy Winehouse con Back To Black, otro disco de jazz, jazz-soul). E s el número 47 en la carrera del pianista de jazz Herbie Hancock; quien comenzó allá por el año 1961 trabajando con Coleman Hawkins, con la técnica de Don Goldberg y Wynton Kelly, entre otros. En 1962 lanza su primer disco solista para el sello Blue Note, "Takin´Off" (despegando) con un quinteto de lujo, con tallas como Dexter Gordon (saxo tenor), Freddie Hubbard (trompeta) Butch Warren (bajo) y Billy Higgins (batería).

Muchos recordarán que a lo largo de su carrera ha trabajado con los grandes, del jazz, el hard bop y el modal jazz y realizó grabaciones junto a Miles Davis, Wayne Shorter por ejemplo. Sobresalen de aquellas épocas "Watermelon man", "Chamaleon" o "Cantaloupe Island". Ya entrado en los 80 realiza trabajos con nuevos sonidos y colabora con Chaka Khan. En el año 2005 llegaba con "Possibilities", un disco donde participaban Christina Aguilera, Carlos Santana, Annie Lennox, Joss Stone y mucho más. En septiembre del 2007 llegaba este nuevo disco, un homenaje a la cantante y compositora de folk-jazz canadiense Joni Mitchell.

Además de la colaboraciones vocales que cuenta el disco, Hancock está acompañado por los músicos Wayne Shorter (saxos), Dave Holland (bajo), Lionel Loueke (guitarra) y Vinnie Colaiuta (batería).

Court and Spark es uno de los temas más conocidos de Joni Mitchell, editado en 1974 dentro del disco de igual nombre. Se mezclan aquí jazz, folk y rock casi a partes iguales. En esta ocasión, Herbie Hancock se une a la voz de Norah Jones.

En Edith and the Kingpin con Tina Turner, Hancock nos regresa a la Reina del Acído con una voz que suena mejor que nunca, acompañada con un saxo tremendamente hablador (Shorter). Al comienzo se puede percibir un pequeño sonido de un wah-wah, oscilante hasta que Tina comienza a cantar. Quizás quien esté mas aún compenetrado-a con la música y letra de Joni Mitchell, puede agregar algo al significado de la letra, personalmente este tema me crea muchas imágenes de una gran ciudad, la noche o una pareja, hombre y mujer, que se encuentran para conocerse más intímamente…

River con Corinne Bailey Rae, es una típica canción folk, editada en 1971 y versionada quizás con un toque más comercial, pero que tiene más el estilo de ella que el de Hancock. Puede que me equivoque, pero puede ser que la canción suene así para dar a conocer mucho más a Corinne; yo tengo algunos discos de ella y su forma de llenar toda la canción con su voz es algo maravilloso. Otros han interpretado esta canción como ser Tori Amos, Dianne Reeves o hasta Linda Ronstadt. Junto a Sweet Bird, son canciones para escuchar muy tranquilo, bien entrado en la madrugada, quizás pintando o dibujando algún paisaje.

Con Solitude (soledad) del maestro de jazz Duke Ellington, este tema no ha sido compuesto por Mitchell, pero Hancock aparece en solitario al igual que en otros temas del disco que no menciono. Solitude sonó en la voz de Ella Fitzgerald, Tony Bennett a finales de los 50s, y había sido interpretada por Max Roach, Charlie Mingus. Digo Mingus porque Mitchell tiene un disco homenaje al músico, compositor Charlie Mingus, junto a otro monstruo musical como lo es Jaco Pastorius en temas como Goobye Porkie Pie Hat o God Must be A Boogie Man).

River contiene más canciones, pero con este pequeño adelanto, les digo que puede sentarse tranquilos a escuchar todo el compacto y quizás hayan podido capturar la esencia de este gran músico, un trabajo limpio y con un clima que el propio Herbie sabe regalarnos con sus majestuosas manos (por algo lo han bautizado Mr Hands) y que hoy día se hace muy díficil poder apreciar ese clima de paz y quietud que nos reforta el alma.

Lista de temas:
1. Court and Spark (ft. Norah Jones
2. Edith and the Kingpin (ft. Tina Turner)
3. Both sides Now
4. River (ft. Corinne Bailey Rae)
5. Sweet Bird
6. Tea Leaf Prophecy (ft. Joni Mitchell)
7. Solitude
8. Amelia (ft Luciana Souza)
9. Nefertiti
10. The Jungle Line (ft Leonard Cohen)

Herbie Hancock (piano) Wayne Shorter (soprano y tenor saxophones) Dave Holland (bajo) Vinnie Colaiuta (batería) Lionel Loueke (guitarra).
sello Verve - 2007

Herbie Hancock: Cantaloupe Island

2009-11-22T07:00:00.002-03:00

Genial pianista, tecladista y compositor estadounidense con un tema que tiene más de 38 años y que tuvo su resurgir con el grupo Us3 llamado "Cantaloop", (Flip Fantasia). Aquí con los músicos del sello Blue Note comenzando con el genial solo Freddie Hubbard (trompeta), Joe Henderson (saxo tenor), Ron Carter (bajo), Tony Williams (batería) y el propio Hancock (piano) disfruten...

DEXTERGORDON.COM - Solo Transcriptions

2009-10-29T14:34:00.000-03:00

DEXTERGORDON.COM - Solo Transcriptions

La Conversación - Franc is F. Coppola (1974)

2009-10-10T02:36:00.001-03:00

En 1974 cuando acababa de hacerse público el Caso Watergate (sobre esuchas telefónicas) Francis Ford Coppola realizó "La Conversación". Tuvo que soportar oir la acusación de oportunista ya que el guión lo había escrito años antes y había sido favorecida aunque no con mucho público. Para recordar, Coppola se encontraba en lo que sería su mejor momento y fue realizada entre El Padrino y Padrino II.

La película arranca con un larguísimo y lento picado, que poco a poco va fijando la cámara sobre una plaza concurrida de gente y revelando a los protagonistas; este caso Gene Hackman es Harry Caul un técnico profesional en seguridad privada, de por si el mejor y la envidia de todo el sector.

Contratado por el director de una empresa (Robert Duvall) para que grabe las conversaciones de dos de sus empleados, (uno de ellos, la mujer del director).

El trabajo de Harry es de gran nivel profesional y se apoya en su equipo de trabajo con micrófonos direccionales de alcance que para esa época serían lo más sofisticados en tecnología (recordemos que se había desentrañado el caso Watergate y que mucha gente del entorno político estaba en estado de paranoia por estos profesionales y sus métodos).

También estos profesionales eran utilizados para la escucha de grandes compañías automotrices.

Pero la narrativa de la película, va a tomar forma cuando vemos a Harry (Hackman) encarnando a una persona que a pesar de tener mucho control y moverse con cautela comienza a mostrarse celoso de su trabajo y encontrar en su pasado que por esas escuchas mueren tres personas. Es cuando él piensa que puede volver a suceder y no está dispuesto a permitirlo.

Vemos a Harry como un católico que siente culpa por los daños colaterales causados por su profesión y se confiesa, su conciencia no lo deja tranquilo. Quiere terminar su trabajo y a la vez las voces de las conversaciones en la plaza se transforman como el le motiv de una pieza musical; bien hecho el trabajo de Coppola, incluso en la escena cuando mediante filtros y aparatos electrónicos se da cuenta que un asesinato está por suceder.

Por un lado teníamos el director, alguien que emocionalmente se encuentra en un abismo pero es poderoso y está muy custodiado (tiene seguridad y un perro doberman) y se situa en lo más alto de la ciudad de San Francisco; por el otro lado Harry Caul es alguien cauteloso pero a la vez insignificante ante el edificio donde se dirige a entregar las cintas de las conversaciones y de a poco va a comenzar sentirse inseguro, perseguido, y está desconfiando de sus colaboradores y hasta su amante ocasional.El desenlace no es evidente, inclusive Coppola nos muestra el lento deterioro emocional por el que pasa Harry, en su sueño tratando de avisar a la mujer que se encuentra en un peligro inminente. Asumiendo su propia miseria (rompe los adornos pero deja por un instante el de una virgen que luego destruye como diciendo que esta su fe se ha quebrado. La destrucción de su casa sería la destrucción como persona.

El Otro Camino - Gabriel Szollosy (2007)

2009-09-20T17:42:00.003-03:00

Interesante documental sobre el bandoneonista argentino Rodolfo Mederos a través de las miradas sobre la ciudad, su gente, locales donde se baila y toca esta música; entremezclando la actividad de Mederos con sus músicos, los ensayos, su taller de arreglos de bandoneones y por su puesto, una de las mejores puesta en escena de la canción rioplatense de la mano de quien se considera un soldado atrincherado en la orquesta, la típica o su último y actual trío.

El Otro camino es un film documental de casi 1 hora de duración, realizado por el director uruguayo Gabriel Szollosy junto a la productora Librecine y asociada a Isabel & María Iturriagagoitia, de Kelonmedia, España.

El desarrollo del film transcurre básicamente en los barrios de Constitución, Parque Patricios y San Telmo, donde Mederos nació. Pasó su infancia en la provincia de Entre Ríos y luego siendo joven se fue a estudiar biología a la Universidad de Córdoba. Convertido en un intérprete virtuoso del bandoneón, Mederos hizo sus comienzos con el tango junto a Astor Piazzolla, sin embargo le escapa a esa influencia para crear su propio estilo. Tocó también en la orquesta de Osvaldo Pugliese.

Szollosy logra afirmar con la cámara y con el relato presente de Mederos acerca de la música, las luces y la noche de la calle Corrientes como una postal de una ciudad muy visitada por turistas, que buscan lugares donde se toque el verdedero tango. La fotografía está a cargo de un reconocido director de fotografía, Nyika Jancsó cuyo trabajo es digno de destacar, primeros planos de los músicos y una luz muy natural, cosas muy díficiles de controlar tratándose de cámara del tipo digicam, o beta. La edición también está a cargo de Szollosy que acompaña en el corte justo y dando la continuidad precisa a la música en los solos de bandoneón y en los conciertos hecho en interiores y exteriores. Si bien el conjunto del relato se cumple, pienso que quedan muchos temas por abordar en lo que se refiere a la biografía del músico. No sé si por razones de tiempo, o simplemente por cuestiones del ámbito de producción, es sabido que tanto la carrera de este músico en vigencia tiene mucho más como para poder contar y que está en constante actividad tanto en el país como en otros continentes.

Se destacan algunas pequeñas anécdotas de Mederos sobre la actualidad del tango, la música que se nutre de la gente, sus alegrías, tristezas, el ruido de una ciudad que no descansa. En contraposición se muestra una escena alegre y tranquila, de una milonga tocada en un patio; un tango de Agustín Bardi, "Nunca tuvo Novio", con solo de bandeneón, algo que nutre a el alma y pone en evidencia que su instrumento tiene vida propia. Podemos percibir el sonido de ese fuelle que respira, esos acordes raros en un taller de arreglos de instrumentos donde los que permanecen solemnes en los estantes escuchan atentos el sonido del fuelle del maestro.

Con un leve cambio a sepia, el director recorre lo que fueron los bares de épocas pasadas del tango, su desaparición como parte de una forma de vida tanguera; hasta adentrarse a pleno en uno de los más prestigiosos locales de tango con una orquesta a pleno y con trabajo a varias cámaras, captando toda la esencia del lugar como si fuera un rito sagrado.

Quizás Szollosy comete algún desliz, al tratar de manipular técnicamente la captación del sonido como en la escena del Patio, donde intenta "mutar" el sonido ambiente, logrando quizás un efecto que no sería el adecuado. Él mismo comenta en su blog, acerca de algunas técnicas para quitar el ruido o sonido ambiente y apoyándose en el material previamente grabado por Mederos. A excepción de esto, el sonido está muy bien captado, como así las tomas de exteriores. Podría quizás tener un comentario de Marvaz, que de eso entiende y bastante, eso si, cuando el tenga la oportunidad de ver el documental.

EL OTRO CAMINO, TANGO CON RODOLFO MEDEROS
Producción de Kelonmedia en asociación con Librecine con co-producción de ZDF/Arte
Director: Gabriel Szollosy
Productor: Isabel & María Iturriagagoitia
Fotografía: Nyika Jancsó
Editor: Gabriel Szollosy y Steffen Hermann
Idioma: Español con subtítulos
55 min., España-Alemania-Uruguay, 2007, Color

Los Fanfilms

2009-09-13T17:15:00.001-03:00

Un fan film es una película o un vídeo inspirado en una película, programa de televisión, cómic o una fuente similar, creado por fanáticos y no por los titulares de derechos de autor de la fuente o creadores.
Los cineastas Fan tradicionalmente han sido los aficionados, pero algunas de las películas más notables han sido efectivamente producidas por cineastas profesionales, como los proyectos de clase de la escuela de cine o como los reels de demostración. Las películas de fanáticos varían enormemente en la calidad, así como en duración, de corto y falso trailers de películas no existentes a las ultra-raras películas de larga duración.

En Be Kind Rewind película de Michel Gondry comentada en OperadorPlay, Jack Black y Mos Def inventan el proceso de sweding*, en el cual tienen las películas clásicas y rehacen los cortometrajes en video usando un presupuesto prácticamente inexistente, con actores aficionados y cantidades demenciales de creatividad.

*Sweding: Existen 2 ó 3 significados para esta palabra. Hace referencia a los ciudadanos suecos; es un vegetal de color amarillo con piel algo marrón o violeta y recrear algo desde cero utilizando lo que se pueda tener a mano.

Esto último utilizó el actor Jack Black para referirse a que las cintas provenían de Suecia y a un precio de alquiler más alto y larga espera en el videoclub.

Desde el estreno de la película, los aficionados han comenzado a hacer sus propias películas Sweded, poniéndolos en los sitios de vídeo en toda la Internet. Actualmente, circula por la red la que mayor calidad tiene, "GRAYSON" de John Fiorella: un Robin adulto, casado, con una hija y retirado de su vida de super héroe vuelve, junto a la Mujer Maravilla y Superman para vengar la muerte de Batman:

En la mayoría de estos "fan film" el humor tiene mucha cabida. La Segunda parte de Titanic, esa que nunca filmará James Cameron. un comentario puesto en YouTube sobre la seguda parte me hizo reir porque alguien le decía a otro "que no existe la segunda parte porque el trasatlantico se hundió". O la mencionada T3, ejemplo de Terminator tratando de eliminar a Jesucristo.

Los films de ciencia ficción también son muy recreados, pero con cierto toque bizarro. Máscaras en la cabeza, pistolas de cajas de cartón de remedios o dentífricos, música a cappella y subtitulos superpuestos como globos de comic. Aqui mi película preferida Blade Runner, hecha swed por unos orientales (no uruguayos) y con toques de humorada en las escenas del analizador de replicantes y de Roy cuando sostiene la paloma en su mano. Todo hecho en interiores (una habitación).

Hell Ride (2008) - Larry Bishop

2009-08-24T20:14:00.003-03:00

La película escrita, dirigida y protagonizada por Larry Bishop, con la participación de Quentin Tarantino, como productor.

Pistolero (Larry Bishop) es un joven motociclista líder de los Victor, su nombre es dado por el film de Robert Rodriguez "Desperado". Junto a su hermano se van a la ruta para vengar la muerte de su novia, Cherokee Kisum ( Julia Jones) a manos de la banda rival, los 66ers.
En algunas escenas del film, encontramos muchos tomas y recorrido de cámara "A la tarantino"; como la escena inicial de la reunión en la cafetería de Reservoir Dogs; Algunos toques vaqueros de Kill Bill 2, o su mejor sello, la toma desde adentro de un bául de auto o en este caso un cofre enterrado y las motos si muchas motos y la legendaría presencia de Dennis Hooper (Eddie Zero) para recordarnos esos días gloriosos de motos y Easy Riders...
Tambien muchas escenas con lindas mujeres, desenfrenadas al estilo "Grinhouse-Dead Proof", y sin faltan las birras de botellita y muchos tiros.

Dentro del cast, se destacan los principales actores; Michael Madsen (el actor fetiche de QT) en un rol donde le gusta lucirse y tan bien le queda, Vinnie Jones (Billy Wings ) actor inglés de quien conocemos sus buenas actuaciones en Swordfish (2004) , Snatch (2000) , Gone in Sixty Seconds (2000) de las que me recuerdo haber visto. Eric Balfour es un actor nacido en Los Angeles e interpreta a Comanche / Bix, trabajó en muchas series de tv americana y lo pueden recordar de algun episodio de "24" durante los años 2001-2007. Ya les mencioné a Larry Bishop, cuya reaparición en la pantalla desde Kill Bill 2 (2004) tuvo una transición de diez años con la recordada "Mad Dog Time" (1996) de la cual fue el director y guionista y que también tuvo un papel protagónico. Dennis Hopper, actor y realizador cinematográfico aclamado internacionalmente se vuelve a subir a una moto chopper. Actualmente se encuentra trabajando en una retrospectiva de cine y arte con la Cinematique Francais en Francia, abierta en Octubre del 2008.

Por último un recuerdo a David Carradine, el cual actúa en el film, pensando que todavía existen más de diez películas a estrenarse 2009 y otras en post-producción (2010) de las que Carradine participó.

Muy Heavy para tu abuela...

2009-08-09T17:39:00.004-03:00

En una escuela en el East Side, cerca de Brooklyn, Illinois, hay un pequeño pueblo llamado Lovejoy. Hace sesenta años, Hamiet Bluiett iba a la escuela en esa ciudad y más tarde se convirtió en un famoso y talentoso saxofonista. Volvió con su grupo, el World Saxophone Quartet.

Bobby McFerrin + Pentatónicas = Diversión !!

2009-08-09T14:43:00.003-03:00

En el Festival Mundial de Ciencia 2009, New York; Bobby McFerrin demuestra el Poder de la escala pentatónica utilizando la participación de la audiencia. En el mismo video, en la segunda parte podrán cantar las notas juntos con el grupo de espectadores y con Bobby. Que se diviertan !!

World Science Festival 2009: Bobby McFerrin Demonstrates the Power of the Pentatonic Scale from World Science Festival on Vimeo.

En el metro de Paris

2009-08-07T15:30:00.003-03:00

Viajando por Europa, en marzo del 2009. Esta vez París, tocando en el metro; nuestra amiga rosaliknos de Portugal nos subió al Tubo con este video. Saludos a todos!!

The Trip (1967) Peter Fonda

2009-08-07T14:39:00.003-03:00

2009-07-19T18:07:00.001-03:00

http://i28.tinypic.com/2li7j7p.jpg

Perlas en el camino...

2009-06-29T02:32:00.005-03:00

La película es del año 1958, "Attack of the 50 Foot Woman", dirigida por Nathan Juran y escrita por Mark Hanna. Película norteamericana en blanco y negro, sonido monoaural. La foto corresponde a un escena donde la mujer gigante trata de levantar del suelo a un hombre que le apunta con su revólver. Quizás la escena en su época fue algo muy impresionable, pero me recordó a ésta de Quentin Tarantino, "Reservoir Dogs", 1992 donde el señor "pink" (Steve Buscemi) apunta desde el suelo al señor "White", Harvey Keitel.

Se7en (1995) - David Fincher

2009-06-16T11:21:00.001-03:00

Cuando decidí crear el blog Operador Play en marzo de 2008, el primer post fue para la película Zodiac (2007) de David Fincher. Un borrador y la poca información sobre el film hicieron que lo deje en el olvido. No así la búsqueda de la película para poder desentrañar lo que este director había creado en sus filmes de contenido psicológico, paranoia, pesadillas y demonios interiores de la psique humana.

En Se7en, "Pecados Capitales", David Fincher se ha convertido en uno de mis directores favoritos para este género que abarca el policial negro de los años 40 y las películas del estilo buddy-movie según el wikicine: Estructura de comedia que se caracteriza por mezclar misterio, intriga y comedia. O mejor dicho; género donde los protagonistas no se separan en toda una película. Puede ser el caso local de "Los Incorregibles" con Guillermo Francella y Dady Brieva del director Rodolfo Ledo; que combina el policial con la comedia. -No es lo mío-. Si podemos citar ejemplos como "Otras 48 horas" con Nick Nolte y Eddie Murphy, "Cowboy de Medianoche" (Midnight Cowboy-1969) con un joven Dustin Hoffman y John Voight dirigida por John Schlesinger; o tambíen el caso femenino de "Thelma & Louise" de mi otro director favorito Ridley Scott, gran película esta última, justamente donde Brand Pitt hizo su debut cinematográfico allá por 1991.

Fincher es un perfecto conocedor de los miedos más ocultos del ser humano, su cine encierra una gran tensión psicológica y ese miedo está presente en cada fotograma. Visual y narrativamente tiene un estilo impecable, mostrando gran dominio de la puesta en escena. Su influencia visual, creo, se debe al video clip.

Desde temprana edad, inspirado por el filme de George Roy Hill, "Butch Cassidy and Sundance Kid" (1969) comenzó a filmar con su cámara de 8mm. Evitando la ruta de la escuela de cine consigue trabajar cargando cámaras y haciendo trabajos manuales. En 1980 fue contratado por Industrial Light & Magic, donde trabajó para películas como Indiana Jones, El Retorno del Jedi. En 1984 deja ILM y realiza un comercial contra el cáncer, que mostraría a un feto fumando un cigarrillo. De alli continuaría dirigiendo spots para firmas conocidas y pronto descubriría el mundo de los videoclips dirigiendo video de alto presupuesto para artistas como Madonna (Express Yourself, Vogue), George Michael, Aerosmith y los Rolling Stones (Love is Strong).

Como algunos directores de videoclips, incluyendo a Michel Gondry, Spike Jonze o Julien Temple, se ha trasladado exitosamente al cine con un estreno como Alien 3, luego El Club de la Pelea y Panic Room (La habitación del Pánico). Ya por último Zodiac (2007) y El Curioso caso de Benjamin Button (2008); película de la cual iré a realizar un futuro y no lejano post, sobre la tecnología ganadora del Oscar en materia de Efectos Digitales, otra cosa que me apasiona..

Seven es un thriller criminalístico estadounidense, protagonizado por Morgan Freeman y Brad Pitt dos detectives policiales que van en busca de un asesino en serie. Si bien Fincher en los créditos iniciales te sirve en bandeja información privilegiada, posteriormente volverá a aparecer en la mitad de la pélicula. Digo esto para los que recuerdan como se promocionó el film para su estreno en habla hispana; darán por sentado de que se trata:

Siete pecados capitales. Siete formas de morir. Nunca habrás visto nada igual

Acerca del Guión

El guionista de Seven es Andrew Kevin Walker, se destacó su labor en los créditos de Sleepy Hollow (1999), más conocida como "La Leyenda del Jinete Sin Cabeza", de Tim Burton y "8mm" (1999), sobre los "Snuff-films" protagonizado por Nicholas Cage, también en capítulos para televisión como "Cuentos de la Cripta".
En una entrevista para una revista, Walker dijo que la mayor influencia del guión de Seven se debe a su estadía en la ciudad de New York, cosa que no le gustó pero que si no hubiese vivido allí, probablemente no habría escrito Seven.

Describe como él había visto en su estadía a la ciudad, con calles llena de gente, habitantes ruidosos, una lluvia opresiva que parece interminable. Una ciudad deprimente, violenta y contaminada. Creo que si ha logrado la atmósfera con la que aparece el film. Diría casi atemporal a excepción de que se mencionan los días de la semana a medida que ocurren los crímenes. Justamente el número siete aparece mencionado en los textos de La Divina Comedia, de Dante Aligheri empezando por la gula.

Ambientación

Cabe destacar los interiores domésticos de ambos detectives, estoico el de Somerset y caótico el de Mills. Lo más interesante reside en la puesta de escena de los crímenes, todos ellos rodeados de una atmósfera sórdida y sucia, reforzando la idea de castigo que impone su autor (no voy a develar el actor que lo interpreta). Este trabajo fotográfico de claroscuros se debe a Darius Khondji, que dió a la fotografía una sensación de melancolía oscura que fue creada mediante un proceso llamado bleach bypass, a través del cual la cantidad de brillo en la película se vincula dependiendo de la oscuridad, e incremento global de la calidad tonal. Tambien en los exteriores se muestra una ciudad sucia y donde no para de llover creando un clima asfixiante. Esto me recuerda al clima creado en Blade Runner, film futurista con tintes de policial negro con "pequeños" e imperceptibles toques de humor de parte de Harrison Ford.

Puesta de escena

No ha de faltar en el film policial negro una persecución. Estupenda labor actoral de Brad Pitt en ésta, que otorga gran dinamismo y por contar con cámara al hombro, con presencia de picados y contrapicados, reforzando la tensión en algunas escenas, pero el ejemplo más claro es cuando Mills (Pitt) se encuentra a merced del sospechoso y planos cortos para los momentos de mayor intimidad (inserts) que logran su objetivo del punto de vista psicológico.

Por último, la música

La introducción es un remix por Coil, de la canción "Closer" de Nine Inch Nails. Al final durante los créditos se escucha "The Hearts Filthy Lesson" de David Bowie. Escuchamos también a Billie Holiday, Charlie Parker con "Now the Time", Straight No Chaser de Thelonius Monk y por ahí se escapa un tema de Marvin Gaye y en la escena de la biblioteca la Suite No. 3 en Re Mayor BWV 1068 "Air" escrita por Johann Sebastian Bach. La música original la película fue compuesta por Howard Shore.

No dejer de ver este film, y para los que ya la vieron recuerden que Seven es considerada de culto, inició la gran serie de películas sobre "psicopatas metódicos" en los años 90 como "El silencio de los inocentes", de Jonathan Demme.

Si se animan, hagan clic en el trailer...

El Cine de Charlie Kaufman

2009-06-07T04:11:00.002-03:00

Quienes hayan tenido el gusto o la posibilidad de ver los filmes de Spike Jonze y / o Michel Gondry, verán que existe un gran talento de la escritura y la narrativa en lo que a guión se refiere. Charlie Kaufman, guionista estadounidense de origen judío nombrado por la revista Premiere como uno de las 100 personas más poderosas de Hollywood.

Ganador del Oscar en el año 2005 a mejor guión original por Eternal Sunshine of The Spotless Mind (Eterno Resplandor de una mente sin recuerdos), “Olvídate de mí” en España, y siendo el film realizado y estrenado en el año 2004. Recomiendo ver esta película, antes y/o después de tener un desenlace amoroso en tu vida...En los filmes realizados con Jonze develan un original trabajo de la estructura y narrativa en la manera de trabajar ciertos personajes que muchos decían son producto de la mente o autoreferenciales de Kaufman; como ser Quieres Ser John Malcovich? (2000) una comedia absurda, cercana al delirio; de querer estar en el cuerpo del actor John Malcovich por 15 minutos presentando temas en situaciones de manipulación, lesbianismo, engaño en forma abierta en una atmósfera cercana al cine de Monty Pithon o El Gran Lebowski del los hermanos Coen.

Para el año 2001 realiza el guión para la película de Michel Gondry, Human Nature; abordando el tema de la naturaleza humana, en forma de parodia burlesca filosófica; con personajes muy bien interpretados como el científico obsesivo Nathan (Tim Robbins), una mujer naturalista que tiene problemas con su bello que crece Lila Jute (Patricia Arquette) y el hombre que descubren en estado salvaje Puff (el actor galés Rhys Ifans) y la amante del científico Lila (Miranda Otto) que lucha para preservar el paso del simio al hombre, lo que representa la libertad envidiable para la mayoría. En la lucha por el poder, se produce un tríangulo amoroso que emerge exponiendo las perversidades del corazón humano y la idiosincrasia de la mente civilizada.

Varias tomas del film recrean la escena con música de Bjork el video (Human Nature, 1993), tambien dirigido Gondry. La película sigue la estructura de la novela o cuento “Un informe para la Academia” (1921) del autor Franz Kafka, en el que un simio dirige una audiencia científica explicando las dificultades encontradas al convertirse en un hombre. La mente de Kaufman no descansa y junto con Jonze para el año 2002 film estrenan “Adaptation, El ladrón de Orquídeas”; un film que le valió una nominación al Oscar 2002 como Mejor guión adaptado y ganador en los premios BAFTA en la misma categoría y ganador tambien en los premios de la Sociedad de Críticos de Films de Boston. En Adaptation, Charlie Kaufman (Nicholas Cage) está plagado de inseguridades tanto en su carrera como en su vida personal. Cuando es contratado para adaptar “El ladrón de Orquídeas”, un libro acerca del fanático injertador de orquídeas John Laroche (Chris Cooper) – aprovecho destacar la excelente actuación de Cooper con este papel- Charlie se queda completamente perplejo. Aunque el libro trata las aventuras de Laroche como colector de orquídeas en los Everglades de la Florida, en el fondo la historia trata del deseo que existe en todos nosotros de experimentar la pasión. Este deseo se ha apoderado de la vida de la autora del libro, Susan Orlean (Meryl Streep), y Charlie se da cuenta de que a él le sucede lo mismo.

El concepto de un guionista convirtíendose en un personaje de su propio guión le dio a Nicholas Cage ganador del Oscar en una oportunidad de creatividad única. Otra de las genialidades de Kaufman que el mismo siempre comenta, dice que muchos no lo conocían físicamente y menos sabían que tenía un hermano gemelo: Absurdo total; Kaufman no es ese personaje gordo y tímido, miedoso, sudoroso y no que disfruta. Tampoco tiene un hermano gemelo.

Quizás para conocer más sobre Kaufman, intentaremos hacer un post sobre su opera prima, producida y dirigida con mismo guión de Kaufman; estoy hablando de Synecdoche, New York (2008) no estrenada aún en Argentina (muy difícilmente) con un actor que últimamente ha logrado interesarme por su excelente trabajo actoral, Philip Seymour Hoffman. Tuve la suerte de poder este film a principios de año pero me he tomado un tiempo en poder analizar y ver el trabajo de Kaufman. Por ahora dejo un reportaje de un programa de televisión de la cadena MTV Networks “The Colbert Nation” (algo parecido al Pettinato de acá, pero con onda Tio Sam?) donde podemos ver a Kaufman y escuchar algunos comentarios personales sobre su película.

Bobby McFerrin - Oléo

2009-05-30T15:22:00.000-03:00

"Oléo", fue compuesto por Sonny Rollins en 1958. He aqui una interpretación en vivo en el Munich Philharmonie; Bobby Mc Ferrin en voz, Herbie Hancock en piano, Michael Brecker (ts), Buster Williams (bs) y Al Foster en batería.

Bobby McFerrin, nacido en Manhattan, Nueva York es un intérprete a capella, influenciado por el jazz y director de orquesta. Ganó 8 premios Grammy desde 1985 a 1992, donde se destaca su mejor perfomance en el añó 1988 - el cual es este clip - donde estuvo número uno en las listas en Estados Unidos con su canción "Don´t worry, Be happy" (grabación del año, canción del año y mejor interpretación vocal masculina de pop). En 1986 y 1992 ganó el premio "Mejor interpretación masculina de jazz", con Round Midnight, de Thelonoius Monk.

Que lo disfruten.

Parte B

Bob Dylan - Together Through Life – (2009)

2009-05-22T15:14:00.000-03:00

Juntos por la vida es el trigésimo tercer álbum de estudio del cantautor Bob Dylan, lanzado por el sello Columbia Records el 28 de abril de 2009.

Los rumores del álbum, publicados en la revista Rolling Stone fue una sorpresa, sin ningún comunicado de prensa oficial hasta el 16 de marzo de 2009, menos de dos meses antes de la fecha de lanzamiento del álbum. Dylan produjo el disco bajo su seudónimo de Jack Frost, que ha utilizado para sus dos anteriores álbumes de estudio, "Love and Theft" y “Modern Times”. El álbum dicen contener los "cantos de amor" y tienen poca similitud con Tiempos Modernos.

En una conversación con el periodista de música Bill Flanagan, publicada en el sitio oficial de Bob Dylan, Flanagan sugiere una similitud entre el nuevo disco con el sonido de Chess Records y Sun Records, lo cual Dylan reconoció un efecto en "la manera en que los instrumentos se desempeñan". Dijo que la génesis del disco fue cuando el director de cine francés Olivier Dahan le pidió una canción para su nueva road movie, "Mi Love Song", y entonces el disco tomó así su propia dirección. La canción escrita para la película es "La vida es dura."

Dylan se apoya en el álbum de su banda de giras regulares, además de David Hidalgo de Los Lobos y Mike Campbell de Tom Petty and The Heartbreakers.

Escuché el disco, completo y también salteando algunos temas. Me gustó el sonido, por momentos suena algo oscuro, con la voz de Dylan ronca como cansada –en verdad que siempre su garganta sonó más a un viejo o con la voz gastada– y el acompañamiento de las escobillas en la batería, el sonido del golpe de bombo adelante y los shuffless en el acordeón de Hidalgo sumados los punteos de guitarra de Campbell realmente sí parece una banda de bar, pero de los de allá. Basta con ver el videoclip puesto en YouTube del primer tema “Beyond Here Lies Nothin”, que puedes entender a donde te lleva Dylan y su banda con ese sonido y su voz, áspera y quejosa; a los Estados Unidos de fines de los 50´s ; época rebel o grease, por cierto el clip tiene una producción de fotos que Bruce Davidson, fotógrafo que había incursionado en producciones freelance como Brooklin Gang y The Dwarf y obras más notables entre 1961 y 1965 con trabajos en eventos para el Movimiento de Derechos Civiles. Del trabajo Brooklin Gang es la portada del disco de Dylan.

“The Dream of You” suena como si hubiera sido grabado en un pueblito de frontera mexicana con una mezcla de banjo, guitarra sucia y apoyo de violín. “My Wife´s Home Town” es un blues al estilo Chicago que me recuerda a los primeros temas de Joe Belushi con los Blues Brothers. “It´s All Good” un boogie de John Lee Hooker que es el retrato de Estados Unidos, frío y cruel, cantando repetidamente que “Está todo bien”, la supervivencia con ladrones por todos lados y de parte del gobierno tambien.

En “Theme Town Radio Tour” Dylan se despacha como si de un programa de radio se tratase, donde podemos escuchar temas de Howlin´ Wolf, T Bone Burnett, The Rolling Stones, Carole King y muchos otros artistas de la época.

Lista de Temas:

Beyond Here Lies Nothin'
Life Is Hard
My Wife's Home Town
If You Ever Go to Houston
Forgetful Heart
Jolene
This Dream of You
Shake Shake Mama
I Feel a Change Comin' On
It's All Good

Theme Time Radio Hour: Friends & Neighbors

1. Howdy Neighbor (J. Morris) - Porter Wagoner & The Wagonmasters
2. Don't Take Everybody to Be Your Friend (M.Gabler/R. Tharpe) - Sister Rosetta Tharpe
3. Diamonds Are a Girl's Best Friend (L. Robin/J. Styne) - T Bone Burnett
4. La Valse de Amitie (O. Guidry) - Doc Guidry
5. Make Friends (E. Mcgraw) - Moon Mulligan
6. My Next Door Neighbor (J. McCain) - Jerry McCain
7. Let's Invite Them Over (O. Wheeler) - George Jones & Melba Montgomery
8. My Friends (C. Burnett/S. Ling) - Howlin' Wolf
9. Last Night (W. Jones) - Little Walter
10. You've Got a Friend (C. King) - Carole King
11. Bad Neighborhood (Caronna/M. Rebennack) - Ronnie & The Delinquents
12. Neighbours (M. Jagger/K. Richards) - The Rolling Stones
13. Too Many Parties and Too Many Pals (B. Rose/M. Dixon/R. Henderson) - Hank Williams
14. Why Can't We Be Friends (S. Allen/H. Brown/M. Dickerson/J. Goldstein/L. Jordan /C. Miller/H. Scott/L. Oskar) - War

Semana de Mayo en BA: Me-ta Funk!! (make it funk: JB dixit)

2009-05-18T17:33:00.000-03:00

En este mes que se termina, pasó un veranito con días de sol y hasta de 27 grados, mientras que en la noche porteña muchos, o digamos algunos fueron a rendirle culto a la música negra, con estilo jazz, funk, hip-hop y groove.

Galactic es hoy el grupo de funk más potente de Estados Unidos. Un quinteto cuyo origen se remonta en New Orleáns por el año 1994. Con una especie de ensamble de funk, jazz y groove en el mismo estilo histórico como The Meters, Maceo Parker y Medeski Martin and Wood.

Presentaron su albúm “From the Corner to the Block”, que no es típico hip hop, sino un albúm de funk moderno que incluye artistas especiales como ser los encargados ó mejor dicho M.C. (maestro de ceremonia), esta vez con Chali 2na, un ascendente figura del hip hop que aparece en “From the Corner…” Galactic son: Jeff Raines (guitarra), Robert Vogel (teclados), Robert Mercurio (bajo), Ben Ellman (saxos), Stanto Moore (batería) y Chali 2na (MC). Realmente un buen espectáculo donde hicieron desplegar todo su poderío y hacieron enloquecer a los fanáticos hip hop de esta tierra. Aquí la muestra en vivo, el día 13 en La Trastienda.

Ayer (?) sí ayer, George Clinton y Parliament Funkadelic dieron un recital histórico también La Trastienda. Dicen que les quedó chica; con más de 16 músicos subidos en el escenario tocaron casi por más de 3 horas, pura psicodelia funk como su nombre lo indica liderada por este hombre, nacido hace más de 68 años en Kannapolis, Carolina del Norte; tambien fue conocido como Dr. Funkenstein, Uncle Jam, o Atomic Dog.

Como era de esperar, la gente de las mesas en la planta baja empezaron a bailar, gritar y cantar los clásicos temas como Funk and Interllirie, Boop Gun, Cosmic Slop, Flash Light, Free Your Mind (And Your Ass Hill Follow) y el superclásico Atomic Dog, hicieron sentir en las nubes a la gente, difícilmente decir con palabras las emociones que esta banda genera, pero podría ser el mejor trago de la noche, preparado con toques de funk psicodelico, groove majestuoso y sublime y pizcas de cuerdas (4 y un bajo) y voces femeninas con un virtuosimo que derrocharon calidad, talento y estilo.

Por último, sobre el recital que dio Ornette Coleman el día 7 de mayo. Los que estuvieron allí pudieron disfrutar de un encuentro con palabras mayores. El recital arrancó pasadas las 21:30 y con el grupo de Gillespi. Teatro lleno, la banda tocó tres canciones demostrando tener calidad y sin llegar a ser estridentes dieron una buena muestra de saber lo que estaban tocando con una excelente versión de Come Together de los Beatles. Luego de la banda teleonera pasaron unos diez minutos y apareció Ornette Coleman junto a su banda con su saxo alto blanco Selmer (ni él sabía la marca porque fue un regalo) y más tarde con su violín. Hubo momentos de improvisación colectiva sublimes. Estilo clásico (Cello Suite #1 de Bach) y de Rhythm & Blues fueron también momentos de dulzura sin perder el sonido. Para el bis tocaron un temazo: Lonely Woman del disco The Shape of Jazz To Come (1959), el tema más importante conocido de las grabaciones más importantes del Jazz.

Joshua Redman - Compass (2009)

2009-05-12T15:02:00.001-03:00

Joshua Redman (nacido en febrero de 1969) es un saxofonista y compositor americano, que surgió en los principios de 1990, gracias a que ganó una competición de jazz, llamada Thelonious Monk Jazz Saxophone Competition en 1991. Hijo del saxofonista Dewey Redman, tuvo su infancia en Berkeley - California, graduado en la Berkeley High School en 1986, continuó desarrollándose como sideman en aparaciones junto a Elvin Jones y fue considerado como “la sangre joven” del jazz. Grabó junto a músicos como Pat Metheny, Charlie Haden y el baterista Billy Higgins, luego creó el cuarteto denominado The Joshua Redman Quartet, donde Christian McBride reemplazó a Haden. Trabajó además en varios cuartetos incluyendo uno con el pianista Brad Mehldau.

Sus influencias son el estilo, de Sonny Rollins donde en Back East (2007) rinde un tributo al album Way Out West (1957), de este gran músico. Tambien influencias de músicos como Red Holloway y Gene Ammons.

Redman está acompañado por viejos amigos y colaboradores, incluyendo a los bateristas Brian Blade y Gregory Hutchinson, y los contrabajistas Larry Grenadier y Reuben Rogers. Estos músicos han grabado con el es sus cuartetos tanto para el sello Warner Bros. como para Nonesuch, sello donde grabó sus tres últimos discos a partir del 2005.

El material está compuesto por Redman, a excepción de una revisión irresistible de la Sonata de Claro de Luna, de Beethoven; aquí conocida simplemente como “Moonlight” todos los temas están compuestos por Redman o el grupo.

También se incluyen algunas hermosas baladas, como “Little Ditty”, algunas del tipo fumadores boppers como “Round Reuben” y “Hutchhiker´s Guide”, y la hermosa indo-asiática llamada “Ghost”.

Existe además en esta banda, una comunicación estelar con el tema “March” , un ejemplo pero no aislado de las profundidades escuchas y un sentido generoso del flujo.

Artista: Joshua Redman
Título: Compass
Año: 2009
Género: Jazz / Post-Bop
Sello: Nonesuch
Duración: 01:12:34

Lista de Temas:

Uncharted
Faraway
Identity Thief
Just Like You
Hutchhiker's Guide
Ghost
Insomnomaniac
Moonlight
Un Peu Fou
March
Round Reuben
Little Ditty
Through The Valley

Inglourious Bastards (Los Bastardos sin Gloria) - 2009

2009-05-09T17:41:00.004-03:00

Esperando ansiosamente lo último de Tarantino ... porque:
"We love to making movies"

Según lo que ha comentado Quentin a la revista británica Empire, Inglourious tendrá un toque de Reservoir Dogs, un guión de True Romance y unas gotas de Pulp Fiction.

Ornette Coleman en Buenos Aires

2009-04-30T15:30:00.000-03:00

El legendario saxofonista de free jazz Ornette Coleman se presentará el 7 de mayo en el teatro Gran Rex, en la que será su primera visita a la Argentina.

Su música en el jazz de los años sesenta fue tanto revolucionaria como convertida; ya que por un lado tuvo devotos como John Coltrane y John Lewis y detractores como nada menos que el mítico Miles Davis.

Líder de aquel genial trabajo Free Jazz , con dos cuartetos, en los cuales estaban Freddie Hubbard, Eric Dolphy, Don Cherry, Scott LaFaro, Charlie Haden, Ed Blackwell y Billy Higgins, su desempeño discográfico mantuvo una cierta continuidad que se fue perdiendo en los ochenta, donde grabó Song X , junto al prolífico guitarrista Pat Metheny.

Con más de 57 discos editados desde el comienzo de su carrera en 1958, su último trabajo Sound Grammar (2006), un trabajo grabado en vivo, en el que incluye dos temas registrados anteriormente (una verdadera rareza en este artista): "Turnaround", del disco Tomorrow is the Question (1959) y "Song X", del álbum del mismo nombre y que representó su primer disco en una década y lanzado mediante su propio sello.

El Sur también existe y con Jazz

Para el día 12 de Mayo, después de su regreso por el país hermano de Chile, el Teatro Argentino (La Plata) tiene el honor de presentarlo junto a los que hoy componen su grupo, formado por tres bajistas y un baterista, Charnett Moffett y Al McDownell en contrabajos, Tony Falanga en bajo eléctrico y Denaro Coleman en batería.

Se podrá adquirir entradas en la boletería del Teatro, o a través de Ticketek, a los teléfonos 4477200 (La Plata) y 52377200 (Capital).

Todo su trabajo con la música, está puesto en la página oficial de Ornette, los clips que ves en YouTube, discografía, biografía y hasta el Manifesto Harmolodic, acá. Tambien les dejo un enlace a un reportaje hecho a Ornette Coleman en diciembre del 2008 por Sergio Piccirilli para ElIntruso.com

The Future is Unwritten (2007)

2009-04-11T17:39:00.018-03:00

Hoy 22 de diciembre, se cumplen 6 años de la desaparición física de John Graham Mellor, más conocido como Joe Strummer, cantante y guitarrista de la banda punk británica The Clash (el choque) y luego de The Mescaleros. Hombre líder de The Clash a partir de 1977, Joe Strummer cambió para siempre la vida de las personas, incluyendo la mía. Recuerdo que en la secundaria tenía un buzo que mi madre me habia comprado para ir a educación física. Era gris cielo y con capucha y bolsillos. Fue en ese buzo donde probé por primera vez la pintada a mano. Había dibujado la tapa del primer LP "The Clash". De la mano del punk vino mi fanatismo de escuchar la música de las Indias Occidentales. El Reggae.

A seis años después de su muerte, su influencia se extiende en todo el mundo. En "El futuro no está escrito", Joe Strummer se revela no sólo como una leyenda o músico, sino como un verdadero comunicador de nuestros tiempos. Gracias a un acceso único y autorizado a los archivos personales de Strummer y a grabaciones increíbles, nunca antes vistas, el director Julien Temple amigo desde sus comienzos en 1976, luego se transformaría en gran amigo de Strummer compartiendo esas noches de "Campfire" (la hoguera), una reunión tranquila de gente en torno a las crecientes llamas y a medida que avanza la noche, no tardó en convertirse en una modalidad artística, la piedra del saber, el Santo Grial, el Foro idóneo para intercambiar ideas y opiones. Un lugar de constante evolución.

Es con esa hoguera o fogón para nosotros, que Juliem Temple trabaja el nexo entre los amigos más intimos y familiares de Strummer, todos alrededor en la noche, había gente de todas las clases sociales y profesiones escuchando música y cantando algunos temas de Clash o de la primer banda "Ocupa" The 101ers, de la calle 101 Walterton Road. Se centra en el backstage de la gira "London Calling" (1998 a 2002) de Joe Strummer, que llegó a 40 millones de oyentes de la BBC, y en las hogueras legendarias de Strummerville, Durante todo el film esto se hace presente con imágenes de fotos nunca antes vistas, films personales que inclusive fueron parte del primer proyecto de Temple de un documental de The Clash en la primera época en 1976 y que abandonaría para hacer su primer pelicula "Number One" comienzos del punk y que proyectaba en los conciertos de The Sex Pistols.

Fue durante los años 70, cuando era alumno de la National Film School de Londres, con una cámara de 16mm prestada pudo capturar la cultura punk de grupos como Sex Pistols y The Clash. Tres años después hizo un documental llamado "The Great Rock And Roll Swindle" (1979) un relato apasionante y anárquico sobre los comienzos de The Sex Pistols. Luego se convirtió en pionero de los videoclips, para grabar a: Rolling Stones, Davis Bowie, The Kinks, Neil Young y muchos más. Pasando tambien por el largometraje en la década del 80, llega con proyectos con éxito como "The Secret Policeman´s Other ball" y "Running Out of Luck", pelicula basada en el primer disco de Mick Jagger como solista.

Para fines de los ochenta, en la ciudad de Los Angeles crea una comedia musical con Jeff Goldblum, Jim Carrey y Geena Davis, llamada "Earth Girls Are Easy", que trata sobre extraterrestres que aterrizan en el valle de San Fernando. Llega al nuevo milenio con su segundo documental sobre Sex Pistols, "The Filth and The Fury" (2000), cosechando elogios.

En 2005, Temple comienza la investigación para su película sobre la vida de Joe Strummer. Luego vendría la filmación del festival de Glastonbury (2006). Personalmente, creo que teniendo tanto material de archivo, una cercana amistad a Strummer y la experiencia de un realizador con una trayectoria de más de 10 años, este documental se convierte en un sincero homenaje. Imposible dejarlo pasar busquen y busquen también la banda sonora y si no por lo menos visiten los links que les dejo aqui.

Strummerville
Fundada por sus amigos y su familia en 2002, Strummerville es una organización benéfica, cuyo principal objetivo es dar oportunidades a nuevos músicos del Reino Unido. Para saber más, sus objetivos, actividades, les dejo el link: www.strummerville.com

AvalonProductions
Es la pagina de la productora que estrenó el film en España, Avalon Productions, les deja para que descarguen el poster del film de 70x101cm en formato PDF listo para ir a plotear.. y tambien fotos de Strummer de Joe Strummer en blanco y negro y alta calidad, por el fotográfo Sho Kikuchi.

Joe Strummer en Wikipedia

Entrevista a Joe Strummer por Fernando Garcia en punkunidos.com.ar

Reparto en el documental

Bono

Terry Chimes

John Cusack

Johnny Depp

Dick Evans

Steve Buscemi

John cooper Clarke

Peter Cushing

Matt Dillon

Alasdair Gillis

Jim Jarmusch

Don Letts

Joe Strummer

Ficha Técnica

Título original: Joe Strummer: The Future Is Unwritten
Año de producción: 2006
País de producción: Irlanda / Gran Bretaña
Duración: 123 minutos
Género: Documental musical
Idioma: Inglés
Color
Sonido: Dolby Digital

Equipo Técnico y Producción
Director: Julien Temple
Música: The Clash
Productores: Amanda Temple, Anna Campeau y Alan Moloney
Productor ejecutivo: Jeremy Thomas
Fotografía: Ben Cole
Montaje: Mark Reynolds, Tobias Zaldua and Niven Howie
Coproductores: Orlagh Collins, Susan Mullen, Stephan Mallmann
Supervisor de música: Ian Neil
Productor de los archivos: Sam Dwyer

Branford Marsalis Quartet - Metamorphosen (2009)

2009-04-11T14:02:00.000-03:00

Dos años después del lanzamiento de Braggtown, Branford Marsalis volvió de nuevo a grabar en el estudio con el cuarteto acústico, su nueva versión Metamorphosen. Marsalis eligió el título, alemán para destacar la evolución de su venerable conjunto (ahora en su segunda década de idéntico personal ) y cada uno de sus miembros.

"Todos hemos estado practicando", enfatiza, "y se puede oír en el desarrollo de la música y en nuestro sonido”.
El Cuarteto ha sido así en su forma actual durante un decenio, el tiempo suficiente para desarrollar una intuición común y una fuerte voz colectiva: el objetivo difícil de alcanzar de cualquier banda en la siempre mutación del postbop.

"Tratamos de hacer todo lo posible", explica Marsalis. "Nosotros ejecutamos una amplia gama, y estamos dispuestos a tocar cualquier cosa en cualquier momento, incluyendo canciones que no sabemos. Los muchachos tienen que escuchar todo tipo de música, pero estos son increíbles músicos que son muy buenos en la ejecución de una variedad de estilos".

Dentro de la lista se encuentra un tema de Thelonious Monk "Rhythm-a-Ning" y Marsalis hace lo propio con "Jabberwocky", un tema que muestra la primer grabación de su saxo alto en más de dos décadas. A continuación, hay por lo menos dos canciones de cada uno de sus compañeros de banda - el baterista Jeff (Tain) Watts, el bajista Eric Revis y el pianista Joey Calderazzo. "Me di cuenta que yo era la única persona que no tenía una canción para poner a la reunión", recuerda. "Luego fui de vacaciones con mi familia y empecé a escuchar Jabberwocky en mi cabeza. Todo lo que tenía conmigo era un saxo alto, y pensé que luego lo transcribiríamos para soprano o tenor cuando llegue a casa. Pero no sonaba tan bien en cualquier de los dos saxos, por lo que para esa pista toco de nuevo el alto”.

Si bien el repertorio es algo selecto el sonido del cuarteto es único. Como si de una roca se tratase, pero que a la vez avanza ágil e imparable. Crece en volumen y en altura musical, o como su título dice “Metamorfosis” no sé si al nivel de la obra de Kafka, pero digna de llevar el mismo nombre de la obra del autor austríaco. O quizás tal vez ese título fue tomado del estudio Metamorphosen para 23 cuerdas del compositor alemán Richard Strauss... Quién sabe, pero de seguro un título para no olvidar, no así el diseño de arte de la tapa del compacto, que más parece un fondo de pantalla de una computadora personal. A seguir escuchando…

Artist name: Branford Marsalis Quartet
Título del Album: Metamorphosen
Fecha de Lanzamiento: 17/03/2009
Genero: Jazz
Sello: Marsalis Music
Lista de Temas:

1. The Return Of The Jitney Man
2. The Blossom Of Parting,
3. Jabberwocky
4. Abe Vigoda
5. Rhythm-a-Ning
6. Sphere
7. Last Goodbye, The
8. And Then, He Was Gone
9. Sam

Sonny Rollins - My Only and Only Love

2009-03-30T04:56:00.010-03:00

Al maestro con cariño...

My One and only Love. (se ve que estaba su esposa en la primera fila...)

The Wrestler (2008) El Luchador

2009-03-02T17:35:00.003-02:00

Existen muy pocos films serios sobre la lucha profesional. Buena parte de la cultura norteamericana se encuentra inmersa en esa mezcla de comedia, crudo realismo y entorno patético. En El Luchador el director neoyorquino Darren Aronofsky aborda el tema con un drama áspero, directo y muy emotivo. A pesar de no ser un fanático de la lucha libre, recuerda haber ido de niño a ver las peleas en el Madison Square Garden.

La idea de realizar esta película acerca de un luchador la llevaba por algunos años en su cabeza, más tarde comienza a desarrollar ideas con el productor Scott Franklin, que era aficionado a la lucha libre y sabía algo más sobre el tema y juntos conocen al escritor Robert Siegel, los tres desarrollaron la historia que les llevó los siguientes tres años hasta obtener el resultado que vemos en pantalla.

Como resultado nació el personaje de Randy "el carnero" Robinson, un hombre atrapado en un cultura donde los héroes populares obtienen sus quince minutos de fama y entonces, antes que te des cuenta, el público gira para vitorear al más joven y fuerte, e incluso más loco que tu. Sin embargo el deseo de ser amado, de ser adorado sobre el ring, aunque sea por unos pocos minutos jamás se va. En el caso de Randy "The Ram", (coloco esto porque el aplica su golpe maestro, "Ram Jam") ese deseo lo empuja a recuperar esa sensación heroica, con un único combustible, la fuerza de voluntad, ya que su cuerpo hace tiempo dejó su mejor momento y ahora se ve obligado a abandonar el ring por una enfermedad cardíaca.

El guión resultante es la típica fábula de un héroe del deporte devenido en busca de un último triunfo, donde la esencia de la historia nos muestra la lucha por el honor, la dignidad y el amor entre hombres y mujeres. Un drama humano con elementos deportivos pero que habla de una persona cualquiera a la que un buen día se da cuenta que ya no puede hacer lo que llevaba haciendo habitualmente. Un momento en la vida que mucha gente afronta. Para eso, Aronofsky llevó la historia con algo de humor. La extravagancia de los personajes de la lucha libre, sus técnicas chocantes y creativas y hasta el lenguaje secreto y códigos de honor de los luchadores. muchos de estos códigos se introdujeron para confeccionar el guión para hacerlo más realista.

El protagonista

Cuando Mickey Rourke decidió encarnar a Randy, los realizadores se entusiasmaron de que él haya sido finalmente quien asumiera el papel y comenzaron a perfilar los detalles específicos. Todo había cambiado junto a la llegada de Rourke. Comenta el director, "cuando se subió al proyecto, cambió el personaje completamente para llevarlo a su propio terreno". "Abordó el personaje y le puso en el interior su propia vida".

Una interpretación estimulante, muy física, levantando pesas en todo momento y sin dudar a la hora de inyectarse esteroides. El director era consciente de cuán desafiante podía ser ese papel, tanto a nivel físico como emocional, y sabía que necesitaba a un actor deseoso de hacer ese sacrificio para construir ese personaje, con una interpretación desafiante, centrada, jugada sin red. Rourke había aparecido en el ruedo en la década de los ochenta con papeles importantes como Diner (1982), El Corazón del ángel (1987, conocida aquí como Corazón Satánico) dirigida por Alan Parker y coprotagonizada por Robert de Niro, y El Borracho (1987) y se preguntaba, ¿Por qué ese gran talento no se mostraba al mundo? qué le había pasado? Tras hundirse en un infierno, Rourke desapareció del mapa prácticamente. Recientemente había hecho un regreso en la adaptación del comic de Frank Miller, Sin City, Ciudad del Pecado (2005) de Robert Rodríguez.

Las exigencias físicas del papel ya eran extremas. Rourke entrenaba con auténticos luchadores y hacía todas las escenas de lucha en que debía aparecer. Aumentó 14 kg. su masa muscular para su personaje. Ha mantenido combates de boxeo en el ring en calidad de aficionado como de profesional, pero a pesar de eso trabajó con un entrenador físico para crear el cuerpo de Randy, que debía ser fuerte y atlético, aunque también debía aparecer cansado y desgastado.

Rourke, habla acerca de las similitudes entre el boxeo y la lucha libre: "es como comparar el ping pong con el rugby", desde la perspectiva técnica se trata de prácticas completamente opuestas, porque en el boxeo prima el sigilo y la rapidez en tanto que en la lucha libre profesional consiste en mostrar tanto como sea posible y de hacer lo máximo con cada contacto. "Al principio caía como un ladrillo, lo que hacía que me doliera cada hueso de mi cuerpo" –comenta Rourke– "fui a hacerme otra imagen por resonancia magnética. Tenía que aprender a caer del modo adecuado y tratar de asumir en pocos meses lo que a los profesionales tardan años en dominar".

Si los esfuerzos físicos que tuvo que afrontar Rourke fueron increíbles, empalidecen en comparación al costo emocional de un personaje que admite incómodamente pergeñado a su imagen y semejanza. "Hay algunas similitudes y paralelismos con el personaje: está esa parte de mí que se ha perdido y una compresión acerca de ese estado avergonzado cuando no puedes conseguir un trabajo y ya no te quiere nadie. Este tipo vive unos sueños que no tiene certeza alguna vayan a devenir una realidad, y se está preguntando si no será ya demasiado tarde. Esas son razones por las que no estaba del todo seguro que quisiera hacer la película, pues me tocaba todo un poco demasiado de cerca".

La puesta en escena

La decisión acertada de Darren Aronofsky fue rodar las escenas de lucha libre como combates reales, sin especialista alguno, ante un público auténtico. Los realizadores prepararon una serie de combates con promociones auténticas y una serie de peleas previas para mantener al público caldeado. Cuando llegaba el público se le hacía un resumen de como iría el rodaje, y se les animaba a reaccionar del modo más natural. Esos combates que eran tres, filmaban las peleas de Mickey, salían y luego de otras tres volvían a entrar y a rodar nuevamente. En esos combates se ofrecía un buen número, típico de catch, y payasadas muy familiares en la lucha libre, desde usar una hoja de afeitar para sangrar al oponente, usar engrampadoras.

Para mantener el realismo extremo que sonaba entre aplausos y gritos en el ring, el director hizo que Randy Robinson se vea abrumado al enfrentarse a los clientes de la tienda de delicatessen, en forma irónica y con estilo documental. Se dice que no pudieron con el presupuesto para cerrar el supermercado, así que los clientes que entraban eran reales y cuando una mujer se acerca al mostrador y pide pollo, está ocurriendo realmente.

El reparto de actores

Randy Robinson aplaca su soledad fuera del ring en un club de striptease, donde hace tiempo se le permite flirtear amistosamente con una bailarina llamaba Cassidy, quien tambien va acercándose el límite de edad que su carrera permite. Es Randy quien expone sus emociones a Cassidy en un esfuerzo con la única persona quien puede relacionarse fuera del ring.

El director, a pesar de resistir a la similitud entre el luchador y la stripper, más las hallaba fascinantes: ambos usan nombres para el escenario, ambos hacen empleo de su cuerpo para poder comer y para ambos el tiempo y la edad son los grandes enemigos. Además muchos luchadores van a gastarse parte de sus ingresos en un club de striptease y todo eso hacía que tenga sentido para que Randy y Cassidy desarrollaran una amistad.

Para el papel de Cassidy, Aronofsky pensó en Marisa Tomei. La actriz ha alcanzado a interpretar una destacada variedad de personajes. Su papel era distinto a cualquier otro que haya encarnado, y como Rourke, tuvo que prepararse tanto fisica como emocionalmente. Afrontó el riesgo para retratar a Cassidy con un realismo respetuoso, en primer lugar no se sentía emocionada con la idea de desnudarse completamente y ponerse a saltar por ahí o pararse frente al caño. Pero como siempre le ha gustado la idea de enfrentar lo que le da miedo, encuentra un arte auténtico en eso, y que le da una gran fuerza en lo que al personaje hace. Cassidy experimenta el poder sobre el escenario, esa sensación de control sobre los otros. Tambien le pareció de interés el hecho de que en ese negocio está habituada a manipular a los hombres para poder comer, pero que en cambio con Randy no sabe cómo mostrarse o cómo librarse de ese control.

A medida que los realizadores iban desarrollando el guión para The Wrestler (El luchador), se fueron haciendo conscientes de lo duro que podía ser para las familias una carrera en la lucha libre profesional, lo cual les llevó a tenérselas con la relación no resuelta de Randy con su hija, a la que apenas conoce realmente, pero de la que quiere desesperadamente amor y perdón cuando todo lo demás se derrumba.

Muchos de los luchadores desaparecen de sus ámbitos domésticos para lanzarse a la ruta, cuando van a casa no hay comunicación con sus familiares porque en sus hogares dejan de ser especiales. Existen un montón de relaciones trágicas y de matrimonios rotos en ese mundo y los realizadores desarrollaron ese lado de la historia a través del personaje de Stephanie.

La labor de Evan Rachel Wood (Stephanie) saltó a la palestra con filmes como ser Thirteen, (2003) de la directora Catherine Hardwicke, Running with Scissors, (2006), Across the Universe (2007) y The Life Before Her Eyes (2007). Wood comenta que trabajar con Aronofsky estaba en su lista con los que quisiera trabajar; cuando vió su film Réquiem por un sueño (Requiem for a dream, 2000) tenía catorce años. El tratamiento poco ortodoxo que optó el director para con Rourke y Wood fue con el fin de crear una atmósfera cargada e inestable desde la primer escena. Evitó a toda costa que ambos se encontraran, ni siquiera brevemente, hasta el momento en que aparecen en pantalla juntos. Recuerda Franklin: "Mickey llamó a la puerta y ambos se encontraron por primera vez con la cámara ya rodando. Y lo consiguieron en la primera toma, porque realmente se percibe todas las emociones que surgen de su mutuo extrañamiento".

Pese a lo profundo de su rabia con su padre, Stephanie le permite momentaneamente entrar en su vida, ella se ha endurecido considerablemente con su padre porque la ha herido en incontables ocasiones. Tambien existen momentos muy emotivos, como el que surgió espontáneamente cuando padre e hija pasan una tarde caminando por el paseo marítimo y van a parar a un espacio donde hay una calesita abandonada, donde bailan en ensoñado silencio.

Junto al reparto de El Luchador, se halla el comediante Judah Friedlander, mejor conocido por su papel de Frank Rossitano en la serie televisiva Rockefeller Plaza, quien aqui encarna al promotor de luchadores Scott Brumberg. Todd Barry interpreta al desagradable jefe Wayne del supermercado donde trabaja Randy. Por último, se encuentra un buen número de conocidas figuras del mundo de la lucha libre profesional: Ernest "El Gato" Miller, antiguo jugador de fútbol americano y luchador de kick boxing, la estrella emergente y campeón del mundo de los pesos pesados Ron "la verdad" Killings, Smooth Tommy Suede; el duro luchador Necro Butcher, el levantador de pesas Mike Millar y el legendario luchador y manager, Johnny Valiant.

La fotografía es de Maryse Alberti, célebre por sus documentales de investigación como Taxi to the Dark Side (2007), Enron: The Smartes Guys in The Room (2005) y de películas independientes como Happiness, (1988) de Todd Solondz y Velvet Goldmine, (1998) de Todd Haynes.

Para la banda sonora, Aronofsky ha colaborado por cuarta ocasión con el compositor Clint Mansell, quien no hace mucho ganó un Globo de Oro para La fuente de la Vida. Mansell ha trabajado con Slash, el antiguo guitarrista de Guns N´Roses, granbando una banda sonora con influencias de rock. Añadiendo un toque final emotivo en la banda sonora está la canción de los títulos de crédito, escrita por Bruce Springsteen, quien ha contribuido al proyecto debido a la amistad de toda la vida que mantiene con Rourke. Springsteen llamó por telefono a Rourke desde Europa diciendo que tenía algo para la pelicula, después que había leído el guión y por el momento en que se encontraba Mickey. Eso hizo que Aronofsky y Rourke se encontraran luego en el camarín de Bruce en el Giants Stadium, Bruce sacara su guitarra y se pusiera a cantar lo que había escrito para ello. Ambos quedaron impresionados y se sintieron gratificados. "Es una canción que en verdad resume la película y el personaje".

Por último, les dejo un link sobre la película cuyo protagónico y guión son de Mickey Rourke, un film de mas de 20 años: Homeboy (1988), donde Rourke hace de boxeador y que también protogonizó su primer esposa Debra Feuer y Christopher Walken. La música es de Eric Clapton.

Si quieren saber más, hagan clic aquí, donde se habla sobre la verdadera historia de Rourke y sus papeles más jugados y su rechazo al papel de "Butch" en Pulp Fiction y el que hizo Kurt Russell en "Death Proof", ambos de Quentin Tarantino.

Dirección: Darren Aronofsky.
País: USA.
Año: 2008.
Duración: 105 min.
Género: Drama.
Interpretación: Mickey Rourke (Randy Robinson), Marisa Tomei (Cassidy), Evan Rachel Wood (Stephanie Robinson), Mark Margolis (Lenny), Todd Barry (Wayne), Ernest Miller ("El Ayatollah"), Judah Friedlander (Scott).
Guión: Robert Siegel.
Producción: Darren Aronofsky y Scott Franklin.
Música: Clint Mansell.
Fotografía: Maryse Alberti.
Montaje: Andrew Weisblum.
Diseño de producción: Tim Grimes.
Vestuario: Amy Westcott.
Estreno en USA: 17 Diciembre 2008.

Trailer subtitulado:

Slumdog Millionaire (2009)

2009-03-02T17:30:00.004-02:00

Destino y Amor desde la caja boba al show business globalizado.

Hoy comentamos el film nominado a 10 Oscar a la Academia y ganador de 8, entre los cuales los más importantes fueron Mejor Director, Mejor Película, Mejor Guión Adaptado y Mejor Fotografía y Mejor Montaje. Slumdog, (perro de la calle) es la historia de un joven de 18 años, niño pobre de los tugurios de Mombay, que participa en un concurso televisivo (preguntas y respuestas) y siendo el ganador millonario hasta el momento, la policía lo detiene con la sospecha de que comete fraude al creen conocer todas las respuestas.

En primer lugar, podríamos decir que la película tiene el basamento del típico cuento de hadas del pobre que se enriquece de la noche a la mañana, donde el héroe supera enormes obstáculos para alcanzar una meta. En segundo lugar, el extraordinario trasfondo sobre el que transcurre la historia. Un niño de un tugurio de Dharavi, una barriada de la megaciudad de Mombay; que logra aprender algo si se podría decir en la "escuela", gracias a su madre y que junto a su hermano protector pero a la vez anticipándose en lo que a ganarse una monedas se refiere, se convierten en huérfanos por motivos de ataques entre fanáticos religiosos y deambulan solos por los basurales de la ciudad.

La novela de Vikas Swarup estaba compuesto de 12 relatos, de los cuales algunos mantenían un hilo conductor entre ellos. No tomaba por ejemplo a un personaje desde que nacía y se le seguía. Incluso algunas historias eran cuentos cortos que ni siquiera hacían referencia a los personajes principales. Esto es muy distinto que comenzar con una idea propia. Al realizar una adaptación hay que tener mucha más responsabilidad con el libro original. siendo así, que de igual forma hay que convertir esas historias en propias.

El guionista Simon Beaufoy escoge su propio camino a través de las narrativas para confeccionar una historia que llevará al espectador de una punta a la otra. Es decir, contar una historia que fuera capaz de retroceder en el tiempo (durante el interrogatorio policial) a través de Flashbacks de la vida del protagonista, Jamal en el programa de TV a partir de las preguntas se obtienen los segmentos en una mezcla de géneros. Puede ser algo de romanticismo, un poco de comedia o elementos de pandillas y todo eso encapsularlo para formar un todo que sigue una linea única. –Es así y creo haberlo visto también– a la tan bien lograda y nominada en 2003 "Cidade de Deus", de Fernando Meirelles.

Por mencionar algo, sabemos que las películas en la India pueden llegar a durar hasta tres horas. Una escena principal del film, la persecución de los chicos entre los casas en el suburbio, es una inspiración de la película hindú Viernes Negro (2004), de una persecución policial que dura 12 minutos... En otra se basa en un film clave del cine indio Deewar (1975) película gangsteril interpretada por Amitabh Bachchan, actor de reparto de Slumdog Millionaire, que aparece en la escena del autógrafo.

Las productoras occidentales Celador Films como Film4 invitaron al director Danny Boyle creador de films de culto como Shallow Grave (1994), Trainspotting (1996), y 28 días después (2002), Millions (2004) entre otros, a leer el guión, y éste al ver que es una historia basada en un programa de televisión duda al principio sumarse al proyecto, pero mirando que el guión está adaptado por Beaufoy, recuerda que fue quien escribió una de sus películas británicas favoritas; The Full Monty (1997) si ustedes recuerdan Beaufoy fue nominado también como mejor guión original adaptado, pero no ganó. Era la película de los seis obreros que ante un paro deciden trabajar de strippers.

Como decía, el cuento o historia principal es como un cuento de hadas, y como buen cuento tiene de verdad momentos oscuros y atemorizantes –como la escena del reclutamiento de Jamal y su hermano y una niña llamada Latika en un momento que se los llega a mutilar para dar más lástima y así recibir mejor limosna –uno puede estar acostumbrado a ver eso en películas o no.–

Ocurriendo la historia en la India, con el guionista y el director ya de locales, (conocían la India) trabajaron en asociación con productora y una codirectora local también de nombre Loveleen Tandan. Esto facilitó mucho el tema de la pre-producción y la búsqueda de lugares ya que la ciudad está en constante cambio, primero ellos buscaban una locación que les parecía apropiada, pero al pasar unos meses, estaba totalmente cambiada, había construcciones, etc. También el tema de la aglomeración y atascamiento del tránsito era algo que se debía tomar muy en serio. La película ofrece impactantes elementos visuales, hasta diría yo pensados desde el tipo y sensibilidad del material fílmico.

Los colores resaltan ante tanto marrón de pobreza, los pequeños objetos materiales que los rodean, una mantilla, un balde, un cielo tan celeste y unos trenes o combis de un amarillo mostaza, muy bien realzado. Los movimientos de cámara por los lugares menos pensados, ver la ciudad de la India, Mombay, como si fuera en cámara rápida en algunas tomas.

La tecnología al servicio de la puesta en escena

Si bien se pensó el tema del trabajo con las cámaras, se trabajó con cámaras digitales del tipo SL-2K, de descartó el hecho de llevar las pesadas cámaras de 35mm a zonas tan concurridas. Las cámaras digitales más livianas, pequeñas permitían grabar rápidamente en lugares difíciles, con cámara en mano y también utilizaron una CanonCam, y una cámara de fotos que puede grabar a 12 fotogramas por segundo. Pensando que si la gene ve una cámara de fotos, no piensan que están grabando vídeo, o sea el resultado final de la película esta hecho con la mezcla de tecnologías. Quien operaba la cámara, tenía que llevar un disco duro pegado a la espalda par grabar imágenes que tomaba la cámara de mano. El director de fotografía Anthony Dod Mantle, parecía un turista que paseaba entre las chabolas, pero en realidad lo que hacía era rodar la película.

Recordando la escena de la ciudad en crecimiento con esos enormes edificios de vivienda y administraciones de multinacionales, hace que este país tome un protagonismo en la película por su crecimiento demográfico y cultural en estos últimos, diría yo 10 años. La era digital en pleno, puesto a disposición para "calmar" las necesidades: celulares, ringtones, prostíbulos, calls centers (es donde trabaja Jamal sirviendo té y café) casita de videojuegos, televisores de plasma y cemento... mucho cemento y concreto se muestra como obra arquitectónica cuando Salim le comenta a Jamal, en la escena del reencuentro, sobre este país y su ubicación en el mundo y lo que él también representa ante la sociedad, Salim es un matón, uno de los cabezas de Javed Khan, el antiguo gángster controlador de mujeres y negocios turbios; quien ayuda a Salim de la persecución de Maman y sus secuaces, a quien asesina para poder escapar ya que anteriormente lo había reclutado a él y a su hermano para mendigar en la ciudad.

En la escena de la estación terminal de trenes, este lugar tiene un gran significado para los hindúes. Millones de personas todos los días y a toda hora utilizan ese medio de transporte. Es en ese lugar donde se rodó la escena en que la hermosa Latika (Freida Pinto) ya mayor, mira sonriente hacia arriba, observando y que luego será unos de los picos máximo del desenlace de la historia. No voy a contarles más, se las recomiendo como una muy buena película con un final, diría yo "occidentalizado".

La música pertenece a A.R. Rahman, nacido en la India hace 43 años es productor, compositor y ganador del Oscar a Mejor Banda Sonora 2008 por Slumdog. La canción Latika´s Theme queda muy bien en las escenas de la gran urbe, cuando Jamal sigue la búsqueda de Latika, pensando, deseado poder encontrarla. También el tema principal es interpretado por una estrella nacida en Londres, MIA, M.I.A. (Mathangi Arulpragasam) es una artista rapera, de música electrónica, hip-hop, ragga, con su tema Paper Planes.

Slumdog Millionaire. 2009 - Quien Quiere Ser Millionario?

Dirección: Danny Boyle.
País: Reino Unido.
Año: 2008.
Duración: 120 min.
Género: Drama, comedia, romance.
Interpretación: Dev Patel (Jamal Malik), Freida Pinto (Latika), Madhur Mittal (Salim), Anil Kapoor (Prem Kumar), Irrfan Khan (inspector de policía).
Guión: Simon Beaufoy; basado en la novela "Q & A" de Vikas Swarup.
Producción: Christian Colson.
Música: A.R. Rahman.
Fotografía: Anthony Dod Mantle.
Montaje: Chris Dickens.
Diseño de producción: Mark Digby.
Vestuario: Suttirat Anne Larlarb.
Estreno en Reino Unido: 9 Enero 2009.

Michel Gondry - Work of Director (2003)

2009-02-28T13:16:00.000-02:00

The Work of Director Michel Gondry es una colección de videos musicales, cortometrajes, documentales e historias de este joven realizador devenido director de cine. Con un enorme talento por su concepto visual puesto de manifiesto en comerciales de televisión como los reconocidos del condón de Levi´s Strauss, de Vodka Smirnoff, como así también por ser el creador de videoclips de los grupos Rolling Stones, Foo Fighters, Chemical Brothers, Radiohead, Daft Punk y la cantante Björk, entre otros.

En el año 2001 Gondry debuta como director cinematográfico con una comedia drámatica acerca del comportamiento del hombre, "Human Nature" (Naturaleza Humana), una parodia filosófica entre un hombre nacido y criado en estado salvaje y un científico obsesivo, en un triángulo amoroso con la joven Patricia Arquette en el protagónico femenino. Este rol, en principio, sería para Björk, pero ella no lo acepta por sentirse abrumada y muy estresada. Justamente, con Björk dirige un total de seis videos musicales, en especial para la canción Human Behavior. "Human Nature" fue escrito por Kaufman para ser dirigido por el director Spike Jonze, otro joven talento, que deja paso a Gondry para hacer su primer largo, Jonze y Kaufman terminan lo que se llamó "Adaptation: El Ladrón de Orquídeas" en el año 2002.

Para esa época, Michel Gondry y Charlie Kaufman elaboraban un guión sobre una idea provocativa: ¿Qué pasaría si recibís una carta avisándote que has sido borrado de la memoria de alguien y que no deberías intentar ponerte en contacto con esa persona? Pasaron tres años para que de esa propuesta naciera la genial obra "Eternal Sunshine of The Spotless Mind", (Eterno resplandor de una mente sin recuerdos) (2004).

Si llegaste a leer y entender hasta aquí, verás que existía una estrecha colaboración Gondry-Kaufman-Jonze, y justamente éste último también tiene su DVD de videoclips en la producción de la serie Directors Live!; completando la serie otro joven realizador, nacido en Reading (Inglaterra) en 1970. Su nombre, Chris Cunningham, considerado por artistas, teóricos y aficionados (donde me incluyo) el mejor director de videoclips del mundo.

El material de Gondry consta de dos DVDs y un libro de 52 páginas de dibujos y fotografías, donde podemos seleccionar entre más de 26 videos musicales, entre los cuales se destaca el clip de la Australiana Kylie Minogue, "Come into my world", donde uno se pregunta; ¿Cómo lo hizo?, o en "Like a Rolling Stone", el tema de Bob Dylan versionado por The Rolling Stones, sobre un efecto o técnica Warp o Morphing, utilizado en programas de diseño como 3D studio Max y que el propio Gondry explica en el mismo DVD como así tambíen el uso de perspectiva y otros efectos por computadora que él mismo ha experimentado.

Tambien Gondry está lleno de un mundo de desbordante imaginación infantil. Sus hijos aparecen en el menú del mismo debajo de los tambores de la batería siendo él mismo el que ejecuta y también mostrando algunos clips de la cual formó parte, me refiero al grupo francés Oui-Oui. En el DVD número 2 podemos ver más sobre las técnicas y conceptos realizados y un documental de 75 minutos titulado "I've been 12 forever" (Siempre he tenido 12 años), donde podemos contar con la presencia de la madre de Gondry y algunos músicos y artistas comentando sobre los proyectos de videos musicales que Gondry elaboró y cuenta, sobre todo con mucho lápiz, marcadores y papel.

Ese mundo al que hacíamos referencia se basa mucho en el aprendizaje y el estímulo que este joven artista fue adquiriendo. Un mundo de papel maché, autos de tamaño real de cartón, técnicas stop-motion con muñequitos, el uso de la luz y sombra y experimentos varios que –según algunos– su abuelo, siendo inventor, le enseño a entender y descubrir. Todo esto lo pone en práctica en su obra más autoreferencial, el film "La Science des rèves", conocida en habla hispana como "Soñando Despierto" (2006), con el protagónico de Gael García Bernal.

En el año 2008, Gondry vuelve a rodar un film ahora en los Estados Unidos, precisamente en un barrio de Nueva Jersey, "Be Kind Rewind" ("Rebobine por favor") donde Michel Gondry es Fats Waller y Mos Def es Michel Gondry, y junto a Jack Black, un paranoico convencido que el gobierno los controla allí, asalta una central eléctrica y ante una descarga queda magnetizado. Esto hace que no pueda entrar al video club de su amigo Mike (Mos Def) porque arruina todas las cintas. Al perder muchas de las peliculas, Mike y su amigo se ven obligados a "inventarse" las películas de una forma casera y con elementos que Gondry nuevamente pondrá en la película para hacernos pensar, que cualquiera de nosotros puede hacer la remake de un exito como "Los Cazafantasmas", "Robocop" o "Conduciendo a Miss Daisy". Una comedia genial que le trajo algún problema legal, como por ejemplo en España, donde se había anunciado un concurso en el que había que hacer una remake casera de los clásicos en breves minutos (pueden ver la página aquí).

Y que nos traerá con su creatividad para mediados del año 2010 Michel Gondry? Ahora que se confirma que ha sido contratado por la Columbia Pictures para revivir al personaje televisivo de los años sesenta "El Avispón Verde" (The Green Hornet). El proyecto no es nuevo, pero se espera con gran ansiedad y se dice que incluiría a George Clooney y Jet Li como protagonistas.

El Intercambio (Changeling) 2008

2009-02-02T17:37:00.000-02:00

Dirección: Clint Eastwood.
País: USA.
Año: 2008.
Duración: 141 min.
Género: Drama.
Interpretación: Angelina Jolie (Christine Collins), John Malkovich (reverendo Gustav Briegleb), Jeffrey Donovan (capitán J.J. Jones), Jason Butler Harner (Gordon Northcott), Amy Ryan (Carol Dexter), Colm Feore (James Davis), Michael Kelly (Lester Ybarra), Geoff Pierson (S.S. Hahn), Denis O'Hare (Dr. Jonathan Steel), Eddie Alderson (Sanford Clark), Gattlin Griffith (Walter Collins).
Guión: J. Michael Straczynski.
Producción: Clint Eastwood, Brian Grazer, Ron Howard y Rob Lorenz.
Música: Clint Eastwood.
Fotografía: Tom Stern.
Montaje: Joel Cox.
Diseño de producción: James Murakami.
Vestuario: Deborah Hopper.
Estreno en USA: 31 Octubre 2008.
Estreno en España: 19 Diciembre 2008.

Qué hubiese sido sin Angelina y Eastwood?

Existe más facilidad para realizar la crítica de ciertas películas que de otras. En este caso, es complicada. Si tomamos como base que Angelina Jolie tiene dotes de intérprete, no lo demuestra con todo su potencial: un papel protagónico que queda oscurecido por actuaciones secundarias, e inmerso en una historia que carece de realismo.

Por otro lado, Clint Eastwood –uno de mis directores preferidos– se toma su trabajo, pero no realiza escenas de tal crudeza como en los filmes que lo han caracterizado como un duro, implacable justiciero. Quizás, a mi forma de entender, sus filmes crean un cuadro poco creíble o aletargado de una historia que en verdad estuvo plagada de sangre, violaciones, asesinatos, y lo más perverso de los personajes que habitaban la ciudad de Los Angeles en la época de los años 20 y 30.

Tal vez no haya que echarle toda la culpa a Eastwood, porque se encarga de llevar la historia evitando un tono sensiblero y lánguido, pero se pierde en situaciones inverosímiles, como ser que a una madre le devuelvan un hijo desaparecido por meses y le entreguen uno que no lo es; y que cualquier madre se daría cuenta en muy poco tiempo.

Diría que ciertas historias o relatos del guión fueron ablandados y se centra en lo que el guionista –el ex-periodista Michael Straczynski– aporta de su encuentro con esta historia, olvidada en los viejos archivos del Ayuntamiento (Consejo Municipal de Bienestar Social) dispuestos a ser incinerados y que gracias a una fuente, Straczynski logra rescatar lo que para él sería honrar a Christine Collins, una madre soltera a la que le roban su hijo y a la que la policía de entonces, corrupta, violenta, termina encerrando en un manicomo bajo el tristemente célebre "Código 12" (una forma de admisión para internar en psiquiátricos a pacientes que la policía catalogaba de incontrolable), una excusa para castigar a cualquier persona que discrepase, protestase, causase problemas o pusiese objeciones a los métodos de la policía. Policía que ejercía un poder autoritario sobre los cuidadanos, quienes no podían poner en tela de juicio sus procedimientos.

El actor Denis O'Hare da vida al Dr. Jonathan Steel, el médico que gobierna brutalmente el ala psiquiátrica del Hospital donde Christine Collins fue confinada, según los relatos de los expedientes, por 5 días, aunque en el film parecieran ser muchos más. Los métodos para convencer que tenía el médico eran desde hacer firmar y retirar los cargos hasta llegar hasta el sometimiento de vejaciones y hasta la picana eléctrica. Les recuerda algo de una época nuestra, todavía siendo esclarecida, la dictadura de nuestro país?

Kind of Blue - Segunda parte

2009-01-30T13:10:00.002-02:00

Siguiendo con la Autobiografía de Miles, nos sumergimos en la época donde, habiendo dejado de ser un consumidor de heroína, había decidido estar un tiempo en la ciudad de Detroit para luego volver a Nueva York. Durante esos años, muchos músicos estaban todavía enganchados con la heroína, y la reputación de Davis había descendido notablemente. Conseguiría más adelante un contrato para el sello Prestige y organizaba conciertos con bandas contratadas por él. Fue así como conoció a Coltrane a través de Philly Joe, baterista y amigo de Miles.

Había contratado una serie de actuaciones en clubs, que debían empezar en septiembre, y cuando llegó la hora Sonny Rollins desaparació, tal como había dicho que lo haría. Se comentaba que estaba en Chicago, pero no logró seguirle la pista. (Más tarde se enteró de que se había recluido voluntariamente en Lexington para romper con su adicción a la heroína para siempre). Estaba desesperado por encontrar un saxo tenor, de modo que probó a John Gilmore, que tocaba con la Sun Ra´s Arkestra. Se había trasladado a FIladelfia y Philly Joe

Philly Joe trajo entonces a John Coltrane. Davis conocía ya a Trane desde aquella actuación en que ambos participaron, varios años atrás, en el Audubon. Pero aquella noche Sonny lo había barrido, por lo que cuando Philly mencionó a quien traía no le produjo excesiva emoción. Sin embargo, después de unos pocos ensayos (en los que comprobó que Trane había progresado muchísimo desde aquella noche famosa), dijo que tenía que volver a casa, y se marchó. Miles imagino que la razón de que al principio no se entendieran fue que entonces Trane tenía la manía de agobiarlo a preguntas sobre lo que debía y no debía tocar. "Macho, a la mierda con semejantes puñeterías: para mí, él era un músico profesional y siempre he querido que cualquier tipo que toque conmigo encuentre por sí mismo su propio lugar en la música". Por lo tanto, es probable que el silencio y las miradas aviesas de Miles lo indujeran a desistir.

Cuando todo estaba preparado, Sonny Rollins no había vuelto y Trane se había ido a Filadelfia para tocar con Jimmy Smith, el organista. La banda se encontraba sin saxo tenor. Philly Joe, entonces, llamó a Trane y le pidió que se uniera a ellos. Trane era el único que conocía todas las tonadas y Davis no podía arriesgarse a tener consigo a alguien que no las conociera todas. No supo hasta más tarde que Trane había decidido que si lo llamaban volvería a la banda, porque la música que tocaban le gustaba más que la de Jimmy Smith; pensaba que en la banda había espacio para desenvolverse. Trane aprovechó para hacerle a Philly Joe una jugarreta, es decir lo aprovecharon Trane y su novia de aquel momento, Naima Grubbs: cuando accedió a encontrarse en Baltimore y ellos se presentaron allí, él y Naima se casaron rodeados de toda la banda. Fueron sus padrinos de boda, la banda entera. Como grupo, en el estrado y fuera de éste, congeniaban muy bien.

Ahora tenían a Trane al saxo, Philly Joe a la batería, Red Garland al piano, Paul Chambers al bajo y Miles a la trompeta. Con mayor rapidez de los que imaginaron la música que tocaban juntos llegó a ser sencillamente increíble. "Eran tan buena que por las noches me producía escalofríos; el mismo efecto tenía sobre el público. Macho, las paridas que al poco tiempo soltábamos eran terroríficas, tanto que solía pellizcarme para asegurarme de que no las estaba soñando".

El crítico Whitney Balliett dijo, poco después de que Trane y MIles empezaran a tocar juntos, que Coltrane tenía "un tono árido, casual, que hace que Davis destaque como una piedra preciosa sobre una montura tosca", Pero Trane no tardó en ser mucho más que aquello. No tardó en ser él mismo un diamante, y Miles lo sabía; él y cualquier persona que lo oyese.

En la próxima entrega, veremos como Miles Davis lográ salirse del sello Prestige para aceptar un contrato con la Columbia Records donde grabaría su primer albúm, Round About Midnight. lo conocía, había tocado con él unas cuantas veces y lo recomendó. Vino a unos cuantos ensayos, pero no encajó bien, simplemente, en lo que pretendía hacer; su sonido no era lo que Miles oía en la banda.

El Legado de John Coltrane - DVD

2008-12-22T12:53:00.004-02:00

Pensando qué hacer con aquellos videocassettes que permanecen intactos, sin uso porque la videocassetera no funciona más o tener que rebobinar una cinta en la era digital es un plomo, decidí ver si estaba disponible el material documental que tengo de John Coltrane, The Legacy (1985) y aqui les dejo una revisión de otros documentales editados en dvd y algunos comentarios para que puedan opinar si los vieron o tienen interés en saber cúal de ellos es el que imprime el verdadero legado de este gran músico.

Para empezar el que tengo yo en videocassette es "The Coltrane Legacy", un video lanzado en el año 1985 y que tuve la oportunidad de ver en pantalla gigante (bah, proyector con videocassetera) en el Teatro Gral. San Martín, allá por el año 1990. Se trata de unas perfomances de la primera época de la televisión americana y / o europea en los 60´s. El show televisivo muestra al grupo en unas perfomances mucho más limitadas y concentradas, producto del show mismo. Las canciones que incluyen, "My favorite things", "Everytime we say goodbye", de Cole Porter emocionante ver y oir las versiones con Trane en saxo soprano. Sorprenden las versiones de "Alabama" y "Afro Blue", de Mongo Santamaría como así tambien unas versiones honk de "Impressions" junto al saxofonista Eric Dolphy y parte de una entrevista al baterista Elvin Jones.

Este material tendría que ser visto por todo admirador de Coltrane, contiene además entrevistas a los músicos que estuvieron junto a Coltrane durante 2 años en los cuartetos de principios de su carrera y que quizás no hacen un gran aporte como podría haber sido McCoy Tyner o el propio Miles Davis. Fue lanzado al mercado en DVD en el año 2001. Existen 2 versiones reeditadas de este material del estudio VAI (Video Artist International) y una inglesa en estereo del estudio Jazz Movie Classics, del cual algunos comentan que tiene un audio de baja fidelidad.

La lista de temas es la siguiente:

So What

Ev´rytime we Say Goodbye

Impressions

My Favorite Things

Afro Blue

Impressions

Alabama

Incluye entrevistas con Reggie Workman (bajista), Elvin Jones (baterista) y Jimmy Cobb (baterista). Tiempo total: 61 minutes

John Coltrane - Impressions

Por último, o dentro de los tantos dvd´s que existen, creo que éste es uno de los mejorcitos. Se trata de El Mundo Según John Coltrane. Producido enteramente por su esposa Alice Coltrane, es verdaderamente un sincero documental sobre su trabajo y su influencia en la comunidad musical. La mayor parte se concentra en Coltrane y su espiritualidad oriental / dirección musical en la década del 1960. Contiene clips en vivo, escuchar a Coltrane es muy potente ya que los mismos no estan editados. Trata también sobre la relación de su búsqueda espiritual y proporciona conocimientos sobre teoría musical oriental y occidental psicoacústica para la comprensión hipnótica que se observa en la última etapa de Coltrane antes de su fallecimiento en 1967.

El film tambíen incluye performances de Coltrane que nunca antes se habian visto o escuchado. "My Favarite Things" y "Naima", filmados en Europa y un tema de Charlie Parker, "Koko" en saxo alto cuando estaba en la Marina estadounidense, allá por 1947. Si alguién lo tiene, por favor avise.

Los artistas que aparecen son: Roscoe Mitchell, Alos Rashied Ali, Tommy Flanagan, Jimmy Health, Wayne Shorter, La Monte Young, Alice Coltrane y miembros de la Hermandad Asissaqua. Edición especial de la Bmg lanzado en abril del 2002. duración: 60 minutos.

Gilberto Gil - Kaya N'gan Daya (A Tribute To Bob Marley)

2008-12-16T12:46:00.002-02:00

Una tardecita agradable de noviembre por la galería Jardín, buscando precios de equipos de computación. Entro a un local donde el vendedor comodamente sentado en su escritorio disfrutaba un pequeño descanso al ritmo de música reggae.

No es dificil para mí, identificar un sonido roots o un ritmo de bajo que no haya sido grabado en la isla de Jamaica, pero ese sonido, el bajo bien oscilante al frente, es típico sonido jamaiquino y si está grabado en el estudio donde Bob Marley grabó sus primeros cortes mucho más reconocible, pero algo me desconcertó y era la voz del cantante. En portugués? Saludé al vendedor y enseguida escuché mejor los versos de Eleve-se Alto au Céu? (Lively Up Yourself) !! Me dije, quíen es este que canta los covers de Marley y hasta con un coro perfecto, diría están las I-Threes tambien ahí ?

Está claro, allá por diciembre del 2001, nuestro país pasaba por lo peor en un momento social y económico que derivó en la "huida" del presidente de turno. Para ese entonces Gilberto Gil después de grabar un trabajo de homenaje a su viejo ídolo, Luiz Gonzaga "el rey del Baiao", graba este disco tributo donde conmemora su admiración por Bob Marley.

No es la primera vez que Gil interpreta el repertorio del ídolo jamaiquino - hace años hizo un cover de "No Woman no Cry", que fue un éxito - Para grabar este disco Gilberto Gil se trasladó con su banda a Jamaica y registró parte de él en los estudios Tuff Gong, donde grabara el propio Marley. Además participaron su viuda, Rita Marley con las I-Threes, y músicos locales como los grandes Robbie Shakespeare y Sly Dunbar.

"Kaya N´Gan Daya" no sólo trae material popularizado por Bob Marley sino también composiciones de Gil y otros. A los sesenta años, Gil demuestra una vitalidad sorprente para ejecutar canciones rebeldes con fidelidad al espíritu de su intérprete original, haciendo al mismo tiempo, un sutil aporte personal de brasilidade. Es el mismo Gilberto Gil, quien compara al "rastaman" con el "cangaçeiro" del nordeste de Brasil, dos figuras emblemáticas de la vida fuera de la ley y de oposición al sistema.

Cuando Luiz Inácio Lula da Silva asumió la presidencia de Brasil en enero del 2003, escogió a Gilberto Gil para ser Ministro de Cultura en su gobierno. Para fines de Julio de 2008, Gil renuncia a su puesto de ministro, en ocasiones anteriores, Lula lo había convencido de seguir en el cargo. Siempre estuvo claro que Gil añoraba volver a su carrera artística y este año se lo pudo ver en vivo en Buenos Aires, en el teatro Gran Rex, en octubre pasado, presentando su último trabajo "Larga Banda Cordel" donde tambien interpreta un tema de su colega brasilero Herbert Vianna, de Os Paralamas do Sucesso.

Para quienes no lo hayan escuchado o visto todavia, les comento que tanto el cd, como un dvd en vivo, con extras, making off en Kingston, etc se encuentra en la web, como así tambien los clips en vivo en la pagina de YouTube.

Les dejo la lista del personal que grabó con Gilberto Gil este tributo al más grande de la isla rastafari.

Gilberto Gil (vocals, guitar); Nara Gil, Juju Gomes, Angela Lopo, Rita Marley (vocals); Sergio Chiavazzoli (banjo); Eduardo Periera (viola); Carlos Malta (flute); Claudio Andrade (keyboards); Robbie Shakespeare (bass); Jorge Gomes, Sly Dunbar (drums); Gustavo de Dalva (percussion). Recorded at Tuff Gong Studios in Kingston, Jamaica.

Audio CD: Mayo 15,2002.
Fecha original de lanzamiento: Julio 9, 2002.
Número de discos: 1
Sello: Warner Spec. Mkt. UK
ASIN: B000066J1R

El Origen de Kind of Blue (1959) Primera parte

2008-12-12T12:40:00.002-02:00

Kind of Blue representa el momento de gloria absoluta de Miles Davis: Tuvo a los mejores músicos en su mejor momento, la edad de mayor fortaleza física, y un distintivo talento innovador que lo llevaron a crear semejante belleza.

Para enterarnos como se gestó este trabajo, tenemos que retraernos a unos años atrás del lanzamiento del disco. En 1959 todo el jazz que se tocaba provenía de la fundación de Louis Armstrong. Pequeñas agrupaciones que comandaron dos maestros del swing como Lester Young y Coleman Hawkins en saxofones tenor, hasta la fiebre del bebop liderada por Charlie Parker y Dizzy Gillespie. En 1949 Davis, había publicado un trabajo importante en contraposición de la música bebop: Birth of The Cool. como su nombre lo indica, significaba el nacimiento del nuevo jazz frío, que dominó la década.

A mediados del año 1955, el primer quinteto de Davis, (con John Coltrane, el pianista Red Garland, el contrabajista Paul Chambers y el baterista Philly Joe Jones), sufrió leves modificaciones. Pero para mejor. Al grupo le agregó una voz cercana al blues en saxo alto, Julian Cannonball Adderley, y sobre todo las ideas modales que trajo consigo Bill Evans cuando se hizo cargo del piano en lugar de Red Garland. El baterista Jimmy Cobb sustituyó a Philly Joe Joes.

Este relato de la mano de Davis, son tomados de su Autobiografía, para tener presente como fue el momento en que Miles creó Kind of Blue. Algo que según él representaba el primer peldaño hacia mayores revoluciones musicales de la historia. La música de Rachmaninoff (Concierto Nro. 4) y de Ravel (Concierto para la mano izquierda) que había llegado del brazo del pianista Bill Evans.

[caption id="attachment_430" align="aligncenter" width="400" caption="John Coltrane (ts), Cannonball Adderley (as), M. Davis (tp) y Bill Evans (p)"]

Después de la aparición en el Festival de Newport (Davis había dejado el consumo de heroína) el productor de la Columbia Records, George Avakian quiso que firmase un contrato en exclusiva. Davis aceptaría dada la cantidad de dinero, pero se había callado que ya tenía un contrato de larga duración para el sello Prestige Records. Fue una jugada donde los productores negociaban y ofrecían un montón de dinero. A Davis eso le empezaba a fascinar. La posición era excelente, la gente hablaba bien de él en todas partes en lugar de difamarlo y le propusieron armar un grupo para actuar en el café Bohemia, un nuevo club de jazz hot de Greenwich Village.

Grabó un disco con Charlie Mingus para el sello Debut. En ese tiempo se decía que Mingus era uno de los mejores bajistas en actividad, aparte de un gran compositor. Sin embargo aquella sesión carecía de fuego. Acota Davis que Mingus tenía en la batería a Elvin Jones, y si había alguien que podría prenderle fuego a cualquier cosa, era ese hijo de puta.

Para esa fecha, junio de 1955, Miles ensayaba con su propia banda. Mingus por su parte, iba a tener a Sonny Rollins al saxo tenor, Red Garland al piano, Philly Joe Jones a la batería, y Miles Davis a la trompeta. Y también estaba un joven bajista de quien le había hablado Jackie Mac Lean, Paul Chambers. Chambers era oriundo de Detroit y todo el mundo se deshacía en elogios para Paul, un joven talento. Fue alli en el café Bohemia donde Oscar Pettiford llevó un cuarteto que tenía a Julian Cannonball Adderley al saxo alto. Cannonball era un gran intérprete de los blues, evidentemente uno de los mejores que tenían alrededor. Incluso los críticos blancos se ensusiamaban con su música. Todos los sellos discográficos lo perseguían. En Florida, de donde vino, había sido profesor de música, así que tenía la pretensión de que en este terreno nadie iba a enseñarle nada. Miles conocía un montón de cosas sobre música que no se aprenden en un aula -un motivo de que dejara la Juilliard- y Cannonball creía que ya lo sabía todo, de manera que cuando intentaba hablarle de algunos acordes tontos que tocaba (le dijo que cambiase la manera de abordarlos) se limitaba a eludirlo con evasivas. El ya había escuchado suficientemente a Sonny Rollins, así que sabía que las palabras de Miles eran ley. Poco después de esto, declaró Miles -que Cannonball no conocía los acordes pero que tocaba muy bien- Adderley fue y se excusó por no haber escuchado cuando se lo había dicho.

La posición de Rollins en la banda era preocupante para Miles, no por la forma de tocar ni nada parecido, sino porque Sonny hablaba de marcharse definitivamente de Nueva York. Y Miles andaba a la caza de un posible sustituto de Sonny si éste lo dejaba. Para entonces Cannonball regresó a su puesto de profesor en Florida, los jodió a todos y no volvió hasta el año siguiente.

Continuará...

Payton's Place (1998) Nicholas Payton

2008-11-22T12:32:00.003-02:00

Payton's Place es el quinto disco de este trompetista nacido en 1973 en la ciudad de New Orleans, Louisiana. Hijo de músico, el bajista Walter Payton, empezó a tocar la trompeta a la temprana edad de cuatro años y a los nueve ya estaba tocando junto a su padre en una banda llamada Young Tuxedo Brass Band.

El disco es de junio de 1998, grabado originalmente para el sello Verve, pero distribuido por Polygram Records. El sonido de Nicholas es potente y claro, con un fraseo muy a lo Woody Shaw, músico del estilo hard, sólido, una roca diría yo, en el tema de Rogers-Hart, "With a song with my heart", se puede escuchar a músicos invitados como Wynton Marsalis y Roy Hargrove otros dos jóvenes trompetistas que hacen del tema un verdadero duelo característico del estilo bop. Presentación de la línea melódica y solos a un tempo muy veloz, como diría Miles, tocando hasta perder el culo.

Nicholas Payton pertenece a la generación de músicos jóvenes, o jóvenes leones como se los han agrupado en este sello. Lo acompañan Tim Warfield (saxo tenor), Anthony Wonsey (piano), Reuben Rogers (bajo) y Adonis Rose (batería). Como invitados decía que aparecen Joshua Redman (saxo tenor) Roy Hargrove y Wynton Marsalis (trompeta) esencia de puro jazz, enérgico y dotados de virtuosismo impecable haciendo "The Three Trumpeters" un digno tema al estilo New Orleans. Payton toca en este disco desde el modo más tradicional hasta el más comtemporáneo. "A Touch of Silver", ofrecen un tributo al pianista Horace Silver con un swing bastante díficil que me recuerda al primer disco de un joven llamado Herbie Hancock, "Takin' Off" grabado allá por 1962. En Pharafernalia, un tema del saxofonista Wayne Shorter sacan al máximo el clima del disco. "Concentric Circles", vuelve a tener ese hard, tan característico de Woody Shaw y un saxo (Warfield) siguiendo la línea de los grandes tenores como John Coltrane, Michael Brecker y hasta diría un Johnny Griffin.

Lista de canciones.

01. Zigaboogaloo
02. The Three Trumpeteers
03. Back To The Source
04. A Touch Of Silver
05. Concentric Circles
06. Li'l Duke's Strut
07. Time Traveling
08. With A Song In My Heart (Hart/Rogers)
09. Paraphernalia (Shorter)
10. Brownie A La Mode
11. People Make The World Go Round (Bell/Creed)
12. The Last Goodbye (Bell/Creed)

Audio CD (June 9, 1998)
Original Release Date: June 9, 1998
Number of Discs: 1
Label: Polygram Records
ASIN: B000007OWR

Bullitt (1968) Steve McQueen

2008-11-09T16:44:00.002-02:00

Continuando con el cine de acción de fines de los 60´s, este film es un Thriller policial en tono realista, y se lo recuerda por la magnifica escena de persecución en un Ford Mustang que condujo el propio Steve McQueen. Obtuvo un merecido Oscar al mejor montaje y en el reparto de actores se encuentran Robert Vaughn, Jacqueline Bisset y a un joven Robert Duvall.

Como es sabido, no vamos a contar mucho sobre la trama, existen muchos films sobre testigos encubiertos o protegidos contra la mafia, y de eso va la historia. McQueen es Bullitt, un detective considerado el mejor para custodiar al testigo, pero una situación en el hotel donde está alojado hace que los custodios sean salvajemente acribillados.

Es interesante el film para tomar referencia y reflexionar sobre el grado de decadencia que ha sufrido el género policial en los últimos años. Se le han agregado exagerados tonos de comedia (Arma Mortal) y hasta en algunos el abandono de la fuente literaria. Tambien se adicionaron momentos de humor y escenas de romance.

El cine policial de los setenta creaba otra atmósfera, de suspenso, de personajes no tan carísmaticos (Bullitt, Harry el Sucio, Contacto en Francia)

Si bien las actuaciones son de muy buena a excelente, el guión tiene un par de agujeros. El clima del film es efectivo, potenciando las escenas ya que no hay muchos díalogos. A mi parecer el director se basa firmemente en la totalidad de gestos naturales y un par de frases que definen la personalidad de Bullitt; obviamente el film no sería lo mismo con otro actor.

Por supuesto está la larga y memorable persecución en San Francisco. Filmada en un modo muy moderno, con varios planos de los autos y a toda velocidad, ya que no se aceleró la película como se hacía en films anteriores. Impresiona la banda sonora, ya que no hay música ni díalogos: sólo el rugido de los motores del Ford Mustang y el Dodge Charger GT en una persecución actuada, sí, pero en el primer puesto en cuanto a secuencias de acción, por lejos.

Algunas consideraciones sobre el material en DVD del film que merecen destacarse, y que mantienen en vigencia la obra de Steve McQueen, quien por ser un apasionado de la velocidad, no tenía doble de riesgo.

La Imagen
La fotografía es de William Fraker (La Semilla del diablo, Juegos de Guerra), tiene exteriores diurnos bien luminosos mientras que los interiores o escena nocturnas son más bien oscuras para darle el toque realista y urbano de la época.

Sonido
La pista de audio está en Dolby Digital 2.0 Estéreo. La música de Lalo Schifrin y efectos sonoros o los rugidos de los motores está potenciado y se nota el buen uso de la direccionalidad.

Material Complementario
El disco 1 contiene comentarios del director Peter Yates, anécdotas de la película y su relación con McQueen. Como es habitual, no hay subtítulos.

El disco 2 contiene un documental sobre la vida de Steve McQueen, y un largo La magia del proceso de edición en el cine, interesante documental de la BBC del año 2004. No tiene que ver con Bullitt pero habla sobre las persecuciones automovilísticas. la evolución en la técnica del montaje alternando con los pioneros como D.W. Griffith, los montadores rusos, la transgresión de la nouvelle vague, cincuentas, sesentas y escenas de sexo. Intervienen el montador de Matrix, Jodie Foster, Sean Penn, Martin Scorsese, Ridley Scott, Quentin Tarantino, James Cameron entre otros.

Aqui la escena de la persecución

Ray (2004)

2008-10-17T02:42:00.005-03:00

Dirección: Taylor Hackford.

País: USA.

Año: 2004.

Duración: 152 min.

Género: Drama biográfico.

Intervenciones: Jamie Foxx (Ray Charles), Kerry Washington (Della Bea Charles), Clifton Powell (Jeff Brown), Harry Lennix (Joe Adams), Terrence Dashon Howard (Gossie McKee), Larenz Tate (Quincy Jones), Richard Schiff (Jerry Wexler), Aunjanue Ellis (Mary Ann Fisher), Regina King (Margie Hendricks), Bokeem Woodbine (David), Sharon Warren (Aretha Ertegun).

Guión: James L. White; basado en un argumento de Taylor Hackford y James L. White.

Producción: Taylor Hackford, Stuart Benjamin, Howard Baldwin y Karen Baldwin.

Música: Craig Armstrong.

Fotografía: Pawel Edelman.

Montaje: Paul Hirsch.

Diseño de producción: Stephen Altman.

Dirección artística: Scott Plauche.

Vestuario: Sharen Davis.

Estreno en USA: 29 Octubre 2004.

"Ray" es la biografía, nunca contada antes, de esa leyenda de la música americana que es Ray Charles. La historia de Ray –ese niño ciego y pobre criado en la segregación del Sur que fue capaz de romper barreras sociales y artísticas y cambiar el curso de la música americana– es la historia arquetípicamente americana del empeño de un hombre por controlar su destino.

Y así podemos ver en innumerables páginas de la web, el mismo comentario sobre la película. Muchos han sabido hacer uso del "copy & paste" o no se han jugado mucho en buscar información sobre la producción de este gran film que obtuvo el Oscar a la mejor película del año 2005 y al Oscar como Mejor Actuación en rol principal al actor Jamie Foxx, como asi tambien obtuvo premios por Mejor Trabajo de Mezcla Sonora, Edición y Dirección.

Quizás tuvieron que pasar 15 años para encontrar al actor que mejor encarne a este genio de la música negra, cosa que se ve en la película, para mí el que más corazón le puso a la historia. Sin embargo los premios hablan sobre la dirección y trabajo de mezcla sonora, donde se puede escuchar realmente el piano y la voz de Ray Charles.

La pelicula arranca, para que te des cuenta, con las manos del genio tocando ya de grande sentado al piano y luego la cámara refleja en sus oscuras gafas los acordes que Ray ejecuta al piano. Impresionante!!. De ahí a lo que luego serán una seria de flashbacks sonoros sobre los consejos de su madre y algún toque sobre el racismo en los años de postguerra en el sur de Georgia.

Para Ray, el hecho de quedarse ciego, no implica que se vuelva un tonto, y es asi que canta "Baby let hold your hand" del propio Charles; y es asi como aprende a conocer a las mujeres, tocándoles las manos para saber que tan guapa y sensual puede ser cada una de ellas, o quizás está cantando lo que su madre le enseño cuandos a los 7 se estaba quedando ciego a causa del glaucoma ("una primera para enseñar, la segunda por si sale mal, pero la tercera se acabó, porque este mundo es así".)

Harlem 1952.

Conoce a un representante de Atlantic Records. temas como Midnight Hour, no convence tener a otro Nat King Cole, o Charles Brown, su estilo es quizás todos los estilos, (otro de sus trucos para sobrevivir?). ja al cambiar a Mess Around).

Atlanta 1954

A got a woman, combina el gospel con el rhytm and blues. exitazo!!

Después de la escena del kit de pincharse, Ray sale de gira y se muestra una de las mejores escenas de la pelicula. Breve pero con todo el Ray Charles original sonando. La iluminación es perfecta y la cámara hace un pequeño travelling circular para cerrar en los dos y fundir el fuego y la pasión con la otra pasion de Charles, un fosforo se enciende para calentar el caballo...

Pero como decia, la vida de Charles está llena de dolor y éxito. Visitando a su reciente hijo, recuerda la primera vez que se percibe los sonidos de la natural. Cada flashback está puesto en el momento justo, dando el golpe exacto sobre el tormentos que sufre por la muerte temprano de su hermano menor. Esto quizás puede discutirse, lo mismo sucede con Charlie Parker con la muerte de su hija, "Bird" película dirigida por Clint Eastwood, quien fue objeto de duras críticas por parte del público negro y en especial por el director Spike Lee (será porque le ganó de mano un blanco en hacer una pelicula sobre un músico de jazz negro?) Sin embargo Eastwood pone en ese film todo con mucho respeto cinematográficamente hablando, pero será otro el comentario para éste, grandioso film.

O quizás lo que molestaba a Spike Lee era el hecho de poner en escena a los músicos negros, siempre drogándose para poder sobrevivir en un etapa donde éstos músicos revolucionaron la forma de tocar los standards y clásicos de la era swing y baladas de autores como Rogers y Hart, Cole Porter o el talentosísimo autodidacta George Gershwin.

Quienes puedan observar o hayan visto que la película gira entorno a la carrera profesional en la industria discográfica de Charles, en cada exito en los charts, el obteniendo mejores contratos con las compañias y por sobretodo poniendose al margen de la segregación, hecho ocurrido en 1961 en el Estado de Georgia; que le fue prohibido tocar, pero que el mismo Charles dice que no fue asi, si no que solo debió pagar por el contrato incumplido. La canción "Georgia On My Mind", es sobre una mujer no sobre el Estado. y es donde imprevistamente o quizás bien calculado el mismo trata de no confrontar con el público blanco, inclinándose en una series de discos de música Country. Y la gente pidiendo a gritos "Hi The Road, Jack", "Unchained my Heart". El 7 de marzo de 1979, se proclamó sobre ese Estado que "Georgia On My Mind" fuera el himno oficial y se le ofreció una disculpa pública a este genio, el señor Ray Charles Robinson.

Como siempre, les digo que visiten el sitio oficial de la película, muy bien logrado con preloaders de teclados y gafas oscuras, como asi la animación de los menús y para que puedan leer los testimonios de grandes músicos como Van Morrison, Willie Nelson, Phil Ramone, Frank Sinatra, Stevie Wonder, Keith Richards, James Brown, BB King, Norah Jones y Aretha Franklin entre otros.

Albino Red, 17-10-08

Killing Zoe (1994)

2008-09-29T04:34:00.019-03:00

Dirección: Roger Avary

Producción: Samuel Hadida (Productor)

Quentin Tarantino (Productor ejecutivo)

Lawrence Bender (Productor ejecutivo)

Rebecca Boss (Productor ejecutivo)

Guión: Roger Avary

Música: Tomandandy

Fotografía: Tom Richmond

Montaje: Kathryn Himoff

Reparto: Eric Stoltz, Julie Delpy, Jean-Hugues Anglade, Tai Thai, Bruce Ramsay

País(es): Estados Unidos

Año: 1994

Género: Acción

Duración: 96 minutos

La Perla que faltaba, "Entramos, agarramos lo que queremos y nos largamos".

La opera prima del escritor y director Roger Avary, Killing Zoe es a menudo erróneamente atribuida a Quentin Tarantino (donde si aparece como productor ejecutivo en los créditos) y junto al co-productor Lawrence Bender allá por fines de los 80 trabajaban juntos en lo que fue la opera prima (sin terminar) de QT, My Best Friend´s Birthday. Ahora que trabajan por separado, Avary se ha convertido en un gran cineasta con mucho talento. Su trabajo en el año 2002, Las Reglas del Juego es como una mini-obra maestra, mostrando un gran manejo de la narrativa.

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Aunque Killing Zoe no es tan impresionante tecnicamente, todavía es obligación ver este film. Cuenta la historia que, Lawrence Bender había descubierto un banco para el rodaje de Reservoir Dogs, pero no lo necesitan o queda descartado (recuerden que en el film nunca se vio el asalto real, ya que el golpe era una joyería. si no toda la secuencia de la huida) Después de una llamada telefónica a Avary, Bender lo había convencido para producir su propio film de robo, y en cuestión de semanas se había convertido en el guión de Killing Zoe.

Para ahorrar en el presupuesto ajustado (1,5 millones de dólares) se rodó en Los Angeles, y sólo viajar a Francia para las secuencias de las calles. Quien creería que el banco en cuestión era un BNP, pero cerrado el día de la Bastilla. Un profesional en abrir cajas-fuertes (Eric Stoltz) llega a Paris con el motivo de encontrarse con un viejo amigo (Jean-Hughes Anglade) el cual lo había llamado para dar el golpe. Antes de esto Zed tiene un encuentro de sexo con una estudiante de bellas artes, Zoe (Julie Delpy) quien se gana unos pesos con turistas en la ciudad más romántica del mundo.

La escena del encuentro es para mí de un sello de la época entre QT y Avary, donde el director se toma la licencia de poner la cámara en cierta posición digna de destacar. Esto hace que el guión tenga su ritmo, el encuentro se hace interesante dando así un nexo entre Zed y Zoe. Un televisor mostrando una vieja película de terror, El Gabinete del doctor Caligari - siendo un recurso bien logrado para mostrar con imágenes las emociones que siente Zed al entrar en un estado "hipnótico" al tener sexo con Zoe. Esta película alemana es considerada como el primer film expresionista de la historia.

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Es destacable también la belleza y simplicidad con que Julie Delpy actúa es esta escena. Si mal no recuerdo, Delpy filma en 1995 el exito que se llamaría Antes del Amanecer (Before Sunrise) que le valió el Oso de Plata de Berlín al director Richard Linklater, si el director de Scanner Darkly, y los mismos protagonistas ( Ethan Hawke - Julie Delpy) dieran una segunda oportunidad diez años después a ese romance-drama.

Pero estábamos en que Zed es invitado a Paris a participar del robo a un banco y que junto a su amigo Eric y junto a una banda que para ser profesionales son bastante extraños; Francois (Tai tailandés), Ricardo (Bruce Ramsay), Jean (Kario Salem), Claude (Salvator Xuereb), y por último Brit Oliver (Gary Kemp). El grupo participa de una "fiesta bienvenida" junto con Zed en una noche en lugares a los que llaman el "verdadero" Paris.

Habrá sido un "bolo" de nuestro amigo, Ron Jeremy ?

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Como siempre, no es mi estilo contar de que va la pelí, pero a partir de aquí, junto a la banda sonora de Tomandandy, el film se convierte en hiperactivo. Teniendo un ritmo acelerado para no caer en algo aburrido. El uso y abuso de drogas de parte de la banda te conduce hacia un desarrollo escalofriante. Una vez iniciado el robo la película no para. Nunca sabremos si van a salir vivos, y la situación se pone cada vez peor. Si bien el protagonista (Stoltz) está muy bien en su papel de personaje bueno, es Eric que se toma el protagonismo dentro del banco.

Esta película recuerdo haberla visto por televisión, creo que en los principios de America TV, no me olvido porque la tengo grabada en videocassette y jamás olvido lo inteligente que fue doblada al español neutro. Habría sido doblado por Solano Producciones o Ediciones Bartolomé? no recuerdo, pero si que viendo en estos días la versión en inglés los personajes o los acentos toman algo de calma, le quitan un poco de ese "empuje" en las expresiones. El doblaje es estupendo, los chistes, lo extraño de los personajes de la banda. En sintésis, una película que recomiendo y que a pesar de infravalorarse no se olvidará.

Albino Red. 21.09.08

Vice (2008) Corrupción

2008-09-11T03:54:00.015-03:00

TITULO ORIGINAL: Vice

AÑO: 2008

DURACIÓN: 98 min.

DIRECTOR: Raul Inglis

GUIÓN: Raul Inglis

MÚSICA: Cliff Martinez

FOTOGRAFÍA: Andrzej Sekula

REPARTO: Michael Madsen, Daryl Hannah, Mykelti Williamson, Mark Boone Junior

PRODUCTORA: Arcview Entertainment

ESTRENO: Mayo 2008

Una Perla no tan preciada

La otra noche alquilé unas películas en la que la tapa y los actores daban credibilidad a ser una buena peli, se trataba de un film sobre policías y narcos rusos, su nombre "Los Dueños de la noche" (Estados Unidos - 2007), dirigida y escrita por James Gray y protagonizada por el actor Joaquin Phoenix, Eva Mendes y Robert Duvall entre otros.

Para destacar, son dos las escenas bien logradas, una persecución de autos en medio de una lluvia, construida en base a confusión y poca información visual, y la otra escena es la del encendedor que lleva el protagonista, jugándose con un micrófono oculto en él, nos provoca esa tensión que nos hace continuar viéndola, pero...

En Vice (Corrupción, División ó Vicio) la temática de film de policías antivicio pinta mejor. Es interesante, y si el protagonista principal es Michael Madsen, entonces la película promete más. Pero lo cierto que me decepciona el trabajo del director y guionista mejicano Raúl Sanchez Inglis. La película le falta motivación y creo que también le faltan momentos cúlmines, un guión sin ritmo ni desarrollo. A pesar de su corta duración, se me hizo larga. Quizás porque me enfoqué en las buenas actuaciones de Daryl Hannah, diría yo otro de los actores "fetiche" de Quentin Tarantino y donde la similitud de puesta en escena, lugares pocos visibles, bares de policías y depósitos o aguantaderos al estilo de la memorable escena protagonizada por el señor Blanco (Harvey Keitel y el señor Rosa (Steve Buscemi) lo que fuera una fábrica de ataúdes hicieron que me vuelva a la mente a la que mi amigo G-fer llamó alguna vez la "obra maestra de la actuación" en Reservoir Dogs.

Justamente, las escenas nocturnas, la persecución en el estacionamiento del subsuelo y los interiores de moteles son también firma del director de fotografía Andrzej Sekula,

Repasando algunos datos sobre el director, Raúl Inglis tiene en su haber algunos films no conocidos en estas latitudes, entre el período 1995 y 1999 alternando como escritor The Final Cut, Crash, Malicious y Convergence, respectivamente. Films del género Thriller, misterio. Pero entre 1999 y 2001 dirigió algunos de los episodios de la serie Transformers Beast Machines, temporada 1 y 2 en el género de animación infantil y series de TV.

Por último el fin está dedicado a un actor que murió en enero del 2006. Su nombre Christopher Shannon Penn, conocido como Chris Penn, hermano de Sean y por ende ex cuñado de Madonna. Hijo de madre actriz y padre realizador de televisión. Realizó muchos papeles secundarios pero de gran destaque, como ser Reservoir Dogs (1992), True Romance (1993) Starsky y Hutch (2004) Pale Rider "El Jinete Pálido", (1985, un Western dirigido por Clint Eastwood, que recuerdo haber visto por tv) Footloose (1984) y Rumble Fish "La Ley de la Calle" (1983) de F. F. Coppola entre otros..

Comenzó a actuar desde los 11 años. tenía 40 cuando falleció víctima de una dilatación del corazón (cardiomiopatía) producto del abuso de medicamentos como la codeína. A pesar de tener un pasado de consumo de drogas, su hermano Sean declaró que la muerte fue producida principalmente por su elevado peso.

Aqui les dejo el link del diario español elmundo sobre la informe de su muerte, donde hay una foto de la familia Penn y se ve lo que mencionaba Sean sobre el sobrepeso de su hermano. Tambien les dejo un snapshot de "Nice Guy" Eddie Cabot, el hijo de un maestro en organizar robos a joyerías que reúne a varios ladrones para un gran asalto, sin duda un gran papel en Reservoir Dogs.

Chris Penn, Steve Buscemi y Michael Madsen. Reservoir Dogs (1992)

Descansa en Paz, Chris. 1965-2006

Albino Red. 11-09-08

Vier Minuten (2006). Cuatro Minutos

2008-09-05T03:37:00.011-03:00

Dirección y guión: Chris Kraus.

País: Alemania.

Año: 2006.

Duración: 113 min.

Género: Drama.

Interpretación: Monica Bleibtreu (Traude Krüger), Hannah Herzsprung (Jenny Von Loeben), Sven Pippig (Mütze), Richy Müller (Kowalski), Jasmin Tabatabai (Ayse), Stefan Kurt (Meyerbeer), Vadim Glowna (Gerhard Von Loeben), Nadja Uhl (Nadine Hoffmann), Peter Davor (Wahrig), Kathrin Kestler (Hannah).

Producción: Meike Kordes y Alexandra Kordes.

Música: Annette Focks.

Fotografía: Judith Kaufmann.

Montaje: Uta Schmidt.

Diseño de producción: Silke Buhr.

Vestuario: Gioia Raspé.

Estreno en Alemania: 1 Febrero 2007.

Estreno en Argentina: 28 de Agosto 2008.

Interesante film sobre la vida de dos mujeres, una profesora de música en una cárcel de reclusas interpretado por la actriz Monica Bleibtreu, y una joven reclusa, acusada de asesinato. Un gran piano de cola, en rumbo hacia el penitenciario nos lleva al desarrollo de la historia, cargada de un pasado con régimen nazi (a través de flashbacks, quizás si poco jugados, pero que sirven para adentrarnos en el pasado de esta anciana profesora. Sobre Jenny, su pasado se mantiene oculto, sólo sabemos que tiene un talento nato para la música y es tan agresiva y violenta, lo que la llevará a crear el conflicto tanto con sus compañeras reclusas como también con los que tienen el "supuesto" control de la cárcel.

Es así como se muestra a una parte de la sociedad alemana, pienso yo, el director pone en la señora Kruger esa perseverancia, disciplina y comportamiento de los que los alemanes son conocidos, pero tambien nos muestra la inocencia, el equívoco, y la condición de inferioridad en algunos personajes como el carcelero que participa en un concurso televisivo sobre música clásica y pierde, o los directores de la junta, el jefe de guardias y su amante la psicologa y un director de cárcel que cree que un concurso de piano va a revalorizar su carrera y mantenerlo en su puesto.

Es el debut cinematográfico de Hannah Herzsprung, un extraordinario trabajo actoral, que para ella no fue tomar una decisión sino que, quería conseguir el papel como fuera. Al papel de Jenny se habían presentado 1200 chicas de toda Alemania. y por cuyo debut obtuvo el Premio del Cine Bávaro a la mejor actriz joven.

Se preparó y tomó clases de piano durante medio año, junto a tres meses de boxeo y también visitó la cárcel y algún tiempo en una con reclusas. En el año 2002 comienzó una carrera de licenciatura en Ciencias de la Comunicación en Viena, la cual interrumpe por trabajo y debut en cine con la película Solo y otros trabajos para televisión.

Albino Red 09-08

Altered States (Estados Alterados) 1980

2008-08-31T01:53:00.002-03:00

Título original: ALTERED STATES

Dirección: Ken Russell

Intérpretes: Charles Haid, Bob Balaban, Blair Brown, Drew Barrymore, B. McKay, George Gaynes, William Hurt

Género: Ciencia Ficción

Duración:102

Calificación: Mayores de 18

Idioma original: INGLES

País de origen: EEUU

Año de realización: 1980

Plantas... Peyote, Mescal...

Una de las mejores películas sobre la influencia real de las drogas en el cuerpo humano (a pesar de su profundo y desesperanzado ateísmo de fondo) se titula Altered States y la filmó Ken Russell en 1980, aunque se estrenó en español con el interminable y pretencioso nombre de Un viaje alucinante al fondo de la mente. Protagonizada por William Hurt y Drew Barrymore y basada en ciertos hechos reales, relata las peripecias de un médico obsesionado con la experimentación con sustancias extrañas en busca de una especie de panacea para la salud, pero lo que encuentra al probar sucesivas plantas alucinógenas empleadas por chamanes indígenas es algo muy diferente.

El científico investigador Eddie Jessup (William Hurt) cree que todos los estados de consciencia son tan reales como la realidad cotidiana. Utilizando equipo de privación sensorial, luego añadiendo poderosas drogas alucinógenas, procede a explorar esos estados alterados y se somete a experiencias que hacen que la locura parezca una bendición. A partir de la novela de Paddy Chayefsky, el director Ken Russell nos guía con el talento de un hechicero por el terrible viaje mágico de Eddie, en el que Estados Alterados gira con asombroso alarde visual y vigoroso impacto emocional.

Acerca del director Ken Russell

En una entrevista al director inglés, cuenta que la película fue una experiencia extraña. Lo habían llamado el guionista y el productor de Estados Alterados, comentándole que el director Arthur Penn no seguiría con el proyecto porque no podía encontrar la manera de filmar las alucinaciones. Se había consultado ya a otros 26 directores que se habían negado. Russell al descubrir que el héroe de la película era un fanático religioso, pensó que las alucinaciones podrían tener una relación con el Antiguo Testamento. Y aunque el productor y guionista Paddy Chayefsky, premiado por la Academia, no estaba nada feliz con su propuesta, no tenía otra alternativa, ya que Russell era la única persona que podía ayudarlos. Al trabajar en los estudios de Hollywood fue para Russell la única vez en su vida que no tuvo ningún tipo de limitación con el presupuesto, todo lo que se le pasaba por su imaginación se podía filmar.

También comenta que los americanos hacen películas para un público mundial. Aprendieron como hacerlo y hacen dinero con eso. Con respecto a los efectos especiales, se suele hablar despectivamente de una película que "está llena de efectos especiales", pero destaca que los efectos, por ejemplo de una tormenta de mar en "Capitan de mar y guerra" son fantásticas y excitantes, cosa que cuando uno puede ver eso en su dvd-home o pantalla chica pierde su efecto.

Ken Russell tiene en su haber una de las filmografías vastas y heterogéneas, pasando por gran cantidad de films sobre vida y obra de compositores como Mahler, Bartok, Debussy,Tchaikovsky, Películas conocidas por el público como Tommy (1975) Los Demonios (1971) y Crímenes de Pasión (1984). Con excepción de Tommy, su exito estaba garantizado en base a la popularidad del grupo The Who y su elenco de estrellas. Ninguna de las otras películas tuvo exito comparable a Mujeres Apasionadas (1969).

El Cine Psicodélico - Subgénero Lisérgico

Volviendo al tema del uso de las drogas alucinógenas, el LSD, también conocido como LSD 25 o ácido lisérgico, es una sustancia fuertemente alucinógena descubierta en 1943 por un químico suizo de forma accidental. El LSD ya era consumido por experimentadores como Timothy Leary a fines de los años ´50, pero fue a mediados de los 60 cuando se convirtió en una de las drogas más comunes del Flower Power. Desde entonces el LSD fue un ingrediente fundamental del cine psicodélico. La primera aparición en la pantalla se la atribuye al vanguardista William Castle que la introdujo en su film de horror The Tingler (1959), siendo Vincent Price el primer intérprete cinematográfico que tuvo el privilegios de inyectarse LSD, luego de picarse, el pobre Vincent sentía un calor anormal y actuaba de manera bastante curiosa.

Para que aparezca el subgénero de películas lisérgicas o sobre drogas psicodélicas hay que esperar hasta después de 1966, con títulos de producción más bien marginal como Acid Eaters, Acid Mantra o Rebirth of a nation, Acid Dreams, Hallucination Generation, The Weird World of LSD y Alice in Acidland.

El momento culminante de estas películas, que a veces contenían elementos marcadamente eróticos, era siempre el viaje psicódelico en sí mismo y sus ignotos directores trataban de representarlo utilizando algún tipo de recurso cinematográfico como ser los distintos planos fuera de foco, el uso y abuso del gran angular, la vieja vaselina en el lente (o algún truco optico similar) y muy especialmente la imagen negativa (ya usado en el cine mudo de Nosferatu de F.W. Murnau) y el solarizado. Este último recurso estético quizás sea el más efectivo del cine psicodélico y en plena època del ´90 sigue apareciendo en cualquier video clip.

Como había mencionado anteriormente en el comentario de Easy Rider (Busco mi destino) el superclásico del subgénero LSD era indudablemente The Trip (El Viaje) filmada por Roger Corman en 1967. En The Trip, Peter Fonda es un cineasta publicitario que decide probar el ácido, y al alucinar tiene visiones confusas en las que a veces irrumpen personajes y situaciones que parecen salidos de filmes de la serie de Poe realizadas por Corman años antes.

La música en estos films estaba a cargo de bandas como Electric Flag, Grateful Dead, Monkees. The Strawberry Alam Clock y The Seed. La frase publicitaria era muy sugerente: "Pruebe un momento de locura.. Escuche el sonido púrpura".

Albino Red - 08-08

Fear and Loathing in Las Vegas (1998). (Pánico y locura en Las Vegas)

2008-08-04T05:23:00.000-03:00

Dirección: Terry Gilliam.

País: USA.

Año: 1998.

Duración: 118 min.

Intérpretes: Johnny Depp (Raoul Duke), Benicio Del Toro (Dr. Gonzo), Ellen Barkin (Camarera), Gary Busey (Policía), Cameron Díaz (Periodista), Tobey Maguire (Autoestopista), Christina Ricci (Lucy).

Producción: Laila Nabuisi, Patrick Cassavetti y Stephen Nemeth.

Guión: Tod Davies, Tony Grisoni, Alex Cox y Terry Gilliam, sobre una novela de Hunter S. Thompson.

Fotografía: Nicola Pecorini.

Montaje: Lesley Walker.

Música: Ray Cooper y Michael Kamen.

Diseño de producción: Alex McDowell.

PELICULA CONSIDERADA X POR GLORIFICAR EL CONSUMO DE DROGAS, asi estuvo a punto de ser clasificada en los Estados Unidos. Finalmente se tomó la decisión correcta, pues si alguien ve en este filme una apología de la drogadicción, poco daño más podría causar en su cerebro ninguna sustancia tóxica.

Es una adaptación cinematográfica del libro "Fear and Loathing in Las Vegas: A Savage Journey to the Heart of the American Dream" , de Hunter S. Thompson, una obra de culto que el autor creó y bautizó Periodismo Gonzo, la novela apareció publicada por primera vez en dos volúmenes de la revista Rolling Stone, en 1971.

Un auto descapotable rojo atraviesa el desierto, en algun lugar cerca de Las Vegas. Los ocupantes son el periodista Raoul Duke (alter ego de Thompson) interpretado por un desatado e histriónico Johnny Depp, difícil pasar por alto el extraño aspecto que aparece en la película, con una brillante calva, uno o varios gorritos al mejor estilo bucket beer (bebedor de cerveza) y su abogado, el inestable y misterioso Dr. Gonzo, interpretado por Benicio Del Toro.

A bordo llevan en una maleta una auténtica farmacia: dos bolsas de marihuana, 75 pastillas de mescalina, 5 hojas de ácido lisérgico y multitud de otras drogas incluyendo una botella de éter. Enviados por un editor a cubrir una carrera de motos en el desierto, los tipos se refuerzan con tantas sustancias hacia la ciudad del sueño americano, símbolo del consumismo y el turismo, tratando de evitar las noticias de la guerra de Vietnam.

En la historia no existe una trama definida, ni tampoco evoluciona ni se desarrollan los personajes. Simplemente un trip lisérgico y la ominipresente voz en off del narrador en primera persona, un recurso inútil para un director como Terry Gilliam que sabe perfectamente cómo narrar con imágenes.

Una película poco apta para el gran público, ni para verla con los suegros. La vi un par de veces, una doblada al español y otra en inglés, subtitulada español, lo que más me gustó es doblada por especialistas o tipos puntillosos sin desmejorar la jerga, que seguro inclusive se tomaron el tiempo de traducir las letras de las canciones al español en la versión subtitulada, ésta no me gustó ni el inglés de Benicio Del Toro ni la rápidez de J. Depp en deponer algunos parlamentos que se confunden con la voz que a su vez va subtitulada.

El monólogo de "la ola" es un importante pasaje que aparece en la novela y describe en retrospectiva el verano del amor y muestra a 1971 como un eje importante en la subcultura hippie. Thompson la considera como probablemente lo mejor que ha escrito, "no tiene sentido pelear ni de nuestro lado ni del lado de ellos". y sobre el final es mencionado el principal gurú del LSD y la revolución psicodélica de los sesenta. Su aparición en Hollywood es através de la película de Cheech & Chong "Nice Dreams" de 1981, interpretando a un doctor que le da la "llave" a cheech (Richard Marín) Una gota de LSD puro!. Tambien aparece en el disco "Give Peace a Chance" en 1969, donde se puede ver al fondo a John Lennon y Yoko Ono. Recomiendo de suma importancia e interés, darse una pasada por el wiki para saber sobre Timothy Leary.

Albino Red, Julio 2008

Cidade de Deus (2002) - Ciudad de Dios

2008-08-04T04:56:00.000-03:00

Dirección: Fernando Meirelles.

Codirección: Katia Lund.

País: Brasil.

Año: 2002.

Duración: 135 min.

Interpretación: Matheus Nachtergaele (Sandro Cenoura), Seu Jorge (Mané Galinha), Alexandre Rodríguez (Buscapé), Leandro Firmino da Hora (Zé pequeno), Phellipe Haagensen (Bené), Jonathan Haagensen (Cabeleira), Douglas Silva (Dadinho), Roberta Rodríguez Silvia (Berenice), Gero Camilo (Paraíba), Graziela Moretto (Marina), Renato de Souza (Marreco).

Guión: Bráulio Mantovani; basado en la novela de Paolo Lins.

Producción: Andrea Barata Ribeiro y Maurício Andrade Ramos.

Música: Antonio Pinto y Ed Côrtes.

Fotografía: César Charlone.

Montaje: Daniel Rezende.

Dirección artística: Tulé Peake.

Vestuario: Bia Salgado e Inés Salgado.

Zé Pequeno deja que Buscapé se vaya y le dice:

Zé Pequeno: "Dile a todo el mundo que este negocio..ahora le pertenece a Zé Pequeno y venderemos coca."

Bené: (con la boca llena de humo) "Cocaína."

Creo haber pasado el invierno del 2002, trabajando en las madrugadas, elaborando un guión y a la vez junto a un amigo músico, una serie de temas musicales para el mismo corto. Eramos un equipo que contaba con una cámara digital, una porta estudio y una isla de edición funcionando a la maravilla. Mas tarde, por razones que no vienen al caso, o quizás gestando lo que sería un mediometraje, nuestro objetivo se volvió díficil de realizar, o nos llevaría muchísimo tiempo ya que en ese momento tomé conciencia de la magnitud de lo que sería una muy buena pre-producción y un trabajo actoral que dejaría fuera al grupo de voluntarios y amigos que se nos había unido para nuestro proyecto. Esta película me hizo comprender que importancia existe en la realización ya sea de un corto o largometraje la tarea de pre-producción, investigación y por consiguiente financiamiento...

...Por allí quedaban grabados restos de videos filmados, tomas de prueba, películas, miniseries nacionales (Tumberos) y alguna otra cinta de Pulp Fiction o Perros de la Calle.

Este film dirigido por el brasileño Fernando Meirelles con la ayuda de la directora Katia Lund y con la producción de uno de los grandes y tan activo en los ultimos años, Walter Salles (director de Diarios de Motociclista (2004) sobre los viajes del Che Guevara, On The Road, (en el camino, sobre la novela de Jack Kerouac) en producción para el 2009.

Ciudad de Dios, nos cuenta una historia de pandillas, de traficantes de una de las favelas más violenta de Rio de Janeiro, donde el protagonista no es una persona sino es el barrio mismo. El que narra la historia es uno de los tantos chicos que tratan de salir de ese barrio, por que se da cuenta que no tiene pasta para ser delincuente, alguien frágil y tímido a la vez.

Narrativa y estéticamente el film se divide en tres episodios, cada uno de los cuales comprende diez años, que van de los 60s a los 80s.

La primera década está filmada con un tinte de nostalgia, donde se ve acentuada la pobreza y se presenta a los personajes, cada uno con su protagonismo, en un relato en primera persona siendo de nexo esa toma de la cámara girando alrededor de Buscapé como si fuesen las agujas del tiempo y regresando a un chico agazapado y con miedo bajo un arco de fútbol esperando el puntapié de un penal que lo indentificará como un perdedor. (un muy buen recurso, al mejor estilo matrix pero más de acá).

El tono amarillento de la película y las calles polvorientas sin pavimentar tiene mucho romántico, se puede ver en los primeros díalogos cuando Cabeleira le dice que ama a Benerice, con música de cavaquinho me recuerda mucho a las novelas brasileñas. Lo liberal en el sexo de la cultura brasileña llega a través del dialogo entre mujeres y sus placeres ocultos hasta pasar por una inexplicable posición amatoria de sexo grupal en un hotel alojamiento. Pronto llegará el alumbrado pero el gas sigue siendo a garrafa y este es uno de los tantos atracos que el "Trio Ternura" realiza al estilo Robin Hood de las favelas. La toma del trío en acción asaltando el camión de garrafas, es una alegoría a la serie de televisión de los setenta, "Los Angeles de Charlie". Luego llegará el momento de presentar al siguiente nexo con los setentas, alguien con sed de violencia y con una mentalidad preparada para los peores atracos.

Dadinho se convierte Zé Pequeno

El director de fotografía César Charlone comenta que Fernando, el director quería separar el film en tres etapas. La primera de los años sesenta tiene eso de los films "Western", mas acádemico, con tripode, con uso de travelling, bien encuadrado. En la segunda fase eran los años 70: hippie, lisérgica, cromada, artificial, suelta..fiesta loca.. (se usó ecktachrome). Despues de las fotos pasaron a pruebas filmadas, corrigiendo el color en el telecine y pasandolo de nuevo a film. Esta etapa está bien marcada por otro elemento fundamental que pone dinámica a la película. Antonio Pinto y Ed Cortes son los responsables de la música original y comentan que cuando reciben los 7 rollos de material despues de haber hablado hacía cuatro años con el director, se encontraron con un gran desafío: hace una música que no interfiera el film, cómo adaptar sin arruinar esa "magía" que ya estaba hecha?

La banda sonora está muy bien lograda, como así tambien los temas de la segunda y tercera etapa, temas bien 70´s bien funk, podemos escuchar a James Brown con su sex machine, pasando por el éxito de Carl Douglas "Kunfu fighting", "So Very Hard To Go" de los Tower of Power (hay muchos clips en YouTube de esta banda funk) como tambien los nacionales "Magrelinha" de Luiz Melodia, "Metamorfose ambulante" por Raul Seixas, "Nem vem que nao tem", y el "Preciso me encontrar" de Candeia, interpretado por Cartola. Muchos directores o quizas donde nace la idea, con un pequeño intro del tema o en complicidad con el espectador sabiendo el nombre de la canción acentúan o ponen ese broche final a cada escena, como ser la pista de baile, el cumpleaños de Bené y el disparo confuso con ese flash hipnóptico donde no sabremos el desenlace hasta quedar Zé Pequeno de rodillas con una iluminación cenital cierrando la escena. Excelente!

Do Romance de Paulo Lins

Se trata de una historia real, adaptación de una complicadísima novela de 600 páginas de Paulo Lins. Este autor pasó ocho años entrevistando personas y recojiendo datos sobre la organización del narcotráfico que desencadenó una guerra que marcó una historia del barrio durante los años 70 y 80. En 1982, Lins grababa entrevistas con personas ligadas indirectamente al crimen en la Ciudad de Dios para un proyecto de la antropóloga Alba Zaluar, "Crimen y Criminalidades en las Clases Populares".(Al comenzar los créditos en la película, se pueden ver algunas de las entrevistas reales de Lins con alguno de los verdederos habitantes de la Ciudad de Dios).

Comenzó escribiendo un artículo de antropología, pero Lins tenía ganas de escribir literatura. Escribió un poema y luego comenzó escribiendo el libro Ciudad de Dios en 1986. Lo terminó diez años mas tarde. En 1997 pensó que algún dia podía ser transformada su obra en un film. Para ese año, Fermando Meirelles le compró los derechos y así junto a un guionista llamado Braulio Mantovani comenzaron a trabajar en el guión. Pasado dos años más de asesoramiento ahora junto a la director Katia Lund se habia profundizado en la búsqueda de los perfiles de los personajes y se montó una oficina de actores.

El director y actores

La producción comenzó en Junio del 2001, pero el elenco fue seleccionado en el año 2000 a partir de entrevistas en varias comunidades de Rio de janeiro. Dentro del elenco principal, Leandro Firmino (Zé Pequeno) cuenta que estaba terminando el segundo grado y trabajaba mucho tiempo lo que llegó a perjudicar la frecuencia de algunas personas en el colegio, en compensación la producción los cuidó muy bien y hasta les dieron un programa de refuerzo escolar. Les brindaron todo tipo de atención, víaticos de transporte, información, alimentos y tambien cuidados materiales y espirituales. Para él fue una experiencia maravillosa, que nunca va olvidar y no por el solo hecho de hacer el film, si no por las amistades que estan despues de terminar la película.

Phelipe Haagensen es otro chico que vive en la favela y que se identificó de inmediato con el papel de Bené. El hace teatro junto a un grupo llamado Nós do Morro. fue su primer trabajo como actor y agradece muito los consejos y ejercicios realizados con Fátima Toledo. Para Alexandre Rodrigues (Buscapé) el encuentro cno el grupo Nós do Cinema fue a través de su profesor de teatro. Comenta que los dividían en tres grupos: los de policías, bandidos y las víctimas.

El papel de Cenoura (zanahoria) fue interpretado por el actor Matheus Nachtergaele, quien dos años despues del primer encuentro con el director Meirelles hizo otros filmes y se volvió conocido en el país entero. Esto no perjudicó la idea principal del film, que estaría realizada con actores desconocidos, aún más ninguno de ellos había leído el guión todavía. En el caso de Matheus optó por lo mismo. decidió participar del film pero iría a desaparecer dentro de la película, devolvió el guión y comenzó a pasar horas en las locaciones, hablando con la gente, con el elenco, hasta que su personaje comenzo a salir. Fue asi como consiguió el papel de Cenoura tan real.

Alice Braga ha aparecido en varias películas, hizo su debut en 1998 y desde temprana edad estuvo expuesta al mundo del cine, debido que su madre (Ana María Braga) y su tía (Sonia Braga) son actrices. En el 2007, Braga fue seleccionada para ser parte del elenco de la exitosa película de Will Smith, I Am Legend (soy Leyenda) y en un drama protagonizada por Harrison Ford, Sean Penn y Ashley Judd, Crossing Over.

Albino Red, 07-2008

American Gangster (2008)

2008-07-28T04:12:00.000-03:00

Dirección: Ridley Scott.

País: USA.

Año: 2007.

Duración: 157 min.

Género: Drama.

Interpretación: Russell Crowe (Richie Roberts), Denzel Washington (Frank Lucas), Chiwetel Ejiofor (Huey Lucas), Cuba Gooding Jr. (Nicky Barnes), Josh Brolin (detective Trupo), Carla Gugino Laurie Roberts), John Hawkes (Freddie Spearman), Ted Levine (Lou Toback), Armand Assante (Dominic Cattano), Common (Turner Lucas), John Ortiz (Javier Rivera).

Guión: Steven Zaillian.

Producción: Brian Grazer y Ridley Scott.

Música: Marc Streitenfeld.

Fotografía: Harris Savides.

Montaje: Pietro Scalia.

Diseño de producción: Arthur Max.

Vestuario: Janty Yates.

Estreno en USA: 2 Noviembre 2007.

Y ahora... Heroína...(*)

La leyenda del traficante de heroína, hombre de familia, verdugo y líder ciudadano Frank Lucas se contó por primera vez hace siete años en el New York Magazine en un artículo firmado por el periodista Mark Jacobson.

Basada en una historia real, de un jornalero muy pobre que se mudó a Harlem y consiguió meterse en el tráfico de heroína a gran escala y llegar a gobernar el imperio neoyorquino de la droga. Ocurrida entre los años sesenta y setenta, llegó a amasar una fortuna que se calculó en decenas de millones de dólares. Fue mano derecha de un padrino negro llamado Bumpy Johnson, hasta su muerte en 1968. Lucas se hizo cargo del negocio, cambiando el rumbo a la importación de heroína, la llamada "Country Boys´ Blue Magic" (La magia azul de los pueblerinos). Se comenta que el kilo de heroína al 50 ó 60 % valía entre 50.000 y 60.000 dólares en esos años. Frank Lucas consiguió meter en las calles heroína pura al cien por cien a 4.200 dólares el kilo. Y todavía se dice que debió haber ganado un millón de dólares diarios en algunos momentos. Esto testimonios se desprenden del relato que el traficante cuenta desde la cárcel (fue condenado a cadena perpetua, pero visitó algunos dias los sets de rodaje en el barrio Harlem.

Durante la preparación, el actor neoyorquino aprendió más de lo que esperaba del mundo del tráfico de drogas, Denzel Washington añade: “No me interesaba glorificar a un traficante, se lo dije a Frank nada más conocerle”. Es interesante saber que el actor escribió “No hay paz, dice el Señor, para los malvados” (Isaías 48:22) en su guión de rodaje para acordarse del rumbo escogido por Frank Lucas y su búsqueda de la redención.

Por otra lado, el productor Braian Grazer había hablado con un veterano guionista Steven Zaillian para que escribiera un guión basado en la vida de Frank Lucas.

Steve Zaillian, ganador de un Oscar y autor de obras maestras como La Lista de Schindler, de Steven Spielberg, y la aclamada Gangs of New York, de Martin Scorsese, habló durante meses con Frank Lucas y tambien que fuese su perseguidor el policía Richie Roberts.

En principio se había hablado con Antoine Fuqua, que había dirigido a Denzel Washington en el papel de un policía corrupto de narcóticos de Los Angeles Training Day (Día de entrenamiento). Mientras corría el 2004, la Universal Pictures detuvo el desarrollo del proyecto. Otros guionistas trabajaban el guión y se hablaba de colocar otros actores y directores, el productor insistía en que Ridley Scott aceptara realizar el proyecto. El productor Brian Grazer había llevado el guión a Scott como siete u ocho veces, hasta que en la novena o décima dijo que sí. Sabemos que el realizador británico es conocido por creaciones que abarcan película de ciencia ficción , Blade Runner (mi favorita) y Alien a dramas como Gladiador , Thelma & Louise y Hannibal.

Ridley Scott cuenta con uno de sus actores fetiche, Russell Crowe, como tambien por quinta vez, con su diseñador de producción Arthur Max. Desde Los Angeles en 2019 para Blade Runner hasta la Roma Antigua de Máximo para Gladiador, para este estudiante de Bellas Artes reconvertido a realizador no hay nada imposible. 152 decorados diferentes con casi cien actores con papeles hablados. American Gangster es una de las películas con más localizaciones en Nueva York. La recreación de la ciudad de hace tres décadas planteaba dificultades, para conseguir la ambientación idónea, se rodó a veinte manzanas más al norte de la mal afamada Calle 16. El rodaje en Tailandia fue algo más complicado de lo previsto debido al reciente golpe de estado. Se escogió una zona a unas dos horas al norte de la ciudad de Chiang Mai para reconstruir el viaje de Frank Lucas a los campos de opio del Tríangulo de Oro, formado por Birmania, Tailandia y Laos, donde crecía la mayoría del opio mundial hace 30 años.

La Música

Ridley Scott estaba totalmente de acuerdo en que era vital tener el tipo de música que se oía en Harlem en la época. Se escucharan las caras B de los singles, probablemente una de las más ricas musicalmente, el principio del funk. La escena musical estaba en pleno auge, tanto para el R&B y al funk. Pero la banda de sonido* no contiene solo funk y Rhythm and Blues, sino blues clásicos, soul y hip-hop. Temas del gran bluesman John Lee Hooker, del guitarrista Bobby Womack (suena tambien en Jackie Brown) y de otro bluesman, Lowell Fulson. (este canta un tema compuesto por Lennon y McCartney). Despues de asistir a unos avances, Jay-Z, superestrella del rap y presidente de Def Jam Records, se sintió inspirado y compuso temas originales basados en su propia experiencia como delincuente y traficante, que tiene ciertos paralelismos con la vida del gángster de los años sesenta. Se había incorporado "Hear of the City", al trailer de la película. Reconoce que su repentina creatividad surgió al sentir que "este hombre miraba en mi interior". Y añade: "Nunca habíamos visto a nadie llegar tan alto. No se concebía estar por encima de la mafia italiana si salías de esos barrios.

* Film Score ( banda de sonido) es un término amplio que hace referencia a la música en una película que, generalmente, es categoricamente separada de las canciones utilizadas dentro de una película. El término Score es con frecuencia sinónimo de Film Soundtrack, banda sonora de la película, aunque también puede incluir las canciones utilizadas en la película, mientras que la banda de sonido no. Una banda de sonido es a veces escrita específicamente para acompañar una película. Cada pieza individual de la música de una película dentro de la banda de sonido se llama Cue (marca o señal), y suele ser una composición para instrumentos (por ejemplo, orquesta) y / o no individualmente figuran voces. Desde 1950, un número cada vez mayor de banda de sonido son electrónicas. o un híbrido de orquesta y los instrumentos electrónicos. Muchas películas de bajo presupuesto tiene que basarse en muestras digitales para imitar el sonido real de instrumentos en vivo.

Unos de los últimos ganadores de la Academia de Premios por Banda de sonido original fue el conocido compositor Gustavo Santaolalla por Brokeback Mountain (2005) y Babel en el 2006.

Albino "clean" Red - 07-2008

No Country for Old Men (2008) No es País para los Viejos

2008-07-23T04:15:00.000-03:00

Dirección: Ethan Coen y Joel Coen.

País: USA.

Año: 2007.

Duración: 122 min.

Género: Drama, thriller.

Interpretación: Tommy Lee Jones (sheriff Bell), Javier Bardem (Anton Chigurh), Josh Brolin (Llewelyn Moss), Woody Harrelson (Carson Wells), Garrett Dillahunt (agente Wendell), Kelly Macdonald (Carla Jean Moss), Tess Harper (Loretta Bell).

Guión: Joel Coen y Ethan Coen; basado en la novela homónima de Cormac McCarthy.

Producción: Joel Coen, Ethan Coen y Scott Rudin.

Música: Carter Burwell.

Fotografía: Roger Deakins.

Montaje: Roderick Jaynes.

Diseño de producción: Jess Gonchor.

Vestuario: Mary Zophres.

Estreno en USA: 21 Noviembre 2007.

Cuando le doy vueltas y vueltas a que escribir sobre este film y sus autores; los hermanos Coen, más me pongo a pensar o quizás a razonar, son estos tipos unos genios por llevar tan bien una novela de un escritor que se lo apoda el "Shakespeare del Oeste"? Cormac McCarthy. Una voz poderosa de una zona en pleno cambio. Ganador de premios Pulitzer y considerado uno de los novelistas mas importantes del momento.

Mirando una nota de marzo de este año en el sitio de Rollingstone de Argentina, me entero de que se ha editado la novela en el país y propone poder bajar un capítulo en formato pdf. No me negué a tal tentación, asi que la bajé y le dí un vistazo al que sería parte del primer capítulo, supongo. Al leerlo veo que el autor es lo que yo diría "fílmico" o sea, tanto los díalogos como la descripción de las acciones y lugares, te das cuenta que te lleva a un guión técnico, no se para mí no es muy narrativo que digamos sino muy descriptivo.

Por otro lado, los hermanos Coen más que genios, podrían ser los tipos con la mejor agencia de casting de Estados Unidos, por que el film se sostiene y muy bien a partir de los personajes que están interpretados por los actores aquí reunidos. De los cuales, dos se proclaman conocedores de la obra de McCarthy y además porque son oriundos de la zona ( estado de Texas). Estoy hablando del que sería el Sheriff Bell ( Tommy Lee Jones) que ha interpretado en algunos films a personajes texanos y tambien de sheriff. El sería lo que es estas novelas conocemos por el "bueno" .Y el malo, extraño, caído de quien sabe donde, es el actor español, ganador de un Oscar al Mejor Actor, Javier Bardem, sería nuestro muchacho "malo". Pero la novela nos presenta a un tercero, que junto con estos dos sería el que estará "tentado" entre el bien y el mal, un texano ex combatiente de Vietnam, honrado, que jamás habría ido contra la ley si dos millones de dólares no se hubieran cruzado en su camino.

No estoy tan equivado al ver que la historia se sostiene gracias a sus personajes , como les decía, un golpe clave en la elección de actores, bastante definidos y a la vez con un toque de humor negro, que si no me equivoco McCarthy dota en sus novelas y que los Coen saben como manejar en la puesta de escena.

El director de fotografía se llama Roger Deakins y es nominado a cinco Oscar. Trabajó siempre en los filmes de los Coen, y él mismo comenta que No Es País para Los Viejos (el título en español, va mejor que el argentino, Sin lugar para los débiles) por que acá la que aparece vieja y debilitada y cansada es la Ley que interpreta Tommy Lee Jones. dice el director de fotografía: "Veía el film como uno de Sam Peckinpah, podría ser "Quiero la cabeza de Alfredo García", donde los personajes viven acorde a un tiempo pasado sin tener contacto con el mundo moderno". Si es muy bueno su trabajo, la historia para crear tensión se sirvió mucho de la luz ambiente, el paisaje, los claro-oscuros , el contraste entre la noche y el día, (incluso se puede ver la escena de la persecución que está filmada al amanecer y atardecer para recrear un "amanecer falso".)

Otro que trabajó siempre con los Coen, es el montajista británico Roderick Jaynes, que ha montado todas las películas de los hermanos desde "Sangre fácil" y también de ésta. Y tambien se encuentra en la lista de colaboradores el estilista oscarizado Paul Leblanc (Amadeus). tambien comenta que trabajó con una diseñadora de vestuario (Mary Zophres) para dar con el personaje enígmatico y que transmite la sensación de miedo. Tiene ese corte de pelo "bihistórico" porque podría funcionar en el siglo XVII y en los años setenta del siglo XX.

En definitiva, trabajar con un equipo de gente conocida, y que además es ganadora de premios, sumado a una perfecta selección de casting, más una novela de un texano, considerado uno de los mas importantes novelistas de estos tiempos, dará por resultado eso que dije de los Coen que son genios por tener esta fórmula. Si no porqué creen que recibieron 4 Oscars, 86 premios y 36 nomitaciones...? Igual veanla y disfrutenla. Cine para pocos.

Albino Red, 07-2008

The Getaway (1972) La Huída

2008-07-21T03:53:00.000-03:00

Título original: The Getaway

Año: 1972

País:Estados Unidos

Duración: 122 min

Estreno en USA: 1972

Director: Sam Peckinpah

Reparto: Steve McQueen, Ali MacGraw, Ben Johnson, Bo Hopkins, Slim Pickens, Sally Struthers, Al Lettieri, Richard Bright, Jack Dodson

Guión: Walter Hill (Novela: Jim Thompson)

Música: Quincy Jones

Productora: First Artists

Género: Thriller

Continuando con films de la década del 70, escuche por ahí que alguien habia soñado con ovejas dentro de un corral. Entonces me acordé de este film dirigido por Samuel, Sam para los amigos, Peckinpah. Un cineasta estadounidense fundamental, resurgido entre las décadas 60 y 70. Simbolismo, metáforas en imagen, sonido de anticipación. Si quizás asi yo hubiese querido que mi primer trabajo práctico de la escuela de cine hubiera quedado de esa manera. La gente que viaja en tren en los medianos de los 80´s en Argentina, y las tomas de un frigorífico más algunas pocas vacas en los corrales de Liniers. Toda esa metáfora bajo el compasivo y pendulante ritmo de El Bolero de Ravel. Sin comparación siquiera, pero me vino a la mente.

De alguna manera muchos directores crean homenajes a sus directores favoritos o continúan con un código o mejor dicho con alegorías, tal es el caso de Quentin Tarantino aunque con sus propias patentes de ciertas tomas, como la toma desde dentro de un bául de un automovil (Reservoir Dogs, Kill Bill Vol 1).

Las imágenes creadas por Peckinpah, estan llenas de violencia, lirismo y sus personajes son rebeldes, "antihéroes"; son asesinos, pistoleros, fugitivos de la ley con un pasado turbio. Peckinpah es recordado tambien por títulos como "Perros de paja", "Grupo Salvaje", " La Huída" o "La Cruz de Hierro".

Todas las escenas estan rodadas en orden cronológico partiendo desde el comienzo en el interior de la prisión estatal de Huntsville en Texas hasta la frontera de El Paso con México. El guión está hecho de escasas sorpresas dentro del género de pulp menor, pero contiene escenas morbosas y se pretende dotar de una superficial relación marital entre los protagonistas. Al escribir me viene a la mente Bonnie and Clyde, de Arthur Penn (1967) y porque no Natural Born Killers (1994) de Oliver Stone, donde Tarantino cedió el guión y prefirió no salir en los créditos porque Stone "edulcoró" algunas escenas. La verdad que no me gustaría para nada hoy día llegar a estar en el estado de Texas tirando siquiera un papelito al suelo, es uno de los estados más duros en lo que la ley respecta. A pesar de ver a sus Sheriff con una pasividad ( No Country for Old Men, Hermanos Coen ) o Kill Bill Vol 1. (Q.T.)

Revisando por algunas páginas, me acordé que el director Roger Donalson hizo en 1994 una remake y que es la que había visto por televisión. Con un reparto importante como ser Alec Baldwin (Carter Doc McCoy) Kim Basinger (Carol McCoy) Michael Madsen y James Woods entre otros.

Creo que lo más destacable era la personificación que ponía Steve Mc Queen es sus papeles de personajes rudos, serio, frio, calculador. Ya comentaré en otro film sobre Mc Queen que fue un actor que protagonizaba la mayoría de las escenas de riesgo. Amante de la adrenalina y de las motos.

En el 2006 en Europa, salió una caja en homenaje a 25 años de su desaparición. Los títulos son: "El coloso en llamas" ; "Bullit" mejor montaje año 1968; "Cuando hierve la sangre"; "La Huída" de 1972; "El rey del juego" y "Tom Horn".

Albino Red, 07-2008

Easy Rider (1969) Busco mi Destino

2008-07-20T06:18:00.000-03:00

Dirección: Dennis Hopper

Producción: Peter Fonda, William Hayward, Bert Schneider

Guión: Peter Fonda, Dennis Hopper, Terry Southern

Música: Roger McGuinn. Hoyt Axton, Mars Bonfire (Steppenwolf), Bob Dylan, Jimi Hendrix, John Keene, Robbie Robertson

Fotografía: László Kovács

Reparto: Peter Fonda, Dennis Hopper, Jack Nicholson, Antonio Mendoza, Phil Spector, Mac Mashourian, Warren Finnerty, Tita Colorado, Luke Askew, Luana Andersl, Sabrina Scharf.

País: Estados Unidos

Año: 1969

Género: Road movie

Duración: 94 minutos

Je je jee!!! quizás era lo que estaban esperando que hable ? Si no? Drogas, sexo, rocanrol...

Bueno, si pasaron años, décadas para poder ver "tranqui" esta película. Nunca la tenían en los ochentosos videoclubes de barrio. " Y "Estados Alterados" ? - Ah esa sí. Pero está alquilada, y la devuelven el martes..."

Ok, este film de culto de la generación hippie me retrajo a la época donde se hacían films con muy buena calidad fotográfica y de bajo presupuesto o costos de producción. Aunque parezca contradictorio, los films llamados road-movies son realmente costosos porque conllevan a viajar y establecer situaciones y escenas en diversas locaciones, lo que significa un gran soporte para la parte actoral y técnica del equipo de filmación, no así por su escenografía. Pero este film dirigido por Dennis Hopper no supone un gran costo como una producción hollywoodense de los 50´s o 60´s.

Según Hopper, cuenta la historia que tenían pensado filmar la película con un costo de más de 300.000 dólares (cosa que a la hora de verla, me pareció exorbitante) más aún cuando comenta que para no pagar en actores principales y demás gastos, decidió hacerla él mismo como protagonista, junto a Peter Fonda como guionista para ahorrarse el dinero. La película filmada en 1969 fue una de las más taquilleras de esos años, recaudó 100 veces más su coste inicial. Se convirtió entonces en uno de los precedentes del nuevo cine americano que se hizo en los años 70. Estos films estaban acompañados por la música de lo que eran entonces grandes y no tan grandes estrellas de rock, como ser Robbie Robertson, Bob Dylan, Jimi Hendrix, John Keene entre otros, y Mark Bonfire (Steppenwolf) con el tema principal (aclaro que no quiso serlo) "Born to be Wild" (Nacido para Ser Salvaje"). Es para mí lo más original e independiente que conocí sobre los films hecho con amigos y con el apoyo de las productoras independientes que buscaban nuevos temas sobre la contracultura americana y la generación de la paz y amor (Estados Unidos había decidido retirar las tropas de Vietnam y existía un clima antibelicista en ese país).

Cómo se gestó Easy Rider

Cuestión que Hopper, decidió irse a hacer unas tomas a New Orleans, sobre el carnaval para el film, mientras que Fonda y otro colaborador se fueron a New York para escribir el guión. Pasado un mes, no tenían mucho material escrito, cosa que Hopper se cargó con una maquina de escribir y una secretaria para escribir él mismo el guión. En realidad la historia se creó a partir de un discurso en la Asociación Americana de Películas, donde un tal Johnson en su discurso proclamaba no hacer más filmes de sexo, drogas si no historias como Dr. Doolittle. Peter Fonda había ido a Nueva York a promocionar un film llamado "The Trip", que era sobre el LSD y una noche en el hotel donde estaba se había fumado unos porros y bebido unas Heineken y se puso a filmar fotografías de una pelicula llamada Wild Angels sobre motos. Cuando estaba bien colocado se había colgado tanto que decía haber entrado en la foto. Siendo las 4 de la mañana lo llama a Dennis y le comenta la idea de hacer Easy Rider. Deciden producirla y dirigirla para ahorrarse el dinero. Pero más allá de esto, ellos no querían hacer simplemente una pelicula de motoqueros que van recorriendo el país como dos vaqueros al estilo John Wayne de las películas de Ford, si no que querían hacer o mostrar lo que a ellos les estaba pasando con sus vidas, sus propias vivencias, no como entonces pasaban películas de comedia al estilo Doris Day ó tan felices como la de los chicos de la playa con sus tablas y sus noviecitas. En ese momento, el auge del arte pop y la música estaban con mucho mensaje y no habia películas que mostraran el tipo de vida hippie o de rebelde.

Filmar de la cabeza, no es fácil

Hopper se había reunido con un grupo de amigos para ir a filmar parte de lo que sería el film al carnaval de New Orleans. Consiguió del productor 40.000 dólares y unas cuantas cámaras de 16mm para ir a filmar. Claro era un grupo de amigos, todos querían ser el camarógrafo, se peleaban durante el rodaje, todos fumados y hasta con algunos en trance con LSD y mescal. Esto preocupó mucho a algunos de los productores, ya que no se veía bien y pensaban que el gobierno los estaba vigilando. Hopper decía, "que saben que estoy por hacer si ni siquiera tenía el guión?". Muchas rencillas entre los que eran el equipo de filmación y entonces terminaron tirando de los rollos de las cámaras durante las tomas, que se habian puesto bastante mal estos muchachos...

Fue ahi donde pararon y decidieron contratar gente profesional para poder hacer la filmación. Es ahi donde interviene Jack Nicholson que conoce a gente que estaría dispuesta y con experiencia. Mientras la historia cambiaba a ser algo más duro, la historia de contrabandear marihuana parecía muy incrédula, blanda. Ahi es donde Hopper sugiere poner que en vez de hierba sería la droga de los reyes: cocaína. Algo que sería de mucho valor pero que a su vez se conseguiría en un chaterrerío del Nuevo México.

La Cultura del Pelo Largo

Tambien era el cambio para el transporte, las motocicletas utilizadas fueron concebidas de unos diseños que llamaban California Chopper, Fueron re-acondicionadas y preparadas por especialistas y se les cambio la horquilla para ser más larga y hacia adelante, como si fuese un símbolo fálico apuntando en la ruta. No tenían amortiguadores traseros, sólo el asiento del conductor tenia resortes que amortiguaban los baches y saltos y tambien se les habia cambiado el respaldar. Cuenta Peter Fonda, que despues de una jornada de rodaje andando en la ruta, se habia ido a un bar a tomar una birra bien fría y bien grande. Cuando intentó llevarse un trago a los labios, alzó un brazo y no podía llevarlo a la boca. Luego sin que nadie lo vea probó con el otro y tampoco. Dejo el porrón en la barra y probó tocarse con los dedos la cara y no podía. Era el resultado de haber conducido durante tanto tiempo a 40 km/h esa moto.

Algunas escenas se filmaron estando fumados, en la que inclusive el clima hostil producto de discutir ciertas tomas o de lo que uno quería o no queria decir hacía más dificil ponerse de acuerdo, calmaba hasta llegar a hacer un dialogo o parlamento totalmente improvisado. Es rescatable tambien la escena del cementerio luego de llegar al carnaval de Orleans (dicen que muchas tomas fueron quitadas y otras porque se hacian muy largas). La actriz Karen Black cuenta que Hopper le habia dado una píldora para poder dormir, ella había preguntado si le haría bien y éste le contesto que la tomase y callase. Fue así su experiencia con el ácido lisérgico.

Recordando a un Grande

Quiero destacar el trabajo de alguien que ser convirtió en un gran profesional y que en estos días se cumple un aniversario de su muerte. Laszlo Kovacs, fue el director de fotografía y camarógrafo de este película. Húngaro nacido en 1933 en Cece y que junto a su inseparable amigo Vilmos Zsigmond filmaron día a dia en secreto la revolución húngara de 1956 en blanco y negro en 35mm. con una cámara Arriflex tomada de su escuela, la Academia de Arte y Drama de Budapest. Luego emigran a los Estados Unidos llevando consigo todo el material (30,000 pies de pelicula).

Albino Red, 07-2008